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The Michael Lauren Trio: Live At Mobydick Records
(Why Not Music, 2022)
La nueva producción del pedagogo y baterista neoyorquino Michael Lauren, nos llega con una diferencia estructural en cuanto al formato del grupo, que en esta ocasión está formado por un trío, compartido con el guitarrista Vasco Agostinho, y João Custódio en el contrabajo. En algunas de sus últimas producciones, anteriores a ésta (The Michael Lauren All Stars: Once Upon A Time In Portugal, 2015; y The Michael Lauren All Stars – Old School / Fresh Jazz, 2018), hemos escuchado al baterista en formaciones más amplias, acompañado por relevantes figuras del panorama jazzístico portugués. El trabajo a trío exige una planificación distinta y no exenta de las dificultades propias que se generan en cualquier tipo de grabación, esta vez realizada como un concierto en directo, en Braga (Portugal) en 2021, en los estudios del sello discográfico Mobydick Records, propiedad de los hermanos Nico y Budda Guedes.
El álbum contiene siete composiciones de variados estilos, que apuntan hacia esa diversidad musical a la que Lauren nos tiene acostumbrados, lo que hace que se convierta en un ejercicio muy activo en su totalidad.
“Biji” es el primer tema que encabeza el disco. Una composición del saxofonista Sonny Rollins, adaptada al trío, con arreglos de Lauren y Agostinho. La alegre y animosa partitura da juego para que los tres músicos realicen cortas incursiones de improvisaciones sobre la estructura armónica, destacando el papel del guitarrista con un solo más extenso, limpio y fluido, bien acompañado por la omnipresente batería de Lauren y las acertadas líneas del contrabajo de Custódio, creando un poderoso y perceptible groove, con una buena y profunda sonoridad. En “Ritual Do Cabrito”, apreciamos un giro estilístico hacia el jazz rock, marcado por el contrabajo de Custódio, la contundente batería de Lauren, y el sonido algo distorsionado de la guitarra de Agostinho, que vuelve a tener un destacado protagonismo compartido con el contrabajo y la batería. La audición continúa con una introducción de batería que da paso a la exposición melódica de “Bonfim Blues” (Once Upon A Time In Portugal, 2015) un relajado y elocuente blues, versionado a trío, con solos bien definidos de los tres componentes. Los ritmos del jazz funk también están presentes en el álbum con el tema titulado “Sempre Em Frente”, iniciado con el pulso de la batería y el contrabajo, al que se añade la guitarra distorsionada en una reiterada exposición de la melodía, para intensificarlo después con un solo muy expresivo. La introducción del contrabajo de Custódio da inicio a la pieza más extensa del disco “Looking Back At Life”, una balada lenta y emotiva, llena de matices y colores sonoros, desarrollada en gran parte por el contrabajo y la guitarra eléctrica, arropados por la meticulosa y sutil batería de Lauren. Los tiempos ternarios (3/4) se dan cita en “Fresco”, una alegre cadencia musical en la que Agostinho nos deleita con su buen manejo instrumental y un excelente lenguaje jazzístico en su discurso. Llegamos a la última composición del disco con “A Bridge Remembered”, basada en un tempo rápido (fast), sobre el que camina la sugerente y enérgica guitarra, dejando espacio a un magistral y decisivo solo de batería de Lauren.
Habría que resaltar también la lograda dimensión sonora que engloba todo el álbum. Fiel a sus principios eclécticos, pero igualmente a su versatilidad como baterista, Michael Lauren nos ofrece la muestra creativa de una música que se mueve más allá de lo convencional. Una música íntegra, hecha con actitud, de acuerdo con su propia reflexión.
Tomajazz: © José Antonio García López, 2022
The Michael Lauren Trio: Live At Mobydick Records
Músicos: Michael Lauren (batería), Vasco Agostinho (guitarra), João Custódio (contrabajo).
Composiciones: “Biji” (Sonny Rollins) / Arreglos: Michael Lauren y Vasco Agostinho, “Ritual Do Cabrito” (Vasco Agostinho) / Arreglos: Vasco Agostinho , “Bonfim Blues” (Michael Lauren) / Arreglos: Michael Lauren , “Sempre Em Frente” (Michael Lauren / Vasco Agostinho) / Arreglos: Michael Lauren y Vasco Agostinho, “Looking Back At Life” (Michael Lauren / Vasco Agostinho) / Arreglos: Michael Lauren, “Fresco” (Vasco Agostinho) / Arreglos: Vasco Agostinho, “A Bridge Remembered” (Michael Lauren / Vasco Agostinho) / Arreglos: Michael Lauren.
Producción: Michael Lauren. Publicado por Why Not Music, 2022.
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The Michael Lauren All Stars – Old School / Fresh Jazz
(Why Not Music, 2018)
Desde Portugal nos llega un interesante álbum del extraordinario baterista y compositor americano Michael Lauren. Su dedicación, como pedagogo, a la educación del jazz en diferentes departamentos y colectivos, profesor y jefe del departamento de jazz en la ESMAE (Oporto), y como fundador y director artístico en The International Drum Academy en Lisboa, le ha otorgado un papel fundamental en la escena jazzística del país lusitano, en el que se ha rodeado de experimentados músicos para confeccionar trabajos de una alta calidad musical, como en el caso de esta nueva grabación.
Lauren ha conformado una disposición muy original en el disco, barajando algunos cortes musicales, de poca duración, en formación de duetos con los principales solistas que le acompañan, entre los temas más extensos tocados en un formato de ensemble, con todo el grupo, dándole así un carácter muy dinámico a la obra musical en conjunto.
“Intro” es el primer corte que inicia la audición, con la presencia de la batería de Lauren en solitario. Le sigue una segunda pieza titulada “More Soul” (Oliver Nelson / Curtis Ousley), una elegante partitura de estilo hard bop a ritmo de swing, en la que escuchamos las primeras improvisaciones de la guitarra de Nuno Ferreira sobre la estructura, con un fraseo magistral y un exquisito sonido aterciopelado, seguido por la trompeta de Hugo Alves, preciso y ágil en su discurso. El contrabajo de Carlos Barreto, de sonido redondo y bien definido, finaliza la rueda de solos, para volver a la exposición del tema. Continuamos con “One More For The Road” de Nuno Ferreira, una composición con elocuentes aires del mejor jazz contemporáneo, desplegada con solos de guitarra bien articulados, y la inspiradora improvisación del vibráfono de Jeffery Davis, arropados por los backgrounds de la sección de vientos. En “Drum & Sasophone Duet”, Lauren y el saxofonista José Menezes son los dos protagonistas de un escueto, desenfadado y libre despliegue musical de intensos fraseos. La melodía al unísono de los vientos y el vibráfono en “The Right Wrong Topic”, tema original de Jeffery Davis, a ritmo de swing alto, le otorga una carga fresca y vitalista a la composición, que desarrollan posteriormente con solos de Davis y el piano de Diogo Vida, ambos dotados de una substancial dialéctica, fluida y bien elaborada. Tras “Drum & Guitar Duet”, con Lauren y Ferreira como únicos intérpretes, le sigue “Lisboa Boogaloo” de Michael Lauren, un divertido y bailable tema con aires de son jarocho, en el que destacan los rítmicos arreglos de vientos, y los solos del vibráfono y la trompeta. El juego del contrabajo con arco de Barreto y la batería de Lauren, en “Drum & Contrabass Duet”, da paso a la contundente composición “You Want It You Got It” de Hugo Alves, a ritmo de funky jazz, para lucimiento, en esta ocasión, de la trompeta y el vibráfono. El tándem de músicos vuelve en “Drum & Vibraphone Duet”, con Lauren y Davis. Una de las partituras más elaboradas es “Wapita” de Diogo Vida, en la que podemos escuchar los vibrantes arreglos y cambios de ritmo que contiene, y la excelente interacción con la que se maneja el septeto. En las improvisaciones de la pieza interviene el propio autor, el saxofón de Menezes, y el vibráfono de Davis, dejando la parte final para las incursiones de la trompeta y la guitarra, abrigados por un groove impecable. Es el turno de otro dueto formado por Lauren y Vida, “Drum & Piano Duet”. La exposición de trompeta y vibráfono del blues “Virgin In Times Square” de José Menezes, es como una brisa de aire fresco, sobre la amena base rítmica. El saxofonista es el encargado de abrir el camino de las dos improvisaciones que contiene el tema, seguido del pianista. El dialogo entre Lauren y Alves, nos lleva al último binomio del álbum, “Drum & Trumpet Duet”. Los tiempos rápidos están presentes en la pieza llamada “2-4”, del compositor y pianista portugués Carlos Azevedo, con la participación de todos los componentes del grupo en el desarrollo improvisatorio de la misma. Llegamos al último tema, “Song Of Bernardette” (Jennifer Warnes / Leonard Cohen / William Elliot), una exquisita balada cantada por Rui Veloso, que cuenta con colaboración de Michael Crehore en el teclado.
De nuevo, y con la referencia añadida de su anterior disco Once Upon A Time In Portugal (Why Not Music, 2015) en la memoria, el septeto, The Michael Lauren All Stars, nos adentra en una música con claras y ricas variables estilísticas, en el que la tradición y la modernidad se dan la mano en un contexto multidisciplinar y ecléctico. Un trabajo discográfico honesto y bien construido, bajo la dirección del versátil baterista Michael Lauren.
Texto: © José Antonio García López, 2018
The Michael Lauren All Stars: Old School / Fresh Jazz
Músicos: Michael Lauren (batería), Hugo Alves (trompeta), José Menezes (saxofón), Nuno Ferreira (guitarra), Diogo Vida (piano), Carlos Barreto (contrabajo), Jeffery Davis (vibráfono), Rui Veloso (voz), Michael Crehore (teclado)-
Composiciones: “Intro”, “More Soul” (Oliver Nelson / Curtis Ousley), “One More For The Road”, “Drum & Sasophone Duet”, “The Right Wrong Topic”, “Drum & Guitar Duet”, “Lisboa Boogaloo”, “Drum & Contrabass Duet”, “You Want It You Got It”, “Drum & Vibraphone Duet”, “Wapita”, “Drum & Piano Duet”, “Virgin In Times Square”, “Drum & Trumpet Duet”, “2-4”, “Song Of Bernardette” (Jennifer Warnes / Leonard Cohen / William Elliot). Los temas no indicados están compuestos por los músicos de la banda.
Producción: Michael Lauren. Publicado por Why Not Music, 2018.
The Michael Lauren All Stars – Old School / Fresh Jazz (Tomajazz)
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The Michael Lauren All Stars: Once Upon A Time In Portugal
The Michael Lauren All Stars – Old School / Fresh Jazz
(Why Not Music, 2018)
Desde Portugal nos llega un interesante álbum del extraordinario baterista y compositor americano Michael Lauren. Su dedicación, como pedagogo, a la educación del jazz en diferentes departamentos y colectivos, profesor y jefe del departamento de jazz en la ESMAE (Oporto), y como fundador y director artístico en The International Drum Academy en Lisboa, le ha otorgado un papel fundamental en la escena jazzística del país lusitano, en el que se ha rodeado de experimentados músicos para confeccionar trabajos de una alta calidad musical, como en el caso de esta nueva grabación.
Lauren ha conformado una disposición muy original en el disco, barajando algunos cortes musicales, de poca duración, en formación de duetos con los principales solistas que le acompañan, entre los temas más extensos tocados en un formato de ensemble, con todo el grupo, dándole así un carácter muy dinámico a la obra musical en conjunto.
“Intro” es el primer corte que inicia la audición, con la presencia de la batería de Lauren en solitario. Le sigue una segunda pieza titulada “More Soul” (Oliver Nelson / Curtis Ousley), una elegante partitura de estilo hard bop a ritmo de swing, en la que escuchamos las primeras improvisaciones de la guitarra de Nuno Ferreira sobre la estructura, con un fraseo magistral y un exquisito sonido aterciopelado, seguido por la trompeta de Hugo Alves, preciso y ágil en su discurso. El contrabajo de Carlos Barreto, de sonido redondo y bien definido, finaliza la rueda de solos, para volver a la exposición del tema. Continuamos con “One More For The Road” de Nuno Ferreira, una composición con elocuentes aires del mejor jazz contemporáneo, desplegada con solos de guitarra bien articulados, y la inspiradora improvisación del vibráfono de Jeffery Davis, arropados por los backgrounds de la sección de vientos. En “Drum & Sasophone Duet”, Lauren y el saxofonista José Menezes son los dos protagonistas de un escueto, desenfadado y libre despliegue musical de intensos fraseos. La melodía al unísono de los vientos y el vibráfono en “The Right Wrong Topic”, tema original de Jeffery Davis, a ritmo de swing alto, le otorga una carga fresca y vitalista a la composición, que desarrollan posteriormente con solos de Davis y el piano de Diogo Vida, ambos dotados de una substancial dialéctica, fluida y bien elaborada. Tras “Drum & Guitar Duet”, con Lauren y Ferreira como únicos intérpretes, le sigue “Lisboa Boogaloo” de Michael Lauren, un divertido y bailable tema con aires de son jarocho, en el que destacan los rítmicos arreglos de vientos, y los solos del vibráfono y la trompeta. El juego del contrabajo con arco de Barreto y la batería de Lauren, en “Drum & Contrabass Duet”, da paso a la contundente composición “You Want It You Got It” de Hugo Alves, a ritmo de funky jazz, para lucimiento, en esta ocasión, de la trompeta y el vibráfono. El tándem de músicos vuelve en “Drum & Vibraphone Duet”, con Lauren y Davis. Una de las partituras más elaboradas es “Wapita” de Diogo Vida, en la que podemos escuchar los vibrantes arreglos y cambios de ritmo que contiene, y la excelente interacción con la que se maneja el septeto. En las improvisaciones de la pieza interviene el propio autor, el saxofón de Menezes, y el vibráfono de Davis, dejando la parte final para las incursiones de la trompeta y la guitarra, abrigados por un groove impecable. Es el turno de otro dueto formado por Lauren y Vida, “Drum & Piano Duet”. La exposición de trompeta y vibráfono del blues “Virgin In Times Square” de José Menezes, es como una brisa de aire fresco, sobre la amena base rítmica. El saxofonista es el encargado de abrir el camino de las dos improvisaciones que contiene el tema, seguido del pianista. El dialogo entre Lauren y Alves, nos lleva al último binomio del álbum, “Drum & Trumpet Duet”. Los tiempos rápidos están presentes en la pieza llamada “2-4”, del compositor y pianista portugués Carlos Azevedo, con la participación de todos los componentes del grupo en el desarrollo improvisatorio de la misma. Llegamos al último tema, “Song Of Bernardette” (Jennifer Warnes / Leonard Cohen / William Elliot), una exquisita balada cantada por Rui Veloso, que cuenta con colaboración de Michael Crehore en el teclado.
De nuevo, y con la referencia añadida de su anterior disco Once Upon A Time In Portugal (Why Not Music, 2015) en la memoria, el septeto, The Michael Lauren All Stars, nos adentra en una música con claras y ricas variables estilísticas, en el que la tradición y la modernidad se dan la mano en un contexto multidisciplinar y ecléctico. Un trabajo discográfico honesto y bien construido, bajo la dirección del versátil baterista Michael Lauren.
Texto: © José Antonio García López, 2018
The Michael Lauren All Stars: Old School / Fresh Jazz
Músicos: Michael Lauren (batería), Hugo Alves (trompeta), José Menezes (saxofón), Nuno Ferreira (guitarra), Diogo Vida (piano), Carlos Barreto (contrabajo), Jeffery Davis (vibráfono), Rui Veloso (voz), Michael Crehore (teclado)-
Composiciones: “Intro”, “More Soul” (Oliver Nelson / Curtis Ousley), “One More For The Road”, “Drum & Sasophone Duet”, “The Right Wrong Topic”, “Drum & Guitar Duet”, “Lisboa Boogaloo”, “Drum & Contrabass Duet”, “You Want It You Got It”, “Drum & Vibraphone Duet”, “Wapita”, “Drum & Piano Duet”, “Virgin In Times Square”, “Drum & Trumpet Duet”, “2-4”, “Song Of Bernardette” (Jennifer Warnes / Leonard Cohen / William Elliot). Los temas no indicados están compuestos por los músicos de la banda.
Producción: Michael Lauren. Publicado por Why Not Music, 2018.
The Michael Lauren All Stars – Old School / Fresh Jazz (Tomajazz)
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The Michael Lauren All Stars: Once Upon A Time In Portugal
(Why Not Music, 2015; CD)
Elegante y sofisticado trabajo discográfico del baterista neoyorquino Michael Lauren, que nos llega desde Portugal, país en el que reside actualmente este gran pedagogo de la música. La trayectoria artística de Lauren es muy amplia, tanto que daría para escribir muchas páginas sobre ella, pero hay algo que destaca, su dedicación a la enseñanza y la fundación de varios colectivos que continúan dedicados a la educación musical. Su actual situación como profesor y jefe de departamento de jazz en la ESMAE (Oporto), y como fundador y director artístico en The International Drum Academy en Lisboa, le ha llevado a rodearse de excelentes músicos portugueses que comparten con él sus composiciones, y colaboran en esta magnifica grabación.
La sensación que nos aguarda cuando comenzamos a escuchar el disco es la de estar ante un trabajo de alta calidad, tanto sonora como artística, en el que impera un excepcional sentido del groove y una elaboración instrumental impecable y bien cuidada por parte de los músicos. “Minor Strain” (Bobby Timmons) es el tema que encabeza la obra. Una pieza a ritmo de swing alto en la que lucen las fluidas improvisaciones del pianista Diogo Vida, la brillante trompeta de Hugo Alves, y el sonido redondo del guitarrista Nuno Ferreira. Tras esta primera pieza, seguimos con “Bonfin Blues”, composición original de Lauren, a un tiempo de swing más relajado. La exposición melódica deja paso al contrabajista Carlos Barreto, con un solo sutil y bien articulado. Las improvisaciones de Alves y del saxofonista José Menezes, están también presentes en el desarrollo del tema. Una breve introducción de la guitarra da la entrada a la melodía del título “Outras Viagens” de José Menezes, en el que el vibráfono de Jeffery Davis, la guitarra de Ferreira y el saxo tenor de Menezes toman el protagonismo principal en el tema, traducido en elocuentes improvisaciones, con las que van creando la intensidad necesaria en la composición. Otra introducción, esta vez de batería y contrabajo, anuncian la partitura de “Who Said Monopoly Was Fun”, compuesta por el vibrafonísta Jeffery Davis, en la que el autor luce con esplendidos fraseos, abrigado por el colchón rítmico y armónico de los demás integrantes del septeto, recordándonos a veces, en sus maneras y sonido, al gran vibrafonísta Gary Burton. La guitarra de Ferreira suena también con elegancia y soltura sobre las bases que le arropan, aportando una fluida dialéctica y buen sonido al conjunto. La balada con aires cubanos de bolero “The Nearness Of You” (N. Washington / H. Carmichael), es una muestra perceptible de la exquisitez musical en la que se desenvuelve el grupo. Los ritmos de funky son la base de “Seven Ties Corp” del trompetista Hugo Alves. El autor comparte aquí el reparto de improvisaciones junto al vibráfono de Davis.
Los tiempos ternarios están presentes en “Trains” de Diogo Vida, una composición vitalista, llena de substancia y fuerza inspiradora. El pianista se recrea con una primera intervención refinada y emotiva, y deja camino a los solos alternados del saxo y la trompeta, y del vibráfono y la guitarra, formando un tándem en el que se complementan a modo de pregunta y respuesta. Entramos en la recta final del disco con “Smoking Gun” de José Menezes, un vibrante argumento musical con bases latinas y arreglos bien elaborados. El último tema “Barro E Cal” de Nuno Ferreira, nos adentra de nuevo en un swing fresco y palpitante, para escuchar las últimas incursiones solistas del saxofón, el vibráfono y la batería. Michael Lauren deja una huella magistral y esperanzadora con este gran trabajo discográfico, en el que une pasado y presente con esfuerzo, talento y originalidad creativa, tan necesaria en estos tiempos. Enhorabuena por el proyecto.
© José Antonio García López, 2016
The Michael Lauren All Stars: Once Upon A Time In Portugal
Músicos: Michael Lauren (batería), Hugo Alves (trompeta), José Menezes (saxofón), Nuno Ferreira (guitarra), Diogo Vida (piano), Carlos Barreto (contrabajo) y Jeffery Davis (vibráfono).
Composiciones: “Minor Strain” (Bobby Timmons), “Bonfim Blues”, “Outras Viagens”, “Who Said Monopoly Was Fun”, “The Nearness Of You” (N. Washington / H. Carmichael), “Seven Ties Corp”, “Trains”, “Smoking Gun” y “Barro E Cal”. Los temas no indicados están compuestos por los músicos de la banda.
Producción: Michael Lauren. Publicado por Why Not Music, 2015.
The Michael Lauren All Stars: Once Upon A Time In Portugal - Tomajazz
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Eklectic: Jazz Suite Nº 3. (Curvas)
(Autoeditado, 2016)
Según el apunte incluido en el interior de la portada de su disco, el dúo Eklectic es un proyecto que nace a raíz de la necesidad de crear una formación dónde poder desarrollar un lenguaje alejado de la ortodoxia, a partir de las ideas e interacción de dos músicos, Perico Baños y Andrés Lafuente, con fines puramente creativos. El resultado de esta aventura se hizo realidad en el año 2015 con la grabación del álbum Jazz Suite Nº 3. (Curvas). La doble estampa musical, teclados y batería, presente en toda la obra, es una muestra posiblemente arriesgada, pero no exenta de los valores propios e inherentes a todo buen trabajo que se considere como tal. Un encuentro, cara a cara, en el que conviven la libertad expresiva de cada artista con una labor instrumental de gran calidad. Una búsqueda de algo diferente en la evolución y en el caminar de estos dos grandes músicos.
“Preludio sinuoso” es la primera pieza que escuchamos, sumergiéndonos en el mundo sonoro que impregna toda la obra. Un cosmos mágico, vibrante e intenso, y a veces etéreo. La excelente complicidad entre los músicos se manifiesta de nuevo en el tema titulado “Ya”, en el que destacan las variaciones rítmicas que se van sucediendo durante todo el desarrollo y los sugerentes juegos de compases alternados de los dos instrumentos, dándole un carácter muy dinámico a la composición. Pasamos a la partitura de más duración del álbum, la pieza lenta titulada “Balada para el mareo”, un diálogo cargado de matices en el que luce el buen manejo rítmico de las escobillas en las manos del baterista. Una breve introducción de la batería abre el siguiente tema, “Un hueco en la mañana”, realizado a ritmo de swing. Tras la exposición escuchamos los sutiles solos de improvisación de Baños, arropados por las líneas de bajo que va ejecutando con su mano izquierda en el teclado y por los toques precisos de Lafuente. Los tiempos ternarios están presentes en “Vals encurvado”, original partitura en la que Baños vuelve a embelesarnos con ricos e inspiradores fraseos sobre el cabalgue rítmico del baterista. “El café de las doce” es un tema enérgico que alcanza su plenitud con las improvisaciones y arreglos de ambos componentes, cortes medidos y bien estructurados. Llegamos casi a la recta final de la audición con “El autoestopista olvidado”, música reposada, cargada de poesía y pasajes oníricos. Cerramos el disco con “Cinco curvas más”, en el que Baños vuelve a mostrarnos sus habilidades técnicas y su gran fluidez con el teclado, en una perfecta sincronía con la batería de Lafuente.
La suite Curvas es, sobre todo, una obra honesta y audaz. Un trabajo creativo que nos acerca a una manera distinta de hacer música, elaborada bajo la perspectiva subjetiva de dos artistas que persiguen algo que va más allá de lo dogmático y convencional.
Texto y fotografía: © José Antonio García López, 2016
Eklectic: Jazz Suite Nº 3. (Curvas).
Grupo. Eklectic: Perico Baños (teclados), Andrés Lafuente (batería).
Composiciones: “Preludio sinuoso”, “Ya”, “Balada para el mareo”, “Un hueco en la mañana”, “Vals encurvado”, “El café de las doce”, “El autoestopista olvidado”, y “Cinco curvas más”.
Todos los temas están compuestos por Perico Baños, con arreglos del propio compositor y del baterista Andrés Lafuente.
Grabado en estudios Mirage el 24 de junio de 2015. Mezclado, masterizado y producido por Eklectic.
Diseño gráfico y fotografías de José Antonio García (Lupo)
Eklectic: Jazz Suite Nº 3. (Curvas) - Tomajazz
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David Regueiro Swingtet: Bird Lives! (The Charlie Parker Songbook)
(Free Code Jazz Records, 2015)
El título del disco Bird Lives!, del guitarrista gallego David Regueiro, ya nos dice algo sobre el contenido musical que vamos a encontrar en su interior. El swing, el jazz manouche y el bebop, sirven de base para elaborar un excelente trabajo en el que se dan la mano, dicho sea de forma simbólica, los que fueron máximos representantes de ambos estilos: Django Reinhardt y Charlie Parker, con sus respectivos lenguajes. El quinteto, arropado en una sección rítmica impecable, encargada de mantener las raíces y las bases propias del gipsy jazz, se completa con dos vientos, trompeta y saxo alto, que aportan la esencia del estilo bebop. La mezcla de las dos representaciones tiene un resultado excepcional, comparte ambos conceptos musicales para crear uno diferente. Una dualidad musical que funciona de manera alegre y especialmente vitalista.
La audición comienza con la conocida partitura llamada “Moose The Mooche”, un rhythm changes de 32 compases con una estructura AABA, en la que la trompeta y el saxo alto dan muestra de la exposición del tema al unísono, acompañados por el contrabajo y más tarde por las guitarras. El quinteto crea diferentes dinámicas y juega con los solos de improvisación de los tres solistas principales, a lo largo del desarrollo, alternando y compartiendo fraseos al más puro estilo bebop. Una corta introducción del contrabajista Juyma Estévez da paso al segundo tema, “Segment”, con el despliegue de los vientos, seguido de las improvisaciones de Regueiro, Pereiro y Otero. De nuevo es el contrabajista el encargado de introducir la siguiente pieza, “Now’s The Time”, interpretada a un tiempo más moderado que las anteriores. Regueiro deja aquí a los vientos el papel principal de las improvisaciones, deleitándonos con un magistral solo del saxo alto y una exquisita intervención de la trompeta, usando efectos sonoros a modo de glissandos, muy acordes con el estilo de música. “Donna Lee”, es una pieza atribuida a Charlie Parker aunque más tarde se ha especulado que el autor fue Miles Davis, que ya andaba formando parte del quinteto del saxofonista. La guitarra de Regueiro suena ágil en su improvisación, con fraseos bien articulados, arropado por el contrabajo de Juyma Estévez y la guitarra rítmica de Iago Reigosa. Destacan también los solos del saxofón, con un sonido redondo y profundo que rememora con mucho mimo al del maestro Parker, y los de la trompeta con sordina, que aporta a las interpretaciones un carácter peculiar, un efecto sonoro muy usado y presente en los discos y formaciones de los años del swing y el bebop.
Seguimos escuchando este disco homenaje a Charlie Parker con el tema “Confirmation” -otra de sus partituras emblemáticas-, a ritmo de swing medio. Una interpretación bonita, aunque pierda esa energía rítmica original. Las improvisaciones de trompeta, saxo alto y contrabajo se suceden transportadas sobre el groove creado por las guitarras, un colchón armónico y sonoro en toda regla. En “A Night In Tunisia” de Dizzy Gillespie, lucen las improvisaciones de Antonio Otero, conocedor del lenguaje de Parker, y las de Javi Pereiro, explorador de efectos y buen constructor melódico. David Regueiro participa también como solista en el desarrollo del tema. Fantástico sonido de la trompeta de Pereiro en “Billies Bounce”, tema con el que, junto al conocido “Ornithology” y “Dewey Square”, llegamos al cierre de la audición de este buen trabajo discográfico del quinteto con el sello Free Code Jazz Records.
© José Antonio García López , 2016
David Regueiro Swingtet: Bird Lives! (The Charlie Parker Songbook)
Músicos: Antonio Otero (saxo alto), Javi “Gdjazz” Pereiro (trompeta), David Regueiro (guitarra), Iago Reigosa (guitarra), y Juyma Estévez (contrabajo).
Composiciones: “Moose The Mooche”, “Segment”, “Now’s The Time”, “Donna Lee”, “Confirmation”, “A Night In Tunisia”, “Billies Bounce”, “Ornithology”, y “Dewey Square”.
Todos los temas están compuestos por Charlie Parker, excepto “A Night In Tunisia” de Dizzy Gillespie.
Publicado por Free Code Jazz Records, 2015.
David Regueiro Swingtet: Bird Lives! (The Charlie Parker Songbook) - Tomajazz
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Melissa Aldana: Melissa Aldana & Crash Trio
(Concord Records, 2014; CD)
El tercer disco de la saxofonista Melissa Aldana lleva el título de Melissa Aldana & Crash Trio (Concord Records, 2014), en el que comparte temas de su propia creación junto a composiciones del bajista chileno Pablo Menares, y del baterista cubano Francisco Mela, ambos integrantes del trío. Además están incluidos otros dos títulos: un tema compuesto por Harry Warren / Joe Young / Mort Dixon, y otra composición del pianista Thelonious Monk.
En “M&M”, tema que encabeza la audición, la melodía marcada por el saxo de Aldana deja paso a una improvisación con largos y rápidos fraseos, arropada por una sección rítmica impecable. La saxofonista nos ofrece un primer ejemplo de su gran maestría con el instrumento, destacando su agilidad y flexibilidad, y un sonido claro y redondo. Continuamos con “Turning”, una pieza que requiere especial atención auditiva por los cambios dinámicos que estructuran la composición, suaves y a veces intensos, modelados por la variada expresión musical de la saxofonista. La versión de “You’re My Everything”, añade al disco un toque de vuelta a los clásicos del jazz, con un particular enfoque que no te deja indiferente. Las influencias de otros saxofonistas modernos como Mark Turner o Joshua Redman, dejan su huella en “Bring Him Home”, una pieza marcada por espacios de silencios y arranques de improvisación, en los que brilla una gran interacción del grupo. La introducción del contrabajo, en el tema “Tirapié”, da rienda suelta a las exploraciones de Aldana, adentrándonos en un ambiente mágico, afable y delicado.
Rebasamos el ecuador del álbum con un tema llamado “Peace, Love & Music”, obra del baterista, en la que introduce una larga y sugerente muestra de su destreza. En “Perdón”, de Pablo Menares, Aldana se muestra elocuente e ingeniosa recreándose en su especial narrativa musical, con la que va hechizando al oyente hasta el final de la pieza. “New Points” y el alegre “Dear Joe”, son los temas que nos acercan al cierre de la audición, lugar que ocupa la partitura de Thelonious Monk llamada “Ask Me Now”. Una mirada al gran pianista que la saxofonista, Aldana, desarrolla completamente en solitario.
El álbum es una muestra del mejor jazz moderno que podemos escuchar hoy, y reafirma la trayectoria artística de Melissa Aldana, lo que afianza su posición entre los grandes músicos de jazz en la actualidad, haciéndose eco de un merecido reconocimiento. Su evolución musical le lleva a experimentar, en este disco, con nuevas composiciones más arriesgadas, con las que conforma un particular mundo sonoro, profundo, abstracto, enérgico y a veces suave, impregnado de un excelente lenguaje jazzístico, trascendental y lírico.
© José Antonio García López, 2015
Melissa Aldana: Melissa Aldana & Crash Trio
Músicos: Melissa Aldana (saxo tenor), Pablo Menares (contrabajo), y Francisco Mela (batería).
Composiciones: “M&M”, “Turning”, “You’re My Everything”, “Bring Him Home”, “Tirapié”, “Peace, Love & Music”, “Perdón”, “New Points”, “Dear Joe”, y “Ask Me Now”.
Los temas están compuestos por Melissa Aldana, excepto “You’re Me Everything” de Harry Warren / Joe Young / Mort Dixon, “Tirapié”, y “Perdón” de Pablo Menares, “Peace, Love & Music” y “Dear Joe” de Francisco Mela, y “Ask Me Now” de Thelonious Monk.
Publicado por Concord Records, 2014.
Melissa Aldana: Melissa Aldana & Crash Trio (Concord Records, 2014; CD) - Tomajazz
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João Hasselberg: Whatever It Is You’re Seeking, Won’t Come In The Form You’re Expecting
(Sintoma Records, 2014)
El disco debut del contrabajista portugués João Hasselberg, tiene un largo titulo: Whatever It Is You’re Seeking, Won’t Come In The Form You’re Expecting (Sintoma Records, 2013), que traducido sería algo así como, “Sea lo que sea que estás buscando, no vendrá en la forma que esperas.”, una sugerente cita del escritor japonés Haruki Murakami en su novela Kafka On The Shore. Hasselberg es un destacado contrabajista de la escena del jazz en Portugal, además de un profuso colaborador en formaciones con grandes figuras de la música: Sara Serpa, Spyros Manesis, Gianni Gagliardi, y otras.
El álbum es una compilación de composiciones musicales originales, en su mayoría, y algún estándar de jazz, inspiradas en determinados grandes clásicos literarios. Historias abordadas musicalmente que recrean un especial ambiente sonoro. La proyección internacional del músico podemos seguirla a través de los numerosos festivales de jazz europeos en los que ha participado, compartiendo escenario con grandes figuras del género. En la grabación del disco han colaborado nombres muy importantes y conocidos de la música portuguesa: las voces de Joana Espadinha y Luísa Sobral, el piano de Luis Figueiredo, el excelente batería Bruno Pedroso, Ricardo Toscano con el saxo alto, el trompetista Diogo Duque, y los guitarristas Afonso Pais y João Firmino.
“In Cold Blood (Intro)”, es el tema que abre la audición. La melodía del saxo, no tarda en ser arropada por el sonido de la trompeta y el resto de instrumentos, proyectando hermosas intensidades sonoras en el corto espacio temporal que dura la introducción. Tras este primer corte lento comienza la partitura “In Cold Blood”, inicio de guitarra y trompeta, sumándose ambos instrumentos con el grupo en una progresión armónica que sirve de base de improvisación al trompetista Diogo Duque, uno de los componentes que más destaca en la formación, con una gran presencia en buena parte de los temas que contiene el disco. La voz de la cantante Joana Espadinha, suena lejana y mágica sobre los acordes de la guitarra de João Firmino, en la canción “To A God Unknown”, adornada con los fraseos de la trompeta. El pianista Luis Figueiredo, destaca en el tema “The Old Man And The Sea”, una preciosa melodía construida sobre una nota continua de piano (Fa), repetida rítmicamente en toda la pieza, compartido con el contrabajo y la batería de Bruno Pedroso. “The Folks Who Live On The Hill”, es una composición desarrollada en solitario por Hasselberg, un emocionante monólogo musical con el que nos recuerda el sonido del contrabajo, presente en sus composiciones. El saxofonista Ricardo Toscano se integra en la formación con “A Wild Sheep Chase”, pieza trascendental en el contenido del disco, en la que elabora ricos fraseos abrigado por la precisa interacción de una sección rítmica impecable.
Llegamos al séptimo titulo, “Canção de Embalar – The Diaries Of Adam And Eve”, una nostálgica balada, en la que Figueiredo y Hasselberg despliegan elocuentes improvisaciones. De nuevo una voz de mujer, esta vez es la cantante Luísa Sobral, interpretando la canción “The Ballad Of The Sad Cafe”, acompañada por la guitarra de Afonso Pais, que nos atrae con su sonido, dejándonos percibir su buena técnica y maestría con el instrumento. El baterista Bruno Pedroso inicia el tema “On The Road”, en el que saxofón y contrabajo completan el triangulo que desarrolla toda la pieza. “A Wild Sheep Chase (Reprise)”, y “Amor De Perdição”, cierran la audición de un trabajo elaborado con una gran sensibilidad y substancia. Un álbum que nos muestra las elegantes maneras compositivas y creativas de Hasselberg, y una música diferente, con el sello propio del autor.
© José Antonio García López, 2014
João Hasselberg: Whatever It Is You’re Seeking, Won’t Come In The Form You’re Expecting
Músicos: Joana Espadinha (voz), Luísa Sobral (voz), Diogo Duque (trompeta), Ricardo Toscano (saxo alto), Afonso Pais y João Firmino (guitarras), Luis Figueiredo (piano), João Hasselberg (contrabajo y bajo eléctrico), y Bruno Pedroso (batería).
Composiciones: “In Cold Blood (Intro)”, “In Cold Blood”, “To A God Unknown”, “The Old Man And The Sea”, “The Folks Who Live On The Hill”, “A Wild Sheep Chase”, “Canção de Embalar – The Diaries Of Adam And Eve”, “The Ballad Of The Sad Cafe”, “On The Road”, “A Wild Sheep Chase (Reprise)”, y “Amor De Perdição”.
Todos los temas están compuestos por João Hasselberg, excepto “The Folks Who Live On The Hill”, de Jerome Kern. Letra de “To A God Unknown” de Joana Espadinha, y letra de “The Ballad Of The Sad Cafe”, de Luísa Sobral.
Grabado en Atlãntico Blue Studios, en 2013. Producción: João Hasselberg. Editado por Sintoma Records.
João Hasselberg: Whatever It Is You’re Seeking, Won’t Come In The Form You’re Expecting (Sintoma Records, 2014) - Tomajazz
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André Santos: Ponto de partida
(Tone Of A Pitch Music, 2014)
Ponto de partida, es el primer disco del joven guitarrista, André Santos (Funchal, 1986), una muestra palpable de la creciente creatividad musical que nos llega desde tierras portuguesas. Avalado por una extensa formación didáctica y profesional, adquirida a través de maestros como Peter Bernstein y otras grandes figuras del género jazzístico, Santos ha sabido rodearse también de un personal exquisito y relevante, con el que comparte gustos y afinidades musicales que han dado fruto a este original álbum.
A modo de presentación, el disco comienza con el tema llamado “Zion”, una pieza de marcado estilo folk, con la presencia armónica destacada y contundente de los acordes de la guitarra, desvelando, en parte, el carácter potente y consistente que contiene la obra en general.
La introducción de la batería de João Pereira da paso a la balada “Reverso da medalha”, en la que confluyen los sonidos de la guitarra acústica y eléctrica con el saxo alto de Ricardo Toscano, avivándose la dinámica de la pieza con las enérgicas improvisaciones de este último, y enriquecida al final con las notas del contrabajista João Hasselberg, abrigado por los leves toques de los timbales del baterista. “Siso”, tercer tema del disco, gira en torno a los principales solistas del grupo, en el que Santos y Toscano exponen sus respectivos solos de improvisación de forma emocionante e intensa, saturados de una gran fuerza expresiva. Llegamos al tema central que da titulo al álbum, “Ponto de partida”, en el que una breve introducción de guitarra sirve de puerta de enlace a la hermosa y lírica exposición inicial de la pieza, con el saxofón de Toscano como protagonista principal. El desarrollo se ultima con dos elocuentes solos de saxofón y guitarra, mostrándonos las buenas capacidades creativas y las habilidades técnicas de cada uno de ellos como instrumentistas.
Los aires y ritmos sureños nos traen la pieza llamada “Avô João”, con la colaboración del saxofonista tenor Gianni Gagliardi. Él es el encargado de la melodía principal, y el único que elabora las posteriores improvisaciones en el desarrollo del tema, creando un ambiente melancólico y sereno, alrededor de un mismo sonido.
“QWERTY”, nombre que hace referencia a las letras del sistema ingles del teclado en los ordenadores, es quizá una de las partituras más complejas y vibrantes que contiene el disco. Escuchamos la intensidad desde el comienzo, en la exposición, y posteriormente en las improvisaciones de guitarra, la cual da paso a su vez, a través de un corto interludio, a una transformación radical del tema. La partitura cambia a un estilo de rock, poderoso y trascendente, destacado por la fuerza sonora de los instrumentos y un espléndido solo del baterista João Pereira, para finalizar. La relajación y los tiempos lentos vuelven a aparecer en “Viagem de olhos vendados”. La melodía que introduce la guitarra de Santos, en solitario, es compartida después con Toscano, que, acto seguido, abre su improvisación en el tema acompañado por la sección rítmica, con una destacada presencia de la batería de Pereira.
Las dulces voces compartidas de Joana Espadinha, autora de la letra, y Margarida Campelo, suenan en la canción “Mutantes”, arropadas solamente por la guitarra. El cierre de la audición es una pieza llamada “Presságio”, intensa, realizada con los enérgicos fraseos del saxofonista Ricardo Toscano, junto a una sección rítmica contundente y arrolladora.
Hay que destacar la labor importante de André Fernandes y Nuno Costa, en la grabación y mezcla del álbum, así como también la masterización a cargo de Mario Barreiros, sin olvidarnos del trabajo de diseño gráfico de Ana Pedro Ferreira.
Es éste pues, un disco emotivo que nos acerca a la música del guitarrista André Santos, y en el que podemos apreciar los cimientos que la sostienen: honestidad, tradición, modernidad, y un saber hacer impecable de todos los componentes que han participado.
© José Antonio García López, 2014
André Santos: Ponto de partida
Músicos: André Santos (guitarras), João Hasselberg (contrabajo), João Pereira (batería) y Ricardo Toscano (saxo alto).
Músicos invitados: Gianni Gagliardi (saxo tenor en “Avô Joao”), Joana Espadinha (voz en “Mutantes”) y Margarida Campelo (voz en “Mutantes”).
Composiciones: “Zion”, “Reverso da medalha”, “Siso”, “Ponto de partida”, “Avô João”, “QWERTY”, “Viagem de olhos vendados”, “Mutantes”, “Presságio”.
Todos los temas están compuestos por André Santos. Letra de “Mutantes” compuesta por Joana Espadinha.
Tone Of A Pitch Music. TOAP / OJM. Grabado en 2013.
André Santos: Ponto de partida (Tone Of A Pitch Music, 2014) - Tomajazz
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Pedro Neves: Ausente
(Carimbo Porta-Jazz, 2013)
Gracias a la labor de los colectivos que fomentan la música, como es el caso de la Associação Porta-Jazz, podemos disfrutar de diversos trabajos discográficos que nos muestran la exquisita creatividad de los artistas portugueses, y nos permiten conocer a los excelentes músicos que cohabitan en el entorno del género jazzístico, en el país lusitano. El pianista Pedro Neves es uno de ellos. Su primer disco, Ausente, es también su estreno como compositor, a la vez que lidera un proyecto a trío, integrado por reconocidos músicos de la escena del jazz: el contrabajista Miguel Ângelo, autor de dos de las piezas que conforman el álbum, y el baterista Leandro Leonet, cerrando, ambos, un triangulo bien compactado, capaz de transmitir una gran emotividad musical, tanto a niveles individuales como en conjunto, a través de sus instrumentos.
“Ausente”, es el tema que encabeza la audición y da nombre al álbum. Una pieza extensa que nos recuerda mucho el sonido moderno de grupos ubicados en el norte europeo, como Esbjorn Svensson Trio, Tingvall Trio y otros, no por ello exenta de la personal visión y del particular tratamiento que el pianista, Pedro Neves, impregna a sus obras.
En el carácter musical del disco destaca el sonido del piano como instrumento principal en las melodías e improvisaciones, pero también notamos la brillante presencia de los dos instrumentos que le acompañan, contrabajo y batería, mostrándonos una excelente interacción entre ellos. El contrabajista, Miguel Ângelo, ejecuta un corto y sugerente solo en el tema “Cinco almofadas”, bien construido, abrigado por las sutiles cadencias armónicas del pianista y los acertados juegos del baterista Leandro Leonet.
Una de las partituras más destacadas del álbum es una pieza llamada “Casa do Santa”, una preciosa balada en la que Neves hace gala de su creatividad con una elocuente y magistral improvisación, arrastrándonos a una atmósfera sumamente onírica y trascendental.
Los tiempos lentos y medios predominan en el disco, continuando con “Sete palmos”, y “A bonança pode esperar”, donde la complicidad de los músicos va creciendo paralela a la intensidad de los temas, a los cambios dinámicos, y a las estructuras más complejas. “Aifos” y “Tramal”, son los títulos que aporta el contrabajista Miguel Ângelo en el disco, desempeñando, junto al pianista, un papel primordial en las improvisaciones y en los diálogos melódicos.
Nos acercamos casi al final de la audición con “Lady Bug”, de corte medio funky, en el que cabe destacar la labor de Leandro Leonet, impecable y decisivo en el manejo de su instrumento. Y “Presente”, última composición de Neves incluida en el álbum, en la que el pianista nos evoca paisajes de una gran calma anímica que embelesa al oyente desde las primeras notas.
Sonido limpio, emoción, elegancia, maestría y saber hacer, son elementos presentes en este primer disco de Pedro Neves. Ausente es una muestra del espléndido momento por el que atraviesa este gran compositor. Enhorabuena a los músicos que integran el trío por su excepcional y generoso trabajo.
© José Antonio García López, 2014
Pedro Neves: Ausente
Composiciones: “Ausente”, “Cinco almofadas”, “Casa do Santa”, “Sete palmos”, “A bonança pode esperar”, “Aifos”, “Tramal”, “Lady Bug”, “Presente”.
Todos los temas están compuestos por Pedro Neves, excepto “Aifos” y “Tramal” de Miguel Ângelo.
Músicos: Pedro Neves (piano), Miguel Ângelo (contrabajo) y Leandro Leonet (batería).
Sello discográfico: Carimbo Porta-Jazz. Grabado en 2013
Pedro Neves: Ausente (Carimbo Porta-Jazz, 2013) - Tomajazz.
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Miguel Ângelo: Branco
(Carimbo Porta-Jazz, 2013)
El jazz que se realiza en Portugal parece gozar de un excelente estado creativo gracias a la labor de un buen numero de músicos empeñados en que así sea, y se conozcan, cada día más, sus proyectos en torno a este género. Muestra de ello es la diversidad de trabajos discográficos producidos en el pasado año 2013 por diferentes artistas portugueses. El álbum Branco, del contrabajista Miguel Ângelo, es una buena prueba de ello. Es una colección de sus mejores composiciones y contiene una desbordante carga de energía musical que vamos apreciando conforme transcurre la audición. Este primer disco del contrabajista, como líder, está compartido con otros tres experimentados músicos: João Guimarães, saxo alto; Joaquim Rodríguez, al piano; y Marcos Cavaleiro, en la batería, conformando así un cuarteto compacto y fuertemente interactivo, que se maneja con gran soltura y elegancia sobre los ritmos y armonías del jazz moderno. El álbum está producido por el propio Miguel Ângelo, y en él cabe destacar la excelente mezcla y masterización de Nelson Carvalho.
“Cem” es la primera pieza que abre la audición, en la que podemos escuchar el afable sonido que aporta el saxo alto de João Guimarães, junto al piano de Joaquim Rodrigues, en la exposición melódica. Son ellos los encargados de protagonizar las primeras improvisaciones, incluyendo también el sonido del teclado Rhodes.
En el tema “TraMal”, los solos de saxo alto y piano van dando forma a la composición con elocuentes fraseos, abrazados por el contrabajo y la batería. Tras la exposición de “Maior”, es el líder contrabajista el encargado de abrir las ruedas de improvisaciones, esta vez compartidas con el saxo alto y el piano, protagonizando, este último, gran parte de la intensidad musical sobre los ricos cambios armónicos presentes en la partitura.
La quietud llega con la balada suave y nostálgica llamada “Carnaval”, una pieza delicada en la que el baterista Marcos Cavaleiro, sostiene un acompañamiento escalonado, mostrando una exquisita complicidad e interacción con el resto del grupo. En el tema “Voltas?”, la introducción en solitario del contrabajo nos lleva hacia nuevas y briosas dinámicas, tratadas de manera elegante y sugestiva por el saxo alto de Guimarães, y el piano de Rodrigues. La audición se torna de nuevo sosegada en la composición titulada “Ja nao voltas!”. Una preciosa pieza lenta desarrollada por extensos solos de contrabajo y piano, limpios en su sonido y bien construidos. El sentimiento inunda las formas, contagiado por los elocuentes fraseos y el acompañamiento sutil y contenido del baterista Marcos Cavaleiro.
La pieza llamada “Estória”, es otra de las alegres y sureñas variantes rítmicas que contiene el álbum, en la que el pianista luce su buena técnica y expresión, manejándose sobre una consistente sección rítmica. La audición continúa con “Branco”, tema que da titulo al disco, quizá una de las partituras en las que más se refleja la buena cohesión musical y entendimiento entre los componentes del cuarteto, compartiendo ricos diálogos superpuestos para dar forma a las abiertas progresiones armónicas que contiene la composición.
“Tempo”, con la presencia rítmica y contundente del baterista Marcos Cavaleiro, cierra la audición de un disco elaborado con honestidad y gran creatividad, en el que resaltan los magistrales diálogos, libres y expresivos, de los músicos que participan. La música de Miguel Ângelo transmite alma, sensibilidad, energía, calidad sonora… elementos y variantes que no en todos los trabajos discográficos se producen y se logran dar a la vez.
Suerte y enhorabuena a los músicos.
© José Antonio García López, 2014
Miguel Ângelo – Branco
Músicos: João Guimarães (saxo alto), Joaquim Rodrigues (piano y Fender Rhodes), Miguel Ângelo (contrabajo) y Marcos Cavaleiro (batería).
Composiciones: “Cem”, “TraMal”, “Maior”, “Carnaval”, “Voltas?”, “Ja nao voltas!”, “Estória”, “Branco”, “Tempo”.
Todos los temas están compuestos por Miguel Ângelo.
Grabado el 18 y 19 de junio en Boom Studio, por João Bessa. Mezclado y masterizado por Nelson Carvalho. Publicado el 3 de octubre de 2013 por Carimbo Porta-Jazz.
Miguel Ângelo: Branco (Carimbo Porta-Jazz, 2013) - Tomajazz
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André Carvalho: Memória de Amiba
(Tone Of A Pitch Records, 2013)
Memória de Amiba es el segundo álbum, como líder, del contrabajista portugués André Carvalho, una colección de nuevas composiciones con marcado carácter y tendencia hacia el jazz moderno y contemporáneo.
Carvalho ha contado en este proyecto con la participación de grandes músicos de jazz de la escena portuguesa, mostrándonos, dicho sea de paso, un excelente nivel musical jazzístico de todos los componentes que le acompañan, y el buen estado creativo en el que se encuentra el contrabajista. La alta calidad sonora del disco tiene nombre propio, Tiago de Sousa, encargado de la grabación, la mezcla y la masterización de todas las piezas que se incluyen en este trabajo, su labor es esencial en el resultado final.
El concepto musical que engloba la obra, abre un gran protagonismo a los demás instrumentos que participan en cada tema, desvelando exquisitos momentos musicales en las improvisaciones y arreglos de los mismos. El líder contrabajista, como tal, es parte fundamental de sus creaciones, pero deja expresar a sus compañeros con total libertad.
“Chamada náo atendida”, es el tema que encabeza el álbum, una pieza que se mueve con variados cambios de amalgamas rítmicas, algo muy característico del jazz contemporáneo, que de forma posterior aparece también en otros de los temas incluidos. La presencia del vibráfono y el sonido del grupo, en conjunto, nos recuerdan aquellas magnificas grabaciones a septeto (Gary Burton & Friends – Six Pack, 1992) compartidas por el maestro vibrafonista Gary Burton y el guitarrista Kurt Rosenwinkel, entre otros.
La audición continúa con “Bleistift”, una pieza a tempo de tres por cuatro en la que caben destacar las improvisaciones del pianista Óscar Graça y el saxo tenor de Zé Maria, bien arrebujados por una impecable sección rítmica. El final del tema es un contundente solo del baterista Joao Rijo, cuya tarea en el grupo se hace vital y sumamente meritoria.
El piano de Óscar Graça, el saxo soprano de Jorge Reis, y la guitarra de Bruno Santos, toman las riendas en la introducción de “Tadzio”, tema en el que destacan las improvisaciones del guitarrista Bruno Santos, seguidas del vibrafonista Jeffery Davis, con solos cortos y sugerentes por parte de ambos. Seguimos el repertorio con “Selina Kyle”, composición en la que se dan de nuevo las amalgamas rítmicas y escuchamos las primeras improvisaciones del contrabajista André Carvalho, con un sonido limpio y redondo. El sonido del saxo soprano finaliza la composición estrechando diálogos con el saxo tenor, bien arropados por el resto de compañeros.
Jeffery Davis ejecuta una delicada introducción en solitario en “Intro to Contemplações do Panteão”, para dar paso a la exposición de “Contemplações do Panteão”, pieza en la que destacan los acertados arreglos del compositor y los apoyos en torno a una enérgica y expresiva improvisación del saxofonista Ricardo Toscano, con fraseos rápidos bien construidos. En “Intro to Nóia do Gil”, es el baterista Joao Rijo el encargado de introducir a golpe de timbales y platos lo que de forma posterior se convierte en el contundente ritmo del tema “Nóia do Gil”, en el que vibráfono y guitarra nos seducen con largos e intensos pasajes de improvisación.
Nos acercamos al final del disco con dos composiciones más: “Vi e Maria”, en la que Carvalho realiza una preciosa e inspiradora exposición de la melodía con todos los componentes del grupo, precediendo los solos de saxo soprano y guitarra, a cual de ellos más lírico y elocuente. Y “Aunt Beru”, una partitura cargada de excelentes arreglos en la que Carvalho y el guitarrista invitado André Santos, hacen gala de su técnica deleitándonos con emotivas improvisaciones.
¿Qué inspira a André Carvalho para la creación de este mágico y trascendental álbum? La respuesta está en la portada interior del disco, en el que tema por tema nos aclara con breves anotaciones sus fuentes y musas, convertidas en composiciones con un tratamiento subjetivo y abierto a la vez, conduciendo su música con un encantador, audaz y desenvuelto modo de entenderla.
Enhorabuena a su creador y a todos los músicos que le acompañan.
© José Antonio García López , 2014
André Carvalho: Memória de Amiba
Músicos: Jorge Reis (saxo alto y soprano), Zé Maria (saxo tenor), Bruno Santos (guitarra), Jeffery Davis (vibráfono), Óscar Graça (piano), André Carvalho (contrabajo) y Joao Rijo (batería).
Músicos invitados: André Santos (guitarra en “Aunt Beru”) y Ricardo Toscano (saxo alto en “Contemplações do Panteão”).
Composiciones: “Chamada náo atendida”, “Bleistift”, “Tadzio”, “Selina Kyle”, “Intro to Contemplações do Panteão”, “Contemplações do Panteão”, “Intro to Nóia do Gil”, “Nóia do Gil”, “Vi e Maria” y “Aunt Beru”.
Todos los temas están compuestos por André Carvalho.
Editado por el sello discográfico Tone Of A Pitch Records, en 2013.
André Carvalho: Memória de Amiba (Tone Of A Pitch Records, 2013) - Tomajazz
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Patxi Valverde: Looking Forward
(Ammus Records, 2012)
Looking Forward, es el primer álbum del saxofonista Patxi Valverde, fruto de la experiencia adquirida en sus años de formación en Holanda, país en el que residió y en el que colaboró con grandes figuras del jazz internacional: Benny Golson, Lee Konitz, Bryan Lynch, Owen Hart Jr, Tarek Yamani, Dave Douglas, David Berkman, Don Braden , Jan Reigen, Pavel Susaeta, Juan Camilo Anzola , Johanes Radianto, Ruud Breuls o Chepe Ariza, entre otros.
Fue un proyecto anterior, un homenaje dedicado al saxofonista Wayne Shorter, gestado dos años antes con varios de los músicos que participan en el disco, Johanes Radianto y Owen Hart Jr, el que sirvió de impulso a Valverde para la grabación de este álbum, en el que contó también con uno de los pianistas más significativos del mundo del jazz, David Berkman, y el contrabajista Mattia Magatelli.
El disco está producido íntegramente por el saxofonista, bien dirigido y muy elaborado, quizá por el hecho de ser su primer trabajo discográfico como compositor, además de estar grabado con un exquisito sonido y mezclado con un esmerado encaje, gracias a la sabiduría de un experto Chris Weeda (técnico de sonido de Totts Thielemans). La obra musical se centra en el saxo tenor y el soprano, pero deja buena parte de ese protagonismo y grandes espacios de improvisación al resto de los instrumentos. El artista expresa sus experiencias musicales con elegantes y decididas maneras, contándonos una historia a través de siete piezas escogidas con una acertada disposición, barajando diferentes formatos de grupo, de cuarteto y quinteto, donde los solistas alternan los diversos solos de improvisación de cada tema, nunca en igual orden.
A modo de presentación, el álbum se inicia con “Black Nile”, una pieza de estilo hard bop, en el que el quinteto se desenvuelve de forma magistral, con una compacta interacción entre los cinco componentes, desatando un groove sustancial y envolvente desde el comienzo. Excelente la labor de la sección rítmica.
“My First Visit”, es una suave composición del guitarrista Johanes Radianto, un tres por cuatro con un cierto carácter bluessy en la guitarra, a cuarteto, arropada de forma impecable por el contrabajista Mattia Magatelli, dúctil y sugerente, y por el baterista Owen Hart Jr, exhaustivo y contundente en sus diálogos.
Seguimos con la formación de cuarteto, pero esta vez acompañados del pianista David Berkman, en una composición de Patxi Valverde, “Three Years Ago”, a ritmo de swing, enmarcada en un jazz moderno, con la característica de poseer una armonía no funcional, con varias modulaciones. Las improvisaciones fluctúan entre el concepto vertical y horizontal de la armonía, tocando dentro de las notas del acorde o usando grupos de notas comunes que permiten abarcar varios acordes y compases.
Los ritmos poco convencionales vuelven con el tema “Beatrice”, de Sam Rivers. Una pieza dinámica que va adquiriendo intensidad conforme a los diligentes solos de saxofón y guitarra, y una arrolladora presencia del contrabajo y la batería.
La balada “Infant Eyes”, de Wayne Shorter, es una conmovedora partitura que derrocha exquisitez en conjunto, destacando las improvisaciones de saxofón y contrabajo.
El quinteto cierra el álbum con dos composiciones de Valverde: “When The Smoke Came Out”, un seis por cuatro, con un ostinato del contrabajo que insinúa el palo de las bulerías. Y “Habibi”, un precioso bolero adornado por los sugerentes arreglos e improvisaciones de Berkman y Valverde.
Incansable y laboriosa tarea la de este saxofonista, compositor y educador, Patxi Valverde, al que únicamente nos queda augurarle un merecido éxito y un gran futuro en este mágico mundo del jazz. La esencia noble, el buen gusto y el saber hacer ya forman parte de él. Enhorabuena a todos los componentes y gracias por deleitarnos con este excelente trabajo.
© José Antonio García López , 2014
Patxi Valverde: Looking forward
Composiciones: 1 “Black Nile”, 2 “My First Visit”, 3 “Three Years Ago”, 4 “Beatrice”, 5 “Infant Eyes”, 6 “When The Smoke Came Out”, 7 “Habibi”.
“Three Years Ago”, “When The Smoke Came Out” y “Habibi” (Patxi Valverde). “Black Nile” y “Infant Eyes” (Wayne Shorter). “Beatrice” (Sam Rivers). “My First Visit” (Johannes Radianto)
Músicos: Patxi Valverde (saxo tenor y soprano), David Berkman (piano en 1, 3, 6 y 7), Johannes Radianto (guitarra, excepto en el tema 3), Mattia Magatelli (contrabajo) y Owen Hart Jr (batería).
Grabado en Holanda y manufacturado en Colombia. Editado por Ammus Records en 2012
Patxi Valverde: Looking Forward (Ammus Records, 2012) - Tomajazz
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Diogo Vida – Próxima Estação, 2013
COSTA BLANCA - (VIAJE A PRANTIA, 1977)
Elegante y sofisticado trabajo discográfico del baterista neoyorquino Michael Lauren, que nos llega desde Portugal, país en el que reside actualmente este gran pedagogo de la música. La trayectoria artística de Lauren es muy amplia, tanto que daría para escribir muchas páginas sobre ella, pero hay algo que destaca, su dedicación a la enseñanza y la fundación de varios colectivos que continúan dedicados a la educación musical. Su actual situación como profesor y jefe de departamento de jazz en la ESMAE (Oporto), y como fundador y director artístico en The International Drum Academy en Lisboa, le ha llevado a rodearse de excelentes músicos portugueses que comparten con él sus composiciones, y colaboran en esta magnifica grabación.
La sensación que nos aguarda cuando comenzamos a escuchar el disco es la de estar ante un trabajo de alta calidad, tanto sonora como artística, en el que impera un excepcional sentido del groove y una elaboración instrumental impecable y bien cuidada por parte de los músicos. “Minor Strain” (Bobby Timmons) es el tema que encabeza la obra. Una pieza a ritmo de swing alto en la que lucen las fluidas improvisaciones del pianista Diogo Vida, la brillante trompeta de Hugo Alves, y el sonido redondo del guitarrista Nuno Ferreira. Tras esta primera pieza, seguimos con “Bonfin Blues”, composición original de Lauren, a un tiempo de swing más relajado. La exposición melódica deja paso al contrabajista Carlos Barreto, con un solo sutil y bien articulado. Las improvisaciones de Alves y del saxofonista José Menezes, están también presentes en el desarrollo del tema. Una breve introducción de la guitarra da la entrada a la melodía del título “Outras Viagens” de José Menezes, en el que el vibráfono de Jeffery Davis, la guitarra de Ferreira y el saxo tenor de Menezes toman el protagonismo principal en el tema, traducido en elocuentes improvisaciones, con las que van creando la intensidad necesaria en la composición. Otra introducción, esta vez de batería y contrabajo, anuncian la partitura de “Who Said Monopoly Was Fun”, compuesta por el vibrafonísta Jeffery Davis, en la que el autor luce con esplendidos fraseos, abrigado por el colchón rítmico y armónico de los demás integrantes del septeto, recordándonos a veces, en sus maneras y sonido, al gran vibrafonísta Gary Burton. La guitarra de Ferreira suena también con elegancia y soltura sobre las bases que le arropan, aportando una fluida dialéctica y buen sonido al conjunto. La balada con aires cubanos de bolero “The Nearness Of You” (N. Washington / H. Carmichael), es una muestra perceptible de la exquisitez musical en la que se desenvuelve el grupo. Los ritmos de funky son la base de “Seven Ties Corp” del trompetista Hugo Alves. El autor comparte aquí el reparto de improvisaciones junto al vibráfono de Davis.
Los tiempos ternarios están presentes en “Trains” de Diogo Vida, una composición vitalista, llena de substancia y fuerza inspiradora. El pianista se recrea con una primera intervención refinada y emotiva, y deja camino a los solos alternados del saxo y la trompeta, y del vibráfono y la guitarra, formando un tándem en el que se complementan a modo de pregunta y respuesta. Entramos en la recta final del disco con “Smoking Gun” de José Menezes, un vibrante argumento musical con bases latinas y arreglos bien elaborados. El último tema “Barro E Cal” de Nuno Ferreira, nos adentra de nuevo en un swing fresco y palpitante, para escuchar las últimas incursiones solistas del saxofón, el vibráfono y la batería. Michael Lauren deja una huella magistral y esperanzadora con este gran trabajo discográfico, en el que une pasado y presente con esfuerzo, talento y originalidad creativa, tan necesaria en estos tiempos. Enhorabuena por el proyecto.
© José Antonio García López, 2016
The Michael Lauren All Stars: Once Upon A Time In Portugal
Músicos: Michael Lauren (batería), Hugo Alves (trompeta), José Menezes (saxofón), Nuno Ferreira (guitarra), Diogo Vida (piano), Carlos Barreto (contrabajo) y Jeffery Davis (vibráfono).
Composiciones: “Minor Strain” (Bobby Timmons), “Bonfim Blues”, “Outras Viagens”, “Who Said Monopoly Was Fun”, “The Nearness Of You” (N. Washington / H. Carmichael), “Seven Ties Corp”, “Trains”, “Smoking Gun” y “Barro E Cal”. Los temas no indicados están compuestos por los músicos de la banda.
Producción: Michael Lauren. Publicado por Why Not Music, 2015.
The Michael Lauren All Stars: Once Upon A Time In Portugal - Tomajazz
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Eklectic: Jazz Suite Nº 3. (Curvas)
(Autoeditado, 2016)
Según el apunte incluido en el interior de la portada de su disco, el dúo Eklectic es un proyecto que nace a raíz de la necesidad de crear una formación dónde poder desarrollar un lenguaje alejado de la ortodoxia, a partir de las ideas e interacción de dos músicos, Perico Baños y Andrés Lafuente, con fines puramente creativos. El resultado de esta aventura se hizo realidad en el año 2015 con la grabación del álbum Jazz Suite Nº 3. (Curvas). La doble estampa musical, teclados y batería, presente en toda la obra, es una muestra posiblemente arriesgada, pero no exenta de los valores propios e inherentes a todo buen trabajo que se considere como tal. Un encuentro, cara a cara, en el que conviven la libertad expresiva de cada artista con una labor instrumental de gran calidad. Una búsqueda de algo diferente en la evolución y en el caminar de estos dos grandes músicos.
“Preludio sinuoso” es la primera pieza que escuchamos, sumergiéndonos en el mundo sonoro que impregna toda la obra. Un cosmos mágico, vibrante e intenso, y a veces etéreo. La excelente complicidad entre los músicos se manifiesta de nuevo en el tema titulado “Ya”, en el que destacan las variaciones rítmicas que se van sucediendo durante todo el desarrollo y los sugerentes juegos de compases alternados de los dos instrumentos, dándole un carácter muy dinámico a la composición. Pasamos a la partitura de más duración del álbum, la pieza lenta titulada “Balada para el mareo”, un diálogo cargado de matices en el que luce el buen manejo rítmico de las escobillas en las manos del baterista. Una breve introducción de la batería abre el siguiente tema, “Un hueco en la mañana”, realizado a ritmo de swing. Tras la exposición escuchamos los sutiles solos de improvisación de Baños, arropados por las líneas de bajo que va ejecutando con su mano izquierda en el teclado y por los toques precisos de Lafuente. Los tiempos ternarios están presentes en “Vals encurvado”, original partitura en la que Baños vuelve a embelesarnos con ricos e inspiradores fraseos sobre el cabalgue rítmico del baterista. “El café de las doce” es un tema enérgico que alcanza su plenitud con las improvisaciones y arreglos de ambos componentes, cortes medidos y bien estructurados. Llegamos casi a la recta final de la audición con “El autoestopista olvidado”, música reposada, cargada de poesía y pasajes oníricos. Cerramos el disco con “Cinco curvas más”, en el que Baños vuelve a mostrarnos sus habilidades técnicas y su gran fluidez con el teclado, en una perfecta sincronía con la batería de Lafuente.
La suite Curvas es, sobre todo, una obra honesta y audaz. Un trabajo creativo que nos acerca a una manera distinta de hacer música, elaborada bajo la perspectiva subjetiva de dos artistas que persiguen algo que va más allá de lo dogmático y convencional.
Texto y fotografía: © José Antonio García López, 2016
Eklectic: Jazz Suite Nº 3. (Curvas).
Grupo. Eklectic: Perico Baños (teclados), Andrés Lafuente (batería).
Composiciones: “Preludio sinuoso”, “Ya”, “Balada para el mareo”, “Un hueco en la mañana”, “Vals encurvado”, “El café de las doce”, “El autoestopista olvidado”, y “Cinco curvas más”.
Todos los temas están compuestos por Perico Baños, con arreglos del propio compositor y del baterista Andrés Lafuente.
Grabado en estudios Mirage el 24 de junio de 2015. Mezclado, masterizado y producido por Eklectic.
Diseño gráfico y fotografías de José Antonio García (Lupo)
Eklectic: Jazz Suite Nº 3. (Curvas) - Tomajazz
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David Regueiro Swingtet: Bird Lives! (The Charlie Parker Songbook)
(Free Code Jazz Records, 2015)
El título del disco Bird Lives!, del guitarrista gallego David Regueiro, ya nos dice algo sobre el contenido musical que vamos a encontrar en su interior. El swing, el jazz manouche y el bebop, sirven de base para elaborar un excelente trabajo en el que se dan la mano, dicho sea de forma simbólica, los que fueron máximos representantes de ambos estilos: Django Reinhardt y Charlie Parker, con sus respectivos lenguajes. El quinteto, arropado en una sección rítmica impecable, encargada de mantener las raíces y las bases propias del gipsy jazz, se completa con dos vientos, trompeta y saxo alto, que aportan la esencia del estilo bebop. La mezcla de las dos representaciones tiene un resultado excepcional, comparte ambos conceptos musicales para crear uno diferente. Una dualidad musical que funciona de manera alegre y especialmente vitalista.
La audición comienza con la conocida partitura llamada “Moose The Mooche”, un rhythm changes de 32 compases con una estructura AABA, en la que la trompeta y el saxo alto dan muestra de la exposición del tema al unísono, acompañados por el contrabajo y más tarde por las guitarras. El quinteto crea diferentes dinámicas y juega con los solos de improvisación de los tres solistas principales, a lo largo del desarrollo, alternando y compartiendo fraseos al más puro estilo bebop. Una corta introducción del contrabajista Juyma Estévez da paso al segundo tema, “Segment”, con el despliegue de los vientos, seguido de las improvisaciones de Regueiro, Pereiro y Otero. De nuevo es el contrabajista el encargado de introducir la siguiente pieza, “Now’s The Time”, interpretada a un tiempo más moderado que las anteriores. Regueiro deja aquí a los vientos el papel principal de las improvisaciones, deleitándonos con un magistral solo del saxo alto y una exquisita intervención de la trompeta, usando efectos sonoros a modo de glissandos, muy acordes con el estilo de música. “Donna Lee”, es una pieza atribuida a Charlie Parker aunque más tarde se ha especulado que el autor fue Miles Davis, que ya andaba formando parte del quinteto del saxofonista. La guitarra de Regueiro suena ágil en su improvisación, con fraseos bien articulados, arropado por el contrabajo de Juyma Estévez y la guitarra rítmica de Iago Reigosa. Destacan también los solos del saxofón, con un sonido redondo y profundo que rememora con mucho mimo al del maestro Parker, y los de la trompeta con sordina, que aporta a las interpretaciones un carácter peculiar, un efecto sonoro muy usado y presente en los discos y formaciones de los años del swing y el bebop.
Seguimos escuchando este disco homenaje a Charlie Parker con el tema “Confirmation” -otra de sus partituras emblemáticas-, a ritmo de swing medio. Una interpretación bonita, aunque pierda esa energía rítmica original. Las improvisaciones de trompeta, saxo alto y contrabajo se suceden transportadas sobre el groove creado por las guitarras, un colchón armónico y sonoro en toda regla. En “A Night In Tunisia” de Dizzy Gillespie, lucen las improvisaciones de Antonio Otero, conocedor del lenguaje de Parker, y las de Javi Pereiro, explorador de efectos y buen constructor melódico. David Regueiro participa también como solista en el desarrollo del tema. Fantástico sonido de la trompeta de Pereiro en “Billies Bounce”, tema con el que, junto al conocido “Ornithology” y “Dewey Square”, llegamos al cierre de la audición de este buen trabajo discográfico del quinteto con el sello Free Code Jazz Records.
© José Antonio García López , 2016
David Regueiro Swingtet: Bird Lives! (The Charlie Parker Songbook)
Músicos: Antonio Otero (saxo alto), Javi “Gdjazz” Pereiro (trompeta), David Regueiro (guitarra), Iago Reigosa (guitarra), y Juyma Estévez (contrabajo).
Composiciones: “Moose The Mooche”, “Segment”, “Now’s The Time”, “Donna Lee”, “Confirmation”, “A Night In Tunisia”, “Billies Bounce”, “Ornithology”, y “Dewey Square”.
Todos los temas están compuestos por Charlie Parker, excepto “A Night In Tunisia” de Dizzy Gillespie.
Publicado por Free Code Jazz Records, 2015.
David Regueiro Swingtet: Bird Lives! (The Charlie Parker Songbook) - Tomajazz
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Melissa Aldana: Melissa Aldana & Crash Trio
(Concord Records, 2014; CD)
El tercer disco de la saxofonista Melissa Aldana lleva el título de Melissa Aldana & Crash Trio (Concord Records, 2014), en el que comparte temas de su propia creación junto a composiciones del bajista chileno Pablo Menares, y del baterista cubano Francisco Mela, ambos integrantes del trío. Además están incluidos otros dos títulos: un tema compuesto por Harry Warren / Joe Young / Mort Dixon, y otra composición del pianista Thelonious Monk.
En “M&M”, tema que encabeza la audición, la melodía marcada por el saxo de Aldana deja paso a una improvisación con largos y rápidos fraseos, arropada por una sección rítmica impecable. La saxofonista nos ofrece un primer ejemplo de su gran maestría con el instrumento, destacando su agilidad y flexibilidad, y un sonido claro y redondo. Continuamos con “Turning”, una pieza que requiere especial atención auditiva por los cambios dinámicos que estructuran la composición, suaves y a veces intensos, modelados por la variada expresión musical de la saxofonista. La versión de “You’re My Everything”, añade al disco un toque de vuelta a los clásicos del jazz, con un particular enfoque que no te deja indiferente. Las influencias de otros saxofonistas modernos como Mark Turner o Joshua Redman, dejan su huella en “Bring Him Home”, una pieza marcada por espacios de silencios y arranques de improvisación, en los que brilla una gran interacción del grupo. La introducción del contrabajo, en el tema “Tirapié”, da rienda suelta a las exploraciones de Aldana, adentrándonos en un ambiente mágico, afable y delicado.
Rebasamos el ecuador del álbum con un tema llamado “Peace, Love & Music”, obra del baterista, en la que introduce una larga y sugerente muestra de su destreza. En “Perdón”, de Pablo Menares, Aldana se muestra elocuente e ingeniosa recreándose en su especial narrativa musical, con la que va hechizando al oyente hasta el final de la pieza. “New Points” y el alegre “Dear Joe”, son los temas que nos acercan al cierre de la audición, lugar que ocupa la partitura de Thelonious Monk llamada “Ask Me Now”. Una mirada al gran pianista que la saxofonista, Aldana, desarrolla completamente en solitario.
El álbum es una muestra del mejor jazz moderno que podemos escuchar hoy, y reafirma la trayectoria artística de Melissa Aldana, lo que afianza su posición entre los grandes músicos de jazz en la actualidad, haciéndose eco de un merecido reconocimiento. Su evolución musical le lleva a experimentar, en este disco, con nuevas composiciones más arriesgadas, con las que conforma un particular mundo sonoro, profundo, abstracto, enérgico y a veces suave, impregnado de un excelente lenguaje jazzístico, trascendental y lírico.
© José Antonio García López, 2015
Melissa Aldana: Melissa Aldana & Crash Trio
Músicos: Melissa Aldana (saxo tenor), Pablo Menares (contrabajo), y Francisco Mela (batería).
Composiciones: “M&M”, “Turning”, “You’re My Everything”, “Bring Him Home”, “Tirapié”, “Peace, Love & Music”, “Perdón”, “New Points”, “Dear Joe”, y “Ask Me Now”.
Los temas están compuestos por Melissa Aldana, excepto “You’re Me Everything” de Harry Warren / Joe Young / Mort Dixon, “Tirapié”, y “Perdón” de Pablo Menares, “Peace, Love & Music” y “Dear Joe” de Francisco Mela, y “Ask Me Now” de Thelonious Monk.
Publicado por Concord Records, 2014.
Melissa Aldana: Melissa Aldana & Crash Trio (Concord Records, 2014; CD) - Tomajazz
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João Hasselberg: Whatever It Is You’re Seeking, Won’t Come In The Form You’re Expecting
(Sintoma Records, 2014)
El disco debut del contrabajista portugués João Hasselberg, tiene un largo titulo: Whatever It Is You’re Seeking, Won’t Come In The Form You’re Expecting (Sintoma Records, 2013), que traducido sería algo así como, “Sea lo que sea que estás buscando, no vendrá en la forma que esperas.”, una sugerente cita del escritor japonés Haruki Murakami en su novela Kafka On The Shore. Hasselberg es un destacado contrabajista de la escena del jazz en Portugal, además de un profuso colaborador en formaciones con grandes figuras de la música: Sara Serpa, Spyros Manesis, Gianni Gagliardi, y otras.
El álbum es una compilación de composiciones musicales originales, en su mayoría, y algún estándar de jazz, inspiradas en determinados grandes clásicos literarios. Historias abordadas musicalmente que recrean un especial ambiente sonoro. La proyección internacional del músico podemos seguirla a través de los numerosos festivales de jazz europeos en los que ha participado, compartiendo escenario con grandes figuras del género. En la grabación del disco han colaborado nombres muy importantes y conocidos de la música portuguesa: las voces de Joana Espadinha y Luísa Sobral, el piano de Luis Figueiredo, el excelente batería Bruno Pedroso, Ricardo Toscano con el saxo alto, el trompetista Diogo Duque, y los guitarristas Afonso Pais y João Firmino.
“In Cold Blood (Intro)”, es el tema que abre la audición. La melodía del saxo, no tarda en ser arropada por el sonido de la trompeta y el resto de instrumentos, proyectando hermosas intensidades sonoras en el corto espacio temporal que dura la introducción. Tras este primer corte lento comienza la partitura “In Cold Blood”, inicio de guitarra y trompeta, sumándose ambos instrumentos con el grupo en una progresión armónica que sirve de base de improvisación al trompetista Diogo Duque, uno de los componentes que más destaca en la formación, con una gran presencia en buena parte de los temas que contiene el disco. La voz de la cantante Joana Espadinha, suena lejana y mágica sobre los acordes de la guitarra de João Firmino, en la canción “To A God Unknown”, adornada con los fraseos de la trompeta. El pianista Luis Figueiredo, destaca en el tema “The Old Man And The Sea”, una preciosa melodía construida sobre una nota continua de piano (Fa), repetida rítmicamente en toda la pieza, compartido con el contrabajo y la batería de Bruno Pedroso. “The Folks Who Live On The Hill”, es una composición desarrollada en solitario por Hasselberg, un emocionante monólogo musical con el que nos recuerda el sonido del contrabajo, presente en sus composiciones. El saxofonista Ricardo Toscano se integra en la formación con “A Wild Sheep Chase”, pieza trascendental en el contenido del disco, en la que elabora ricos fraseos abrigado por la precisa interacción de una sección rítmica impecable.
Llegamos al séptimo titulo, “Canção de Embalar – The Diaries Of Adam And Eve”, una nostálgica balada, en la que Figueiredo y Hasselberg despliegan elocuentes improvisaciones. De nuevo una voz de mujer, esta vez es la cantante Luísa Sobral, interpretando la canción “The Ballad Of The Sad Cafe”, acompañada por la guitarra de Afonso Pais, que nos atrae con su sonido, dejándonos percibir su buena técnica y maestría con el instrumento. El baterista Bruno Pedroso inicia el tema “On The Road”, en el que saxofón y contrabajo completan el triangulo que desarrolla toda la pieza. “A Wild Sheep Chase (Reprise)”, y “Amor De Perdição”, cierran la audición de un trabajo elaborado con una gran sensibilidad y substancia. Un álbum que nos muestra las elegantes maneras compositivas y creativas de Hasselberg, y una música diferente, con el sello propio del autor.
© José Antonio García López, 2014
João Hasselberg: Whatever It Is You’re Seeking, Won’t Come In The Form You’re Expecting
Músicos: Joana Espadinha (voz), Luísa Sobral (voz), Diogo Duque (trompeta), Ricardo Toscano (saxo alto), Afonso Pais y João Firmino (guitarras), Luis Figueiredo (piano), João Hasselberg (contrabajo y bajo eléctrico), y Bruno Pedroso (batería).
Composiciones: “In Cold Blood (Intro)”, “In Cold Blood”, “To A God Unknown”, “The Old Man And The Sea”, “The Folks Who Live On The Hill”, “A Wild Sheep Chase”, “Canção de Embalar – The Diaries Of Adam And Eve”, “The Ballad Of The Sad Cafe”, “On The Road”, “A Wild Sheep Chase (Reprise)”, y “Amor De Perdição”.
Todos los temas están compuestos por João Hasselberg, excepto “The Folks Who Live On The Hill”, de Jerome Kern. Letra de “To A God Unknown” de Joana Espadinha, y letra de “The Ballad Of The Sad Cafe”, de Luísa Sobral.
Grabado en Atlãntico Blue Studios, en 2013. Producción: João Hasselberg. Editado por Sintoma Records.
João Hasselberg: Whatever It Is You’re Seeking, Won’t Come In The Form You’re Expecting (Sintoma Records, 2014) - Tomajazz
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André Santos: Ponto de partida
(Tone Of A Pitch Music, 2014)
Ponto de partida, es el primer disco del joven guitarrista, André Santos (Funchal, 1986), una muestra palpable de la creciente creatividad musical que nos llega desde tierras portuguesas. Avalado por una extensa formación didáctica y profesional, adquirida a través de maestros como Peter Bernstein y otras grandes figuras del género jazzístico, Santos ha sabido rodearse también de un personal exquisito y relevante, con el que comparte gustos y afinidades musicales que han dado fruto a este original álbum.
A modo de presentación, el disco comienza con el tema llamado “Zion”, una pieza de marcado estilo folk, con la presencia armónica destacada y contundente de los acordes de la guitarra, desvelando, en parte, el carácter potente y consistente que contiene la obra en general.
La introducción de la batería de João Pereira da paso a la balada “Reverso da medalha”, en la que confluyen los sonidos de la guitarra acústica y eléctrica con el saxo alto de Ricardo Toscano, avivándose la dinámica de la pieza con las enérgicas improvisaciones de este último, y enriquecida al final con las notas del contrabajista João Hasselberg, abrigado por los leves toques de los timbales del baterista. “Siso”, tercer tema del disco, gira en torno a los principales solistas del grupo, en el que Santos y Toscano exponen sus respectivos solos de improvisación de forma emocionante e intensa, saturados de una gran fuerza expresiva. Llegamos al tema central que da titulo al álbum, “Ponto de partida”, en el que una breve introducción de guitarra sirve de puerta de enlace a la hermosa y lírica exposición inicial de la pieza, con el saxofón de Toscano como protagonista principal. El desarrollo se ultima con dos elocuentes solos de saxofón y guitarra, mostrándonos las buenas capacidades creativas y las habilidades técnicas de cada uno de ellos como instrumentistas.
Los aires y ritmos sureños nos traen la pieza llamada “Avô João”, con la colaboración del saxofonista tenor Gianni Gagliardi. Él es el encargado de la melodía principal, y el único que elabora las posteriores improvisaciones en el desarrollo del tema, creando un ambiente melancólico y sereno, alrededor de un mismo sonido.
“QWERTY”, nombre que hace referencia a las letras del sistema ingles del teclado en los ordenadores, es quizá una de las partituras más complejas y vibrantes que contiene el disco. Escuchamos la intensidad desde el comienzo, en la exposición, y posteriormente en las improvisaciones de guitarra, la cual da paso a su vez, a través de un corto interludio, a una transformación radical del tema. La partitura cambia a un estilo de rock, poderoso y trascendente, destacado por la fuerza sonora de los instrumentos y un espléndido solo del baterista João Pereira, para finalizar. La relajación y los tiempos lentos vuelven a aparecer en “Viagem de olhos vendados”. La melodía que introduce la guitarra de Santos, en solitario, es compartida después con Toscano, que, acto seguido, abre su improvisación en el tema acompañado por la sección rítmica, con una destacada presencia de la batería de Pereira.
Las dulces voces compartidas de Joana Espadinha, autora de la letra, y Margarida Campelo, suenan en la canción “Mutantes”, arropadas solamente por la guitarra. El cierre de la audición es una pieza llamada “Presságio”, intensa, realizada con los enérgicos fraseos del saxofonista Ricardo Toscano, junto a una sección rítmica contundente y arrolladora.
Hay que destacar la labor importante de André Fernandes y Nuno Costa, en la grabación y mezcla del álbum, así como también la masterización a cargo de Mario Barreiros, sin olvidarnos del trabajo de diseño gráfico de Ana Pedro Ferreira.
Es éste pues, un disco emotivo que nos acerca a la música del guitarrista André Santos, y en el que podemos apreciar los cimientos que la sostienen: honestidad, tradición, modernidad, y un saber hacer impecable de todos los componentes que han participado.
© José Antonio García López, 2014
André Santos: Ponto de partida
Músicos: André Santos (guitarras), João Hasselberg (contrabajo), João Pereira (batería) y Ricardo Toscano (saxo alto).
Músicos invitados: Gianni Gagliardi (saxo tenor en “Avô Joao”), Joana Espadinha (voz en “Mutantes”) y Margarida Campelo (voz en “Mutantes”).
Composiciones: “Zion”, “Reverso da medalha”, “Siso”, “Ponto de partida”, “Avô João”, “QWERTY”, “Viagem de olhos vendados”, “Mutantes”, “Presságio”.
Todos los temas están compuestos por André Santos. Letra de “Mutantes” compuesta por Joana Espadinha.
Tone Of A Pitch Music. TOAP / OJM. Grabado en 2013.
André Santos: Ponto de partida (Tone Of A Pitch Music, 2014) - Tomajazz
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Pedro Neves: Ausente
(Carimbo Porta-Jazz, 2013)
Gracias a la labor de los colectivos que fomentan la música, como es el caso de la Associação Porta-Jazz, podemos disfrutar de diversos trabajos discográficos que nos muestran la exquisita creatividad de los artistas portugueses, y nos permiten conocer a los excelentes músicos que cohabitan en el entorno del género jazzístico, en el país lusitano. El pianista Pedro Neves es uno de ellos. Su primer disco, Ausente, es también su estreno como compositor, a la vez que lidera un proyecto a trío, integrado por reconocidos músicos de la escena del jazz: el contrabajista Miguel Ângelo, autor de dos de las piezas que conforman el álbum, y el baterista Leandro Leonet, cerrando, ambos, un triangulo bien compactado, capaz de transmitir una gran emotividad musical, tanto a niveles individuales como en conjunto, a través de sus instrumentos.
“Ausente”, es el tema que encabeza la audición y da nombre al álbum. Una pieza extensa que nos recuerda mucho el sonido moderno de grupos ubicados en el norte europeo, como Esbjorn Svensson Trio, Tingvall Trio y otros, no por ello exenta de la personal visión y del particular tratamiento que el pianista, Pedro Neves, impregna a sus obras.
En el carácter musical del disco destaca el sonido del piano como instrumento principal en las melodías e improvisaciones, pero también notamos la brillante presencia de los dos instrumentos que le acompañan, contrabajo y batería, mostrándonos una excelente interacción entre ellos. El contrabajista, Miguel Ângelo, ejecuta un corto y sugerente solo en el tema “Cinco almofadas”, bien construido, abrigado por las sutiles cadencias armónicas del pianista y los acertados juegos del baterista Leandro Leonet.
Una de las partituras más destacadas del álbum es una pieza llamada “Casa do Santa”, una preciosa balada en la que Neves hace gala de su creatividad con una elocuente y magistral improvisación, arrastrándonos a una atmósfera sumamente onírica y trascendental.
Los tiempos lentos y medios predominan en el disco, continuando con “Sete palmos”, y “A bonança pode esperar”, donde la complicidad de los músicos va creciendo paralela a la intensidad de los temas, a los cambios dinámicos, y a las estructuras más complejas. “Aifos” y “Tramal”, son los títulos que aporta el contrabajista Miguel Ângelo en el disco, desempeñando, junto al pianista, un papel primordial en las improvisaciones y en los diálogos melódicos.
Nos acercamos casi al final de la audición con “Lady Bug”, de corte medio funky, en el que cabe destacar la labor de Leandro Leonet, impecable y decisivo en el manejo de su instrumento. Y “Presente”, última composición de Neves incluida en el álbum, en la que el pianista nos evoca paisajes de una gran calma anímica que embelesa al oyente desde las primeras notas.
Sonido limpio, emoción, elegancia, maestría y saber hacer, son elementos presentes en este primer disco de Pedro Neves. Ausente es una muestra del espléndido momento por el que atraviesa este gran compositor. Enhorabuena a los músicos que integran el trío por su excepcional y generoso trabajo.
© José Antonio García López, 2014
Pedro Neves: Ausente
Composiciones: “Ausente”, “Cinco almofadas”, “Casa do Santa”, “Sete palmos”, “A bonança pode esperar”, “Aifos”, “Tramal”, “Lady Bug”, “Presente”.
Todos los temas están compuestos por Pedro Neves, excepto “Aifos” y “Tramal” de Miguel Ângelo.
Músicos: Pedro Neves (piano), Miguel Ângelo (contrabajo) y Leandro Leonet (batería).
Sello discográfico: Carimbo Porta-Jazz. Grabado en 2013
Pedro Neves: Ausente (Carimbo Porta-Jazz, 2013) - Tomajazz.
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Miguel Ângelo: Branco
(Carimbo Porta-Jazz, 2013)
El jazz que se realiza en Portugal parece gozar de un excelente estado creativo gracias a la labor de un buen numero de músicos empeñados en que así sea, y se conozcan, cada día más, sus proyectos en torno a este género. Muestra de ello es la diversidad de trabajos discográficos producidos en el pasado año 2013 por diferentes artistas portugueses. El álbum Branco, del contrabajista Miguel Ângelo, es una buena prueba de ello. Es una colección de sus mejores composiciones y contiene una desbordante carga de energía musical que vamos apreciando conforme transcurre la audición. Este primer disco del contrabajista, como líder, está compartido con otros tres experimentados músicos: João Guimarães, saxo alto; Joaquim Rodríguez, al piano; y Marcos Cavaleiro, en la batería, conformando así un cuarteto compacto y fuertemente interactivo, que se maneja con gran soltura y elegancia sobre los ritmos y armonías del jazz moderno. El álbum está producido por el propio Miguel Ângelo, y en él cabe destacar la excelente mezcla y masterización de Nelson Carvalho.
“Cem” es la primera pieza que abre la audición, en la que podemos escuchar el afable sonido que aporta el saxo alto de João Guimarães, junto al piano de Joaquim Rodrigues, en la exposición melódica. Son ellos los encargados de protagonizar las primeras improvisaciones, incluyendo también el sonido del teclado Rhodes.
En el tema “TraMal”, los solos de saxo alto y piano van dando forma a la composición con elocuentes fraseos, abrazados por el contrabajo y la batería. Tras la exposición de “Maior”, es el líder contrabajista el encargado de abrir las ruedas de improvisaciones, esta vez compartidas con el saxo alto y el piano, protagonizando, este último, gran parte de la intensidad musical sobre los ricos cambios armónicos presentes en la partitura.
La quietud llega con la balada suave y nostálgica llamada “Carnaval”, una pieza delicada en la que el baterista Marcos Cavaleiro, sostiene un acompañamiento escalonado, mostrando una exquisita complicidad e interacción con el resto del grupo. En el tema “Voltas?”, la introducción en solitario del contrabajo nos lleva hacia nuevas y briosas dinámicas, tratadas de manera elegante y sugestiva por el saxo alto de Guimarães, y el piano de Rodrigues. La audición se torna de nuevo sosegada en la composición titulada “Ja nao voltas!”. Una preciosa pieza lenta desarrollada por extensos solos de contrabajo y piano, limpios en su sonido y bien construidos. El sentimiento inunda las formas, contagiado por los elocuentes fraseos y el acompañamiento sutil y contenido del baterista Marcos Cavaleiro.
La pieza llamada “Estória”, es otra de las alegres y sureñas variantes rítmicas que contiene el álbum, en la que el pianista luce su buena técnica y expresión, manejándose sobre una consistente sección rítmica. La audición continúa con “Branco”, tema que da titulo al disco, quizá una de las partituras en las que más se refleja la buena cohesión musical y entendimiento entre los componentes del cuarteto, compartiendo ricos diálogos superpuestos para dar forma a las abiertas progresiones armónicas que contiene la composición.
“Tempo”, con la presencia rítmica y contundente del baterista Marcos Cavaleiro, cierra la audición de un disco elaborado con honestidad y gran creatividad, en el que resaltan los magistrales diálogos, libres y expresivos, de los músicos que participan. La música de Miguel Ângelo transmite alma, sensibilidad, energía, calidad sonora… elementos y variantes que no en todos los trabajos discográficos se producen y se logran dar a la vez.
Suerte y enhorabuena a los músicos.
© José Antonio García López, 2014
Miguel Ângelo – Branco
Músicos: João Guimarães (saxo alto), Joaquim Rodrigues (piano y Fender Rhodes), Miguel Ângelo (contrabajo) y Marcos Cavaleiro (batería).
Composiciones: “Cem”, “TraMal”, “Maior”, “Carnaval”, “Voltas?”, “Ja nao voltas!”, “Estória”, “Branco”, “Tempo”.
Todos los temas están compuestos por Miguel Ângelo.
Grabado el 18 y 19 de junio en Boom Studio, por João Bessa. Mezclado y masterizado por Nelson Carvalho. Publicado el 3 de octubre de 2013 por Carimbo Porta-Jazz.
Miguel Ângelo: Branco (Carimbo Porta-Jazz, 2013) - Tomajazz
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André Carvalho: Memória de Amiba
(Tone Of A Pitch Records, 2013)
Memória de Amiba es el segundo álbum, como líder, del contrabajista portugués André Carvalho, una colección de nuevas composiciones con marcado carácter y tendencia hacia el jazz moderno y contemporáneo.
Carvalho ha contado en este proyecto con la participación de grandes músicos de jazz de la escena portuguesa, mostrándonos, dicho sea de paso, un excelente nivel musical jazzístico de todos los componentes que le acompañan, y el buen estado creativo en el que se encuentra el contrabajista. La alta calidad sonora del disco tiene nombre propio, Tiago de Sousa, encargado de la grabación, la mezcla y la masterización de todas las piezas que se incluyen en este trabajo, su labor es esencial en el resultado final.
El concepto musical que engloba la obra, abre un gran protagonismo a los demás instrumentos que participan en cada tema, desvelando exquisitos momentos musicales en las improvisaciones y arreglos de los mismos. El líder contrabajista, como tal, es parte fundamental de sus creaciones, pero deja expresar a sus compañeros con total libertad.
“Chamada náo atendida”, es el tema que encabeza el álbum, una pieza que se mueve con variados cambios de amalgamas rítmicas, algo muy característico del jazz contemporáneo, que de forma posterior aparece también en otros de los temas incluidos. La presencia del vibráfono y el sonido del grupo, en conjunto, nos recuerdan aquellas magnificas grabaciones a septeto (Gary Burton & Friends – Six Pack, 1992) compartidas por el maestro vibrafonista Gary Burton y el guitarrista Kurt Rosenwinkel, entre otros.
La audición continúa con “Bleistift”, una pieza a tempo de tres por cuatro en la que caben destacar las improvisaciones del pianista Óscar Graça y el saxo tenor de Zé Maria, bien arrebujados por una impecable sección rítmica. El final del tema es un contundente solo del baterista Joao Rijo, cuya tarea en el grupo se hace vital y sumamente meritoria.
El piano de Óscar Graça, el saxo soprano de Jorge Reis, y la guitarra de Bruno Santos, toman las riendas en la introducción de “Tadzio”, tema en el que destacan las improvisaciones del guitarrista Bruno Santos, seguidas del vibrafonista Jeffery Davis, con solos cortos y sugerentes por parte de ambos. Seguimos el repertorio con “Selina Kyle”, composición en la que se dan de nuevo las amalgamas rítmicas y escuchamos las primeras improvisaciones del contrabajista André Carvalho, con un sonido limpio y redondo. El sonido del saxo soprano finaliza la composición estrechando diálogos con el saxo tenor, bien arropados por el resto de compañeros.
Jeffery Davis ejecuta una delicada introducción en solitario en “Intro to Contemplações do Panteão”, para dar paso a la exposición de “Contemplações do Panteão”, pieza en la que destacan los acertados arreglos del compositor y los apoyos en torno a una enérgica y expresiva improvisación del saxofonista Ricardo Toscano, con fraseos rápidos bien construidos. En “Intro to Nóia do Gil”, es el baterista Joao Rijo el encargado de introducir a golpe de timbales y platos lo que de forma posterior se convierte en el contundente ritmo del tema “Nóia do Gil”, en el que vibráfono y guitarra nos seducen con largos e intensos pasajes de improvisación.
Nos acercamos al final del disco con dos composiciones más: “Vi e Maria”, en la que Carvalho realiza una preciosa e inspiradora exposición de la melodía con todos los componentes del grupo, precediendo los solos de saxo soprano y guitarra, a cual de ellos más lírico y elocuente. Y “Aunt Beru”, una partitura cargada de excelentes arreglos en la que Carvalho y el guitarrista invitado André Santos, hacen gala de su técnica deleitándonos con emotivas improvisaciones.
¿Qué inspira a André Carvalho para la creación de este mágico y trascendental álbum? La respuesta está en la portada interior del disco, en el que tema por tema nos aclara con breves anotaciones sus fuentes y musas, convertidas en composiciones con un tratamiento subjetivo y abierto a la vez, conduciendo su música con un encantador, audaz y desenvuelto modo de entenderla.
Enhorabuena a su creador y a todos los músicos que le acompañan.
© José Antonio García López , 2014
André Carvalho: Memória de Amiba
Músicos: Jorge Reis (saxo alto y soprano), Zé Maria (saxo tenor), Bruno Santos (guitarra), Jeffery Davis (vibráfono), Óscar Graça (piano), André Carvalho (contrabajo) y Joao Rijo (batería).
Músicos invitados: André Santos (guitarra en “Aunt Beru”) y Ricardo Toscano (saxo alto en “Contemplações do Panteão”).
Composiciones: “Chamada náo atendida”, “Bleistift”, “Tadzio”, “Selina Kyle”, “Intro to Contemplações do Panteão”, “Contemplações do Panteão”, “Intro to Nóia do Gil”, “Nóia do Gil”, “Vi e Maria” y “Aunt Beru”.
Todos los temas están compuestos por André Carvalho.
Editado por el sello discográfico Tone Of A Pitch Records, en 2013.
André Carvalho: Memória de Amiba (Tone Of A Pitch Records, 2013) - Tomajazz
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Patxi Valverde: Looking Forward
(Ammus Records, 2012)
Looking Forward, es el primer álbum del saxofonista Patxi Valverde, fruto de la experiencia adquirida en sus años de formación en Holanda, país en el que residió y en el que colaboró con grandes figuras del jazz internacional: Benny Golson, Lee Konitz, Bryan Lynch, Owen Hart Jr, Tarek Yamani, Dave Douglas, David Berkman, Don Braden , Jan Reigen, Pavel Susaeta, Juan Camilo Anzola , Johanes Radianto, Ruud Breuls o Chepe Ariza, entre otros.
Fue un proyecto anterior, un homenaje dedicado al saxofonista Wayne Shorter, gestado dos años antes con varios de los músicos que participan en el disco, Johanes Radianto y Owen Hart Jr, el que sirvió de impulso a Valverde para la grabación de este álbum, en el que contó también con uno de los pianistas más significativos del mundo del jazz, David Berkman, y el contrabajista Mattia Magatelli.
El disco está producido íntegramente por el saxofonista, bien dirigido y muy elaborado, quizá por el hecho de ser su primer trabajo discográfico como compositor, además de estar grabado con un exquisito sonido y mezclado con un esmerado encaje, gracias a la sabiduría de un experto Chris Weeda (técnico de sonido de Totts Thielemans). La obra musical se centra en el saxo tenor y el soprano, pero deja buena parte de ese protagonismo y grandes espacios de improvisación al resto de los instrumentos. El artista expresa sus experiencias musicales con elegantes y decididas maneras, contándonos una historia a través de siete piezas escogidas con una acertada disposición, barajando diferentes formatos de grupo, de cuarteto y quinteto, donde los solistas alternan los diversos solos de improvisación de cada tema, nunca en igual orden.
A modo de presentación, el álbum se inicia con “Black Nile”, una pieza de estilo hard bop, en el que el quinteto se desenvuelve de forma magistral, con una compacta interacción entre los cinco componentes, desatando un groove sustancial y envolvente desde el comienzo. Excelente la labor de la sección rítmica.
“My First Visit”, es una suave composición del guitarrista Johanes Radianto, un tres por cuatro con un cierto carácter bluessy en la guitarra, a cuarteto, arropada de forma impecable por el contrabajista Mattia Magatelli, dúctil y sugerente, y por el baterista Owen Hart Jr, exhaustivo y contundente en sus diálogos.
Seguimos con la formación de cuarteto, pero esta vez acompañados del pianista David Berkman, en una composición de Patxi Valverde, “Three Years Ago”, a ritmo de swing, enmarcada en un jazz moderno, con la característica de poseer una armonía no funcional, con varias modulaciones. Las improvisaciones fluctúan entre el concepto vertical y horizontal de la armonía, tocando dentro de las notas del acorde o usando grupos de notas comunes que permiten abarcar varios acordes y compases.
Los ritmos poco convencionales vuelven con el tema “Beatrice”, de Sam Rivers. Una pieza dinámica que va adquiriendo intensidad conforme a los diligentes solos de saxofón y guitarra, y una arrolladora presencia del contrabajo y la batería.
La balada “Infant Eyes”, de Wayne Shorter, es una conmovedora partitura que derrocha exquisitez en conjunto, destacando las improvisaciones de saxofón y contrabajo.
El quinteto cierra el álbum con dos composiciones de Valverde: “When The Smoke Came Out”, un seis por cuatro, con un ostinato del contrabajo que insinúa el palo de las bulerías. Y “Habibi”, un precioso bolero adornado por los sugerentes arreglos e improvisaciones de Berkman y Valverde.
Incansable y laboriosa tarea la de este saxofonista, compositor y educador, Patxi Valverde, al que únicamente nos queda augurarle un merecido éxito y un gran futuro en este mágico mundo del jazz. La esencia noble, el buen gusto y el saber hacer ya forman parte de él. Enhorabuena a todos los componentes y gracias por deleitarnos con este excelente trabajo.
© José Antonio García López , 2014
Patxi Valverde: Looking forward
Composiciones: 1 “Black Nile”, 2 “My First Visit”, 3 “Three Years Ago”, 4 “Beatrice”, 5 “Infant Eyes”, 6 “When The Smoke Came Out”, 7 “Habibi”.
“Three Years Ago”, “When The Smoke Came Out” y “Habibi” (Patxi Valverde). “Black Nile” y “Infant Eyes” (Wayne Shorter). “Beatrice” (Sam Rivers). “My First Visit” (Johannes Radianto)
Músicos: Patxi Valverde (saxo tenor y soprano), David Berkman (piano en 1, 3, 6 y 7), Johannes Radianto (guitarra, excepto en el tema 3), Mattia Magatelli (contrabajo) y Owen Hart Jr (batería).
Grabado en Holanda y manufacturado en Colombia. Editado por Ammus Records en 2012
Patxi Valverde: Looking Forward (Ammus Records, 2012) - Tomajazz
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Diogo Vida – Próxima Estação, 2013
Composiciones: “Próxima Estación:
Prosperidad”, “Aeroport”, “Madragoa”, “Quarta e Quinta”, “Punchline”,
“Sombras”, “Estaciones” y “Ending Song”.
Todos los temas escritos (música
y letra) por Diogo Vida.
Músicos: Diogo Vida (piano), João
Custódio (contrabajo), Jorge Moniz (batería) y Selma Uamusse (voz).
Grabado en directo en OndaJazz,
Lisboa, 16 y 17 de junio de 2013.
Editado por Síntoma Records
El pianista y compositor
portugués, Diogo Vida, es uno de los músicos más destacados del panorama
jazzístico europeo, formando parte activa de esa emergente generación de
artistas que han ido introduciéndose en el lenguaje del jazz contemporáneo con
distintos enfoques y estilos musicales (latin jazz, flamenco, bebop, swing,
drum'n'bass). Su trayectoria artística y creativa le ha conducido por senderos
tan diversos como la música clásica y el jazz, dos géneros que el pianista ha
sabido reunir, con delicado y magistral ejercicio, en un nuevo trabajo
discográfico llamado Próxima Estação (Síntoma Records, 2013). El álbum
realizado por el trío de piano, contrabajo y batería, cuenta con la
participación como artista invitada de la cantante Selma Uamusse, en uno de los
temas que forma parte del contenido.
La espontaneidad de la pieza
inicial del disco, llamada “Próxima Estación: Prosperidad”, es una primera
muestra de las agradecidas cualidades que desprende el álbum en general,
traducidas, sobre todo, en la excelente interacción de los músicos que
participan en el disco, y en la calidad de la producción en cuanto al sonido,
de la propia grabación. “Aeroport”, refuerza el sello personal del pianista. Su
técnica fluida recorre las progresiones armónicas en un tiempo quebrado por
rápidos y contundentes ritmos. Las
composiciones se caracterizan por el predominio de las melodías de piano,
engalanadas por sus compañeros de grupo, a los que deja ser protagonistas en
ocasiones con algunas improvisaciones de contrabajo y batería. El engranaje del
trío funciona a la perfección en las baladas como “Madragoa”, un tema lírico en
el que se juega con incisivas intensidades, seguidas de pasajes tenues y
relajados. El tema “Quarta e Quinta”, en la que comparten protagonismo las
partes de piano y batería, y
“Punchline”, en el que habría que destacar el solo del contrabajista
João Custódio, van confeccionando una audición que invita al oyente a continuar
escuchando hasta el final.
Sin dejar el concepto pianístico que engloba la grabación,
en el tema “Sombras”, el pianista nos sumerge de nuevo en un plano sumamente
lírico y elegante, a veces onírico. La participación vocal de Selma Uamusse,
cantando en español a ritmo de rumbas en
el tema “Estaciones”, y la pieza corta llamada “Ending Song”, son las
dos últimas composiciones de un trabajo discográfico a la altura del mejor jazz
actual que podemos escuchar, un trabajo sobre todo honesto y de gran calidad.
Continuidad y evolución es mi deseo para el trío. Mucha suerte para ellos.
El disco está disponible para su
descarga online desde la web de la propia firma discográfica, de
forma gratuita y también con opción de compra.
© José Antonio García López, 2014
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COSTA BLANCA - (VIAJE A PRANTIA, 1977)
A1. Viaje a Prantia (10:18)
A2. El barón de Fimestrad (9:21)
B1. El caminito que no mola
(14:13)
B2. Tijal (5:53)
B3. Cuando el coco se vista de gris (6:32)Escucha disco aquí: Viaje a Prantia
Quiero comenzar esta sección del blog con la reseña de un vinilo incunable y nunca editado en formato CD, que me cautivó en su día como a muchos otros aficionados al jazz, por aquel entonces. Uno de los pocos que aún conservo de mi pequeña colección. Se trata del disco llamado Viaje a Prantia (Aphrodita, 1977), del grupo alicantino Costa Blanca, también conocido entre sus seguidores como Costablanca. La primera y la única vez que vi en directo al cuarteto fue en la sala La Carroza, de Murcia, en 1978. El manager archenero Tony Perea organizaba los conciertos en dicha sala, y recuerdo algunas de las actuaciones que tuvieron lugar ese mismo año, con varios grupos como Azahar y el guitarrista valenciano Eduardo Bort.
*Costa Blanca en Archena (Murcia). Prueba de sonido. Fotografía extraída de Costablanca Myspace
Quiero comenzar esta sección del blog con la reseña de un vinilo incunable y nunca editado en formato CD, que me cautivó en su día como a muchos otros aficionados al jazz, por aquel entonces. Uno de los pocos que aún conservo de mi pequeña colección. Se trata del disco llamado Viaje a Prantia (Aphrodita, 1977), del grupo alicantino Costa Blanca, también conocido entre sus seguidores como Costablanca. La primera y la única vez que vi en directo al cuarteto fue en la sala La Carroza, de Murcia, en 1978. El manager archenero Tony Perea organizaba los conciertos en dicha sala, y recuerdo algunas de las actuaciones que tuvieron lugar ese mismo año, con varios grupos como Azahar y el guitarrista valenciano Eduardo Bort.
El grupo Costa Blanca estaba formado por el saxofonista francés Alain
Fabricio, el guitarrista Alfonso Carratalá, el bajista Antonio López Navarret y
un joven baterista, también alicantino, que cautivó con su maestría a gran
parte de los asistentes al concierto, Pedro Barceló, con 18 años de edad, la
misma edad que yo tenía. En aquellos años, finales de los 70, los eventos
musicales jazzísticos de este calibre eran escasos en Murcia, exceptuando
algunos grupos locales que ya andaban sumergidos en el estilo de fusion
y en el jazz clásico, grupos que podíamos escuchar en los raros, por su número,
garitos de las principales ciudades de la región. Aún no habían nacido los
festivales de Jazz de Cartagena y Murcia, ambos en 1980.
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*Concierto en el instituto femenino Miguel Hernández, de Alicante, con colegas de Mediterráneo, Geyser y algunos fans.
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La producción y grabación del proyecto no fue muy
del agrado de los participantes, por ambas partes, productores y músicos, así
que el resultado de su difusión y proyección fue casi nulo, exceptuando la gira
nacional de directos que realizaron, junto con Iceberg, Guadalquivir, Triana y otros. Posteriormente hicieron otra grabación del proyecto que nunca vio la luz, con el teclista Pepe Dougan, que les acompañó en gran parte de sus conciertos. Etiquetada en su época como una música
hecha dentro del llamado rock progresivo español, su esencia musical está
basada en la fusión propia del jazz-rock. El vinilo contiene cinco
composiciones originales repartidas entre sus dos caras: “Viaje a Prantia”, que
encabeza y da título al disco, y “El barón de Fimestrad”, en la cara A, y “El
caminito que no mola”, “Tijal” y “Cuando el coco se vista de gris”, en su cara
B.
El primer tema, “Viaje a Prantia”, es una larga composición musical que contiene una constante repetición rítmica sobre la que resalta el saxo soprano y alto de Alain Fabricio, según parece inspirado en uno de sus viajes al país vecino. Basada en una progresión
modal, con algunos cortes rítmicos, la pieza se alarga hasta crear un clima sugerente y emotivo.
Le sigue una composición llena de contrastes, “El barón de Fimestrad”, en el que destacan los solos de guitarra y saxofón, y los cambios de la sección rítmica, una marcha lenta que deriva en tiempos rápidos y gana intensidad en algunas partes de su desarrollo.
Ya en la otra cara, encontramos el tema llamado “El caminito que no mola”, una pieza extensa para lucimiento del baterista, con casi ocho minutos de improvisación en los que un joven Pedro Barceló hace gala de sus mejores habilidades.
Las influencias de músicos de la época como Jaco Pastorius se reflejan en “Tijal”, pieza de estilo jazz-funky, alegre y desenfadada, que aporta también ese carácter de fusión en el contenido global del trabajo discográfico. El final del álbum lo cierra “Cuando el coco se vista de gris”, una síntesis musical traducida en una pieza del mejor jazz-rock que se ha creado en nuestro país. La labor del bajista Navarret, consolida con elegancia el estilo de la formación en su recorrido por los caminos del jazz y la fusión.
La música de Costa Blanca tuvo excelentes críticas en su momento y un lugar importante entre los músicos, aficionados y seguidores del jazz que se estaba generando en nuestro país. Eran otros tiempos...
Le sigue una composición llena de contrastes, “El barón de Fimestrad”, en el que destacan los solos de guitarra y saxofón, y los cambios de la sección rítmica, una marcha lenta que deriva en tiempos rápidos y gana intensidad en algunas partes de su desarrollo.
Ya en la otra cara, encontramos el tema llamado “El caminito que no mola”, una pieza extensa para lucimiento del baterista, con casi ocho minutos de improvisación en los que un joven Pedro Barceló hace gala de sus mejores habilidades.
Las influencias de músicos de la época como Jaco Pastorius se reflejan en “Tijal”, pieza de estilo jazz-funky, alegre y desenfadada, que aporta también ese carácter de fusión en el contenido global del trabajo discográfico. El final del álbum lo cierra “Cuando el coco se vista de gris”, una síntesis musical traducida en una pieza del mejor jazz-rock que se ha creado en nuestro país. La labor del bajista Navarret, consolida con elegancia el estilo de la formación en su recorrido por los caminos del jazz y la fusión.
La música de Costa Blanca tuvo excelentes críticas en su momento y un lugar importante entre los músicos, aficionados y seguidores del jazz que se estaba generando en nuestro país. Eran otros tiempos...
Texto: © José Antonio García López, 2012
Estimado José Antonio,
ResponderEliminarHola, mi nombre es Sebastián Prado, guitarrista de jazz y compositor de Santiago, Chile.
Te escribo para ver la posiblidad de que pudieses hacer una reseña de mi nuevo álbum "Lugares Comunes" (Animales en la vía - 2014). El disco acabo de grabarlo y será lanzado a fines de Agosto. Tengo en mi poder el master y el arte del disco.
Qué te parece?
De antemano agradezco tu tiempo.
Quedo atento a tus comentarios,
Saludos,
Sebastián Prado
Hola, Sebastián.
EliminarEn principio me parece bien hacer la reseña de tu nuevo disco "Lugares Comunes". Necesito escucharlo, saber el nombre de los músicos que participan y el instrumento que toca cada uno, en el caso de haber colaboradores, y tener la portada principal del álbum. Para eso tendrías que enviarme los temas con su nombre, bien a partir de la master, o bien esperar a que lo lances en agosto y enviarme el disco a España. Lo dejo a tu elección.
La reseña saldría en mi blog Jazz se escribe con jota y en la revista digital de jazz Tomajazz, una de las más importantes del país.
Un saludo.
José Antonio García