Daahoud Salim Quintet - (Jazzazza Jazz Club)

Daahoud Salim Quintet

(Jazzazza Jazz Club – Murcia)

Fecha: 8 de noviembre de 2019

Lugar: Jazzazza Jazz Club – Murcia

Grupo:

Daahoud Salim Quintet

Daahoud Salim: piano

Pepe Zaragoza: trompeta

Pablo Martínez: trombón

Hendrik Müller: contrabajo

Sun Mi Hong: batería

Hijo del saxofonista y compositor estadounidense Abdu Salim, forjado en el arte de la música desde temprana edad, con una destacada formación académica y una vertiginosa trayectoria, el pianista Daahoud Salim va dejando su enérgica y emocionante huella en los diversos escenarios por los que pasa. En esta ocasión la cita fue en Jazzazza Jazz Club, como parte de la gira que el grupo está realizando en noviembre por varias ciudades de nuestro país, a la que llegó en formación de quinteto, acompañado del trompetista Pepe Zaragoza, sustituyendo al integrante habitual Bruno Calvo, el trombonista Pablo Martínez, Hendrik Müller al contrabajo y Sun Mi Hong en la batería, conformando una banda con una alta experiencia en los ámbitos jazzísticos europeos, muy interactiva y estrechamente unida, como veríamos posteriormente a lo largo del concierto. El quinteto ofreció un repertorio en el que incluyeron algunos temas de sus anteriores y más recientes trabajos discográficos: La llamada (Blue Asteroid Records, 2016), el directo Daahoud Salim Quintet – Jazz Getxo (Errabal Jazz, 2016), La búsqueda (RockCD Records, 2017) y Daahoud Salim Quintet – Live Jamboree (2018) en edición digital.

El grupo comenzó el directo con una introducción de la baterista Mi Hong, en solitario, iniciando el tema “La llamada”, sugerente titulo que encabeza y da nombre al primer disco, añadiéndose después el resto del grupo. Salim, es un buen comunicador que llega pronto al alma del espectador, explicando las ideas que le inspiran para componer y el porqué de cada tema, como en el caso de la segunda pieza llamada “El mayor truco del diablo”, en la que navegaron los solos del trombonista Martínez, flexible y audaz en sus fraseos, y del pianista, que desarrolló vivos y marcados pasajes sobre el teclado. El contrabajista Müller, abrió el siguiente tema con una elocuente introducción, antes de que el líder comentara su composición llamada “Historia del tiempo”. Una relajada y exquisita pieza en la que destacaron las ricas improvisaciones de Salim, y un espléndido y poderoso solo de Zaragoza. El humor y la ironía no faltan, a veces, en las presentaciones de Salim, como en “Bon Appétit!”, reflexión sobre la famosa frase “Somos lo que comemos”, una alegre y dinámica creación, en la que alternaron las extensas, elegantes y muy expresivas improvisaciones del trombonista sobre un tempo medio de swing, seguido de un vertiginoso tempo fast que tuvo al trompetista como protagonista, con fraseos intensos, ágiles y bien articulados. La contundente intervención de la baterista nos dejó otra muestra de sus grandes capacidades, para cerrar esta última pieza del primer pase.

Abrieron la segunda parte del concierto con “Munnot Waste No Time”, en la que lució una larga introducción de Zaragoga, acompañado solamente de Mi Hong y Müller. La exposición del tema dio paso al trombonista Martínez, deleitando a los presentes con una esmerada improvisación sobre la base vigorosa y rápida de la sección rítmica. Las manos del pianista se movían sobre las teclas del piano con precisos y desenvueltos desarrollos, que acentuaron la intensidad del tema. Inspirado e influido por la música de su padre, Salim interpretó “Song For My Children” (Abdu Salim) una refinada pieza a tempo de vals, realizada a trío de piano, contrabajo y batería. Müller y Salim aportaron coloridas y líricas intervenciones como solistas. Los ritmos latinos estuvieron presentes en “Volamos”, una rumbosa, vibrante y enérgica composición en la que Zaragoza y Martínez alternaron las primeras descargas, entregadas y dinámicas, dejando otra parte de la improvisación al pianista para finalizar el tema. El grupo continuó la sesión con “Sin tí… tulo”, un tema nostálgico y emotivo con aires de bolero. Tras la exposición del trompetista sería el trombonista el encargado de efectuar el primer libre discurso, apacible y sutil. El líder generó también un acunado y bien definido solo lleno de puntuados matices sonoros, acorde con el tema. El concierto llegaba casi a su final con “Yalut”, una pieza afro jazz, con un rebosante groove para lucimiento de la sección rítmica, sobre la que caminaron los solos de Zaragoza y Salim, arropados por el contrabajo de Müller y la impecable batería de Mi Hong. El atento público reclamó un bis que no tardaron en elaborar, una preciosa balada llamada “Canción a Anna” como culminante colofón de una de las citas más memorables que han pasado por el club Jazzazza.

Tradición y modernidad se vuelven a dar la mano para proporcionar una experiencia sensorial enriquecedora. Las creaciones de Daahoud Salim poseen una hermosa musicalidad que ahonda en la espiritualidad del oyente. La buena música lleva inherente un poder sanador que trasciende más allá del mundo material en el que vivimos, algo que podemos encontrar en las composiciones de este formidable pianista. Un músico que brilla con luz propia.

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Jazzazza Jazz Club, 2019

André Fernandes Quintet & Perico Sambeat - (Jazzazza Jazz Club)

André Fernandes Quintet & Perico Sambeat

(Jazzazza Jazz Club)

Fecha: 4 de octubre de 2019.

Lugar: Jazzazza Jazz Club.

Grupo:

André Fernandes Quintet & Perico Sambeat

André Fernandes: guitarra eléctrica

Perico Sambeat: saxo alto, soprano y flauta travesera

Xan Campos: piano y teclados

Francisco Brito: bajo eléctrico

João Pereira: batería

El guitarrista y compositor portugués André Fernandes es un músico con una carrera profesional encomiable, avalada por su formación académica, por cientos de colaboraciones en grabaciones con las figuras más destacadas del jazz internacional: Chris Cheek, Tomasz Stanko, Lee Konitz, Bill McHenry, Jochen Rueckert, Jeff Ballard, Perico Sambeat, Avishai Cohen, Joshua Redman, Eli Degibri o Jorge Rossy, por nombrar solamente a algunos, por su participación en orquestas de jazz de gran prestigio, y más de una decena de trabajos discográficos editados como líder: Dream Keeper (Edition Records, 2016), Draco (Nischo Records, 2018) y Chasing Penguins (Rat Records, 2019) son sus últimos discos. El respeto a la tradición, y las modernas líneas creativas que encontramos en el guitarrista, son las claves para entender la abierta variedad estilística de su música. La cita en el club Jazzazza con su proyecto llamado Kinetic -del que se espera la edición de un nuevo álbum que verá la luz en diciembre de este año-, en formación de quinteto, con el excelente saxofonista Perico Sambeat y una sección rítmica impecable, formada por el pianista Xan Campos, Francisco Brito en el bajo eléctrico, y João Pereira a la batería, dejó constancia de los buenos derroteros por los que se mueve el jazz que nos llega actualmente desde el país vecino.

Los dos primeros temas del repertorio “Sadcess” (Xan Campos) y “Same Life Twice” (João Pereira) marcaron el perfil predominante de la sesión, caracterizado por el uso de elementos electrónicos en las composiciones. En la extensa primera pieza, la mezcla de instrumentos electrónicos y acústicos crearon una introducción exquisita y muy heterogénea, antes de que Fernandes y Sambeat lanzaran la exposición de la melodía, sugerente y enérgica. Las improvisaciones fueron para Campos, alternando el piano y el teclado, y para Sambeat, con el saxo alto conectado a su pedalera de efectos, en las que jugaron con fraseos precisos y elocuentes. La máxima intensidad de la pieza la puso Fernandes con un rotundo y espléndido solo de guitarra. El segundo tema se desarrolló con una amalgama de incursiones de todos los componentes, en una música experimental plagada de matices sonoros, en el que destacó el contundente marcaje de la batería de Pereira. La introducción del bajo eléctrico abrió la partitura de “Rainy Night, Neon Light”, Late Parade (Aklovap Records, 2017) de la pianista y compositora japonesa Akiko Pavolka, una composición sosegada y etérea sobre la que navegaron placidamente los arreglos de la sección rítmica y los solos de Campos, y de Fernandes. Para terminar este primer pase, el líder eligió una composición original llamada “Chifre” que encabeza su disco Dream Keeper. A la melodía compartida por Sambeat y Fernandes, le siguieron los solos de saxo soprano, ejecutados con desgarradoras notas y expresivos recursos. El guitarrista y el pianista desplegaron también sus intensos diálogos, dándole a la composición un carácter muy dinámico y poderoso.

Desde el asiento que suelo ocupar en el local, observo con agrado la formidable conexión y solidez musical del grupo. El tema “Wiccano” (Perico Sambeat) que arrancó la segunda parte, me recordó al estilo de jazz fusion del grupo Brecker Brother, e incluso a la música del carismático y genial Frank Zappa, tan admirado por Sambeat hasta el punto de dedicarle un merecido homenaje en su disco Plays Zappa (Karonte / Nuba Records, 2016). Tras el enérgico comienzo, Campos introdujo una sosegada parte en solitario a modo de interludio, para dar de nuevo la entrada al resto de los instrumentos. El máximo clímax en los solos corrió a cargo de Sambeat y de Fernandes, cuya guitarra semi-distorsionada resonó perfectamente encajada entre las bases armónicas y rítmicas de sus compañeros. El quinteto deleitó a los presentes con otra pieza original del guitarrista, “Rabbit Hole”, incluida también en su álbum anteriormente citado, iniciada en solitario por el líder con una sugestiva introducción. A los líricos y delicados fraseos de Sambeat con su flauta, le siguieron los bien articulados y fluidos solos de Fernandes y Campos, abrigados por los compases rítmicos de Brito y Pereira. Fernandes anunció, para finalizar, los siguientes temas, compuestos por dos de sus admirados músicos: una particular versión de “The Future” de la cantante y compositora portuguesa Sara Serpa, que encontramos en el disco Close Up (Clean Feed, 2018) basada en un ostinato melódico y rítmico en el que se movieron las libres improvisaciones del teclado con efectos de Campos, la flauta de Sambeat y la guitarra de Fernandes. Y otra composición llamada “Savassi” del bajista, guitarrista y compositor brasileño Frederico Heliodoro, desarrollada con un largo solo de guitarra, y un elocuente y ágil ejercicio del bajista Brito, arropados por la atenta y omnipresente batería de Pereira, que realizó una labor impresionante durante todo el concierto. El guitarrista repitió su espacio de improvisación para después dejar a Sambeat con un solo colosal, jugando en las notas más altas de su registro, con un lenguaje magistralmente articulado y lleno de intensidad. La última entrega del concierto, a petición de la audiencia, fue el tema “Ratios” del saxofonista, compositor y arreglista francés Ohad Talmor. La repetida cadencia musical sirvió de soporte para los diálogos creados por Campos, variando fraseos consigo mismo con el piano y el teclado de efectos.

El quinteto del guitarrista André Fernandes realizó una muestra del mejor jazz contemporáneo que se hace en nuestros días, una música sin complejos, honesta, arriesgada, libre e inequívocamente muy creativa.

Tomajazz:

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Jazzazza Jazz Club, 2019

Paco Torregrosa Quartet - (Jazzazza Jazz Club)

Paco Torregrosa Quartet

Fecha: 28 de septiembre de 2019.

Lugar: Jazzazza Jazz Club.

Grupo:

Paco Torregrosa Quartet.

Paco Torregrosa: saxo alto.

Eduard Marquina: piano.

Jaume Guerra: contrabajo.

Pablo Soriano: batería.

La cantera de músicos en la escena jazzística de nuestro país sigue dándonos, para bien, sus gratas sorpresas. En el caso del saxofonista y compositor alicantino Paco Torregrosa, el esfuerzo y el ingenio le han acompañado en una trayectoria musical ascendente, que le ha llevado a codearse, desde hace algún tiempo, con lo más relevante del jazz nacional (Perico Sambeat, Voro García o Ramón Cardo) e internacional (John O’Gallagher, Mike Williams, Andrew Bain). En su formación cuenta, además, con varias masterclass dirigidas por George Colligan, Gilad Hekselman, Bruce Barth y Eddie Henderson, entre otros). Estos antecedentes, y su primer EP llamado Introducing (2018) le afianzan para ocupar un espacio merecido en el jazz actual. Un músico a tener en cuenta, que dará mucho que hablar durante los próximos años. Torregrosa visitó el club Jazzazza en formación de cuarteto, acompañado por Eduard Marquina en el piano, Jaume Guerra al contrabajo y Pablo Soriano a la batería, otros tres músicos adelantados de su generación.

Con un repertorio basado en composiciones originales y de otros músicos admirados por el saxofonista, comenzaron el primer set de la sesión encabezada por “Luso” (Perico Sambeat) una partitura relajada a tempo de vals que tuvo una primera y breve incursión del pianista, dejando al saxofonista un gran abanico improvisatorio, rico y más extenso. “Dana” (Paco Torregrosa) fue aportando animosidad a un concierto que acababa de dar sus primeros pasos. Tras la introducción del tema, fue el saxofonista el encargado de dar rienda a un solo bien medido y planteado, delegando al pianista el resto de la pieza, antes de la exposición final. La balada “Ace” (Walter Smith III & Matthew Stevens) creó un ambiente plácido y nostálgico desde los primeros compases de la exposición, realizada, en una primera vuelta, por Marquina y Torregrosa, para dar paso a un solo de contrabajo de Jaume Guerra, y otros sugerentes desarrollos del saxofonista y del pianista, con delicados fraseos. Para cerrar este pase, el grupo interpretó “A la luz” (Voro García) una pieza con ritmos cambiantes, contundente y dinámica, introducida por la sección rítmica. La improvisación de Torregrosa caminó sobre la base del ritmo latino para después dar paso a un swing rápido, resuelta con fraseos bien articulados y fluidos. Marquina no quedó a la zaga, creando su espacio en otro solo con ágiles movimientos sobre el teclado del piano. El baterista Pablo Soriano, terminaba las ruedas de improvisaciones con una enérgica muestra de su instrumento.

El segundo set comenzó con “No te aguanto más” (Perico Sambeat) un tema a ritmo de funky, en el que Marquina y Torregrosa nos ofrecieron sus fraseos más frescos y entusiastas. Otra muestra de la faceta compositiva del líder, y su gusto por los ritmos latinos, llegó con una pieza titulada “La plata”. El saxofonista destacó aquí con un espléndido solo, tanto en elocuencia como en extensión, abrigado por los arreglos del pianista y los compases rítmicos del contrabajo y la batería. Marquina y Guerra, tuvieron también su espacio como solistas en unas esmeradas y sugerentes improvisaciones. La preciosa melodía de la nana de flamenco “Nido del aire” (Perico Sambeat) puso en un clima de éxtasis a la silenciosa audiencia. El particular sonido del saxo alto de Torregrosa, envolvente, cálido y nítido, dio a la pieza un aura solemne y de embrujo. La exposición del saxofonista dio salida al turno de improvisación del contrabajista, idílico y comedido en sus fraseos, para, acto seguido, retomar de nuevo su rol como solista principal, desgranando las notas de su saxofón en un momento de inspiración y emotividad. El cuarteto varió a un estilo de jazz contemporáneo con “Mark Time” (Kenny Wheeler) que introdujo Torregrosa en solitario. El elegante y sustancioso groove creado por el grupo marcó toda la pieza, en la que navegaron los flexibles, y a veces intensos, solos de Marquina. Fue el saxofonista el encargado de llevar el tema a su máxima expresión e intensidad, con otro ejemplo de su poderoso lenguaje y sonido. En los tiempos rápidos es donde los músicos muestran también sus capacidades, y el nivel musical en el que cada uno se encuentra, como en el tema “Compersión” (Sambeat) una partitura vertiginosa, en la que los solistas se manejaron resueltos, ofreciendo lo mejor de sí mismos. Generosos y complacidos por los aplausos del público, finalizaron la sesión con el blues “Tenor Madness” (Sonny Rollins) conformando una apoteósica despedida del grupo.

Salí del club Jazzazza con una buena impresión de lo acontecido, con la idea de un futuro esperanzador para el jazz y la satisfacción de haber conocido a unos músicos decididos, que respetan las tradiciones del género, y trabajan la música con conceptos innovadores. Les deseo lo mejor para sus próximos proyectos.

Tomajazz:

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Jazzazza Jazz Club, 2019

Eliot Zigmund Trio - (Jazzazza Jazz Club, Murcia)

Eliot Zigmund Trio “Remembering Bill Evans Trio”

(Jazzazza Jazz Club, Murcia)

Fecha: 14 de septiembre de 2019.

Lugar: Jazzazza Jazz Club, Murcia.

Grupo:

Eliot Zigmund Trio

Eliot Zigmund: batería

Juan Sebastián Vázquez: piano

Manel Fortià: contrabajo

Jazzazza Jazz Club reinició en septiembre su programación de conciertos con el trío liderado por el baterista norteamericano Eliot Zigmund, acompañado por el pianista y compositor Juan Sebastián Vázquez y el contrabajista Manel Fortià. Eliot Zigmund es un legendario y reconocido músico de jazz que formó parte del trío liderado por el prestigioso pianista Bill Evans, con el que grabó varios discos: I Will Say Goodbye (Fantasy Records, 1980) y You Must Believe In Spring (Warner Bros Records, 1981) son dos de ellos. La extensa trayectoria musical de Zigmund, sus colaboraciones en bandas como la de Stan Getz, Michel Petrucciani, o de Don Friedman, entre otras, y su labor como docente, son las razones que le han situado en un lugar relevante de la escena jazzística internacional.

No deja de ser curioso, y poco habitual, encontrarse sobre el escenario a un baterista zurdo – con el charles a la derecha y el ride a la izquierda-, algo que, en los inicios de la carrera de Zigmund, le causó no pocos problemas de tipo académico, una circunstancia que no le impidió tocar con los más grandes músicos de jazz.

Con el standard “I Hear A Rhapsody” (George Fragos / Jack Baker / Dick Gasparre) dieron inicio a la primera parte de la sesión. Una partitura a medio swing que dejó percibir la buena interacción existente entre los músicos, en la que desarrollaron sus primeras improvisaciones sobre la estructura armónica. Continuaron con el tema “Alone Together” (Arthur Schwartz / Howard Dietz) una pieza a tempo de vals, en la que lucieron los solos de Vázquez, y una contundente y enérgica intervención de Zigmund. El pianista enlazó la parte final del tema para introducir, sutilmente, la melodía de “Body And Soul” (Johnny B. Green). Los coloridos fraseos de Vázquez se movían entre lo etéreo y lo corpóreo, haciendo de la pieza una delicada y sugerente versión. El contrabajista, Fortià, aportó también su espacio de improvisación con un inspirador solo y un sonido nítido. En “I’ll Be Seeing You” (Sammy Fain / Irving Kahal) fue Fortià, el encargado de abrir las ruedas de solos, seguido de Vázquez, flexible y audaz en sus recorridos por el teclado. Zigmund, cerró el tema con otro breve y ajustado despliegue de su batería. Los dieciséis compases de la estructura armónica de “Minor Blues” (Bob Brookmeyer) dieron lugar a un dinámico y alegre juego de los tres componentes, destacando la labor del contrabajista en su faceta como solista.

“You And The Night And The Music” (Arthur Schwartz / Howard Dietz) fue el tema elegido para comenzar la segunda parte del concierto. Tras la introducción de la melodía por el pianista, en solitario, el contrabajista y el baterista se unieron para darle forma y desarrollar la pieza a trío. Fortià arrancó con una primera improvisación a ritmo de swing alto, apoyado por sus compañeros, dando paso posteriormente al pianista, que creó la intensidad y el éxtasis necesario antes de una nueva incursión final del líder. Después de semanas de gira, y siendo también la última actuación, Vázquez invitó a subir al escenario al pianista y route manager del grupo, Richard Krull, que interpretó “Beautiful Love” (Victor Young / Wayne King). El ingenio de Fortià, el toque elegante de Krull y la precisión de Zigmund, se combinaron a la perfección en un todo mágico y fascinante, muy aplaudido por los presentes. Otra de las partituras elegidas fue “My Romance” (Richard Rodgers / Lorenz Hart) introducida por una exposición de Vázquez, para continuar con una larga improvisación en la que mostró, de nuevo, sus buenas habilidades. La incesante actividad de Fortià, y la sensación de confianza y relajación que transmite Zigmund, son claves importantes en la formación, haciendo que el grupo suene compacto y enormemente fluido. El pianista anunció un siguiente tema original titulado “Bolero sin sal”, una pieza llena de entusiasmo, elaborada con un lenguaje muy expresivo, y bien arreglada. “It Could Happen To You” (Jimmy Van Heusen / Johnny Burke) anunciado como el tema final del concierto, caminó rápido en las manos del pianista, otra muestra inherente de sus virtuosas capacidades. Las ovaciones del público animaron al grupo a realizar un bis, la preciosa balada “What’s New?” (Bob Haggart / Johnny Burke) con la que se despidieron.

Un concierto de jazz clásico, plagado de temas standards, con un innovador tratamiento de sus intérpretes, resaltando dos factores importantes que marcaron, para bien, el evento: el sonido semiacústico del trío, y el respetuoso silencio de la audiencia, que ayudó a crear un ambiente intimista y cercano, lo que derivó en una sesión entrañable.

Tomajazz:

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Jazzazza Jazz Club, 2019

Maceo Parker - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Maceo Parker

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 26 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Maceo Parker

Maceo Parker: voz, saxo alto y flauta travesera

Darliene Parker: voz

Greg Boyer: trombón

Bruno Speight: guitarra eléctrica

Will Boulware: teclados

Rodney “Skeet” Curtis: bajo eléctrico

Pete MacLean: batería

La gira española del saxofonista Maceo Parker tuvo su parada en la presente edición del Festival Internacional Jazz San Javier, una cita muy esperada por los seguidores de esta gran figura representante del estilo funk y el soul jazz. Su extensa trayectoria artística le ha llevado a colaborar con músicos muy relevantes, siendo conocida su participación como solista en las filas de James Brown, grabando en sesiones con James Taylor, Bryan Ferry, Larry Goldings, Dave Matthews, Candy Dulfer y Prince, entre muchos otros, o formando parte del grupo Parliament Funkadelic de George Clinton, para después liderar su propia banda, con la que posee más de una quincena de discos.

Buena parte del aforo ya le esperaba en el foso del auditorio, preparado para la primera descarga del grupo, que se lanzó con el tema llamado “Off The Hook” de su álbum Made By Maceo (Sony Music Distribution, 2003). La química de Parker acababa de estallar y tras unas palabras de agradecimiento anunció el siguiente tema “Make It Funky”, Maceo – Soundtrack (Minor Music, 1994) en el que destacaron las cortas intervenciones del trombonista Greg Boyer. La balada “Daddy’s Home”, Mo’ Roots (Verve, 1991) cambió la dinámica intensa del comienzo. La melodía, compartida entre saxo alto y trombón, dio paso a los teclados de Will Boulware, que solo le dio tiempo para introducir un escueto arreglo porque la banda aparcó la pausada pieza para enlazar con “Uptown Up”, Funk Overload (What Are Records?, 1998) y retomar el contundente ritmo funky, en el que lucieron los solos de Boyer, Parker y Boulware. La complicidad del líder con el público fue animando, aún más, el espectáculo, creando momentos muy álgidos con su particular manera de bailar y su incombustible forma de actuar sobre el escenario. Parker homenajeó a uno de sus artistas más admirados con la melodía de “Send One For Your Love” de Stevie Wonder, realizada por el trombonista. La resistencia de Parker no tiene límite y los ritmos del funky siguieron su marcha, aumentando, aún más si cabe, el placer colectivo y el delirio de sus seguidores. Temas tan conocidos como “Let’s Get It On” de Marvin Gaye, introducido con un solo del guitarrista Bruno Speight, fueron descubriendo su mejor faceta de cantante, sobre todo en las piezas lentas, en las que el líder se muestra ágil y poderoso.

Casi una docena de veces hizo el amago de salir del escenario y acabar con la sesión, para volver, otras tantas, a reanimar y continuar con el concierto, y dirigir las entradas de sus compañeros, como en el largo solo que se marcó el baterista Pete MacLean, potente y exhaustivo en sus definiciones rítmicas. Otra balada, a dúo con Boulware, dio paso a nuevas andanadas del mejor estilo funk, en las que lucieron las incursiones del bajista Rodney “Skeet” Curtis, punteadas con un excelente sonido. La versión de la canción “Stand By Me” de Ben E King, interpretada con las voces de Greg Boyer y Darliene Parker, nos mostró también la diversidad instrumental de Parker, con una espléndida improvisación de flauta travesera. El líder buscó, de nuevo, la complicidad de la audiencia con más temas, haciéndola bailar y participar en un tándem vocal hasta el final de la sesión, que despidieron con la melodía del saxo alto en la canción “My Love” de Paul McCartney. Los vítores del público se vieron recompensados con un bis final, con el que el grupo volvía a despedirse, dejando la agradable sensación de haber vivido uno de los conciertos más divertidos y entregados de los que han pasado por el festival.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Niels Lan Doky Trio - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Niels Lan Doky Trio

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 26 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Niels Lan Doky Trio

Niels Lan Doky: piano

Tobias Dall: contrabajo

Niclas Bardeleben: batería

El pianista danés Niels Lan Doky visitó la presente edición del festival –ya estuvo en la edición de 2011-, acompañado de dos extraordinarios músicos: el contrabajista Tobias Dall y Niclas Bardeleben en la batería, formando un triángulo musical sumamente equilibrado e interactivo, de lo más exquisito que se ha visto en la programación del festival. El pianista, con más de una treintena de discos en su haber, está considerado como uno de los músicos de jazz más creativos de su generación. Buena parte del repertorio estuvo basado en su último álbum llamado Improvisation Of Life (Inner Adventures, 2017).

“Forever Frank”, del disco anteriormente mencionado, fue la pieza elegida para iniciar la sesión, en la que el contrabajo y la batería abrigaron con soltura y definición los rápidos fraseos del pianista, mostrándonos sus primeras intenciones de ofrecer un concierto tan espléndido como entregado. Uno de los temas más reconocidos por la audiencia fue “Man In The Mirror” (Glen Ballard / Siedah Garrett) popular en la voz de Michael Jackson, una adaptación del pianista al formato de trío que desarrollaron con ajustadas y precisas improvisaciones de piano y contrabajo. El homenaje al gran armonicista Toots Thielemans, fallecido en 2016, con el que compartió grabación en el disco para la película Between A Smile And A Tear (Saphir, 2006) llegó con “Toots Waltz”, composición original de Doky. Una pieza en la que destacó el solo del pianista y del contrabajista Tobias Dall. El ritmo ternario continuó con “Nature Of The Business”, un paseo musical elegante y sugestivo, a la medida del pianista. Continuaron con “Greasy Sauce”, y la balada “Sita’s Mood” en la que Doky se recreó con emocionantes fraseos para establecer el clima reposado apropiado. El universo musical, etéreo y particular del pianista nos dejó una de sus creaciones más conocidas, “Children’s Song”, de su disco Return To Denmark (BRO Recordings, 2010). El líder, enlazó posteriormente tres piezas en solitario, “December / Langt Hojt Mood Nord / Piano Interlude”, en una muestra inequívoca de su poderosa técnica pianística, cargada de disposiciones armónicas y arreglos. “Contemplations From A Mountain Top”, fue casi la despedida del concierto, con un apoteósico solo del baterista Niclas Bardeleben utilizando exclusivamente sus manos en el despliegue rítmico. Las ovaciones del público provocaron un bis final de sesión con “Misty Dawn”, un tema sumamente poético que parecía sugerir en la imaginación los bellos paisajes nórdicos de su país natal.

 La música de Niels Lan Doky está basada en las experiencias vitales del autor, se rodea de un romanticismo generoso, se forja exenta de protagonismos exacerbados y de arrebatos innecesarios, y está tratada con una profundidad que te cala en lo más hondo del espíritu.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Chick Corea & The Spanish Heart Band - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Chick Corea & The Spanish Heart Band

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 25 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Chick Corea & The Spanish Heart Band

Chick Corea: piano

Mike Rodriguez: trompeta

Jorge Pardo: saxo y flauta

Steve Davis: trombón

Niño Josele: guitarra

Carlitos del Puerto: contrabajo

Marcus Gilmore: batería

Luisito Quintero: percusión

Niño de los Reyes: bailaor flamenco

El pianista y compositor norteamericano Chick Corea, que se encuentra de gira internacional, regresó al Festival de Jazz San Javier en esta presente edición – ya estuvo en la anterior con el proyecto Chick Corea Akoustic Band-, para ofrecernos un espectáculo musical que caminó en torno a su faceta más flamenca y latina, con otro proyecto llamado Chick Corea & The Spanish Heart Band. Corea se rodeó, en esta ocasión, de un selecto cuadro de músicos, con los que ha grabado su último disco, entre ellos el saxofonista Jorge Pardo y el guitarrista Niño Josele.

El líder escogió, para comenzar, un breve fragmento de la partitura “Pas de Deux” de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, a modo de preludio, a dúo con el contrabajista Carlitos del Puerto. Enlazada con la introducción, la maquinaria de la banda se puso en marcha y los vientos tocaron el inicio de la pieza “Antidote”, tema homónimo que encabeza su disco recientemente editado Antidote (Concord Jazz, 2019). Niño Josele fue el primero en realizar su particular improvisación, seguido del piano compartido a cuatro manos por Corea con José Heredia, hijo de Josele, y el sintetizador, con el que puso una nota electrónica de fusión y color, arropados por una contundente sección rítmica. Tras los backgrounds, los vientos, saxo tenor, trompeta y trombón, arrancaron respectivamente con solos potentes y arrolladores, elevando la intensidad del tema. Para acabar con la pieza, Corea invitó al bailaor Niño de los Reyes a ocupar la primera línea del escenario y marcarse un enérgico zapateado. El diálogo entre guitarra y piano marcó la entrada de “The Yellow Nimbus” del álbum Touchstone (Warner Records, 1982) en el que colaboró, entre otros, el guitarrista Paco de Lucia. Los arreglos musicales de la banda decoraron el baile de Reyes, hasta dejarle a dúo con el flautista Jorge Pardo, formando un tándem perfectamente interactivo. Hechizo y poderío se iban adueñando de la sesión, para hacer las delicias de un público callado y muy atento al desarrollo de cada pieza. Siguieron con “Duende”, un tema relajado en el que destacaron los arreglos de ensueño de la sección de vientos, y los solos de trompeta, trombón y piano. Corea, anunció “My Spanish Heart”, una revisión del tema que encontramos en su disco My Spanish Heart (Kendun Recorders, 1976) y que vuelve a integrar en el álbum editado en este año, con la colaboración de Rubén Blades. “Armando’s Rhumba”, en el que lucieron los sensacionales arreglos y solos realizados por Davis, Pardo, Rodriguez, Corea, y un mano a mano entregado entre Reyes y Quintero, con el apoyo de Marcus Gilmore. Las ovaciones del público hicieron volver a la banda para iniciar el esperado “Concierto de Aranjuez” del compositor Joaquín Rodrigo, que fusionaron con “Spain”, temas habituales en las despedidas de los directos de Corea, que impulsó un cierre de concierto apoteósico con la participación de los coros de un público rendido a la formación.

Lo cierto es que este nuevo proyecto de Chick Corea representa un precioso y merecido homenaje a los músicos, algunos de ellos ya desaparecidos, y a la música flamenca, tan integrada en el corazón del gran compositor. Enhorabuena.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Ron Carter Foursight Quartet - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Ron Carter Foursight Quartet

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 21 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Ron Carter Foursight Quartet

Ron Carter: contrabajo.

Jimmy Greene: saxo tenor.

Donald Vega: piano.

Payton Crossley: batería.

El concierto de Ron Carter fue algo muy especial y trascendente para los cientos de seguidores del género y asistentes que acudieron a escuchar, en directo, a uno de los más grandes jazzmen que ha dado la historia del jazz. Hablar del contrabajista Ron Carter y de su trayectoria artística puede suponer miles de páginas escritas para recopilar toda una vida dedicada a la música, en la que ha formado parte de grupos tan legendarios como The Miles Davis Quintet, con el que colaboró, entre otras grabaciones en Miles Smiles (Columbia Records, 1966), además de participar en miles de grabaciones junto a figuras del jazz tan relevantes como Chet Baker, Milt Jackson, Horace Silver, Joe Henderson, Eric Dolphy, Herbie Hancock y Quincy Jones, entre muchos otros, y poseer una extensa lista de grabaciones como líder.

Ron Carter, se presentó en San Javier con un proyecto que lleva más de una década paseando por todo el mundo, en el que han formado parte diferentes músicos, como fue el caso del pianista Donald Vega, que sustituyó a Renee Rosnes, anunciada en la programación del festival.

El cuarteto inició su repertorio con “595” de su álbum Dear Miles (Angel Records, 2006) una pieza suave a ritmo de swing, desarrollada con solos de Greene y Vega. En buena parte de la sesión fueron enlazando un tema tras otro, casi a modo de suite. Y así, continuaron con “Mr. Bow Tie” (Blue Note, 1995) un tema largo que dio mucho de sí, en el que todos los componentes del grupo emprendieron sus extensas improvisaciones. La última nota del contrabajista sirvió de inicio para “Flamenco Scketches” de Miles Davis, aparecida en su disco Kind Of Blue (Columbia Records, 1959) una partitura relajada en la que destacó la parte improvisada del pianista Donald Vega. Otro tema enlazado, también de Davis, fue “Seven Steps To Heaven”, tema homónimo que encabeza el disco con el mismo nombre (Columbia Records, 1963), en el que cambió la dinámica del ritmo anterior, con un vertiginoso tempo fast, estilo bebop, en el que lucieron los expresivos fraseos del saxofonista Jimmy Greene, y del pianista, con una natural flexibilidad, muestra de un virtuosismo ejemplar. El baterista, Payton Crossley, finalizó la partitura en un poderoso despliegue rítmico de su instrumento. Carter continuó con una pieza en solitario, titulada “Amazing Grace”, un tema del cancionero tradicional en el que intercaló algunos fragmentos de otras partituras, incluso de música clásica, confeccionando tal improvisación que parecía estar tocando a dúo consigo mismo. A partir de aquí, la sesión se convirtió en una realización sui genéris de algunos temas, que conllevaron introducciones y preludios a la manera de Carter, en un formato libre pero controlado. Sonaron también standards como “My Funny Valentine” (Richard Rodgers / Lorenz Hart) introducido por el piano de Vega y realizado a dúo con Carter, en el que el pianista se entregó en cuerpo y alma de forma magistral, con arreglos y ligeras variaciones de un gusto excepcional. Las líneas creativas de Carter, con las que se recrea en ocasiones, volvieron a sonar en “You And The Night And The Music” (Arthur Schwartz / Howard Dietz) en las que se dieron varias y escuetas intervenciones de todos los músicos, con una interacción desbordante, como solo entre ellos se puede dar.

Antes de finalizar el concierto la organización le entregó una placa conmemorativa a Ron Carter, el Premio Anual del Festival Jazz San Javier, de manos de su director Alberto Nieto, en reconocimiento a su gran carrera artística, recibiéndola de forma humilde y agradecida. El grupo se despidió con el standard “Bernie’s Tune” (Bernie Miller) para acabar con una sesión espectacular, impregnada con el espíritu elegante de este extraordinario músico y compositor.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Roberta Gambarini & Fabrizio Bosso - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Roberta Gambarini & Fabrizio Bosso

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 19 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Roberta Gambarini & Fabrizio Bosso

Roberta Gambarini: voz.

Fabrizio Bosso: trompeta.

Rob Bargad: piano.

Joshua Ginsburg: contrabajo.

Mario Gonzi: batería.

El fallecimiento del trompetista estadounidense Roy Hargrove, el pasado noviembre de 2018, dejó un gran vacío en la comunidad jazzística mundial. Se nos había ido, con tan solo 49 años, uno de los músicos más prometedores del género de las últimas décadas, tras haber conseguido una trayectoria ascendente en su flamante carrera artística plagada de colaboraciones con relevantes figuras del jazz –en sus inicios-, y más tarde con innumerables músicos, dejándonos un valioso legado discográfico, tanto de acompañante en diversas grabaciones como liderando su grupo The RH Factor, en el que nos mostró su excelente faceta de compositor.

Por ello, la organización del festival quiso ofrecerle un merecido concierto homenaje en la presente edición. Un proyecto que contó con la presencia de la cantante italiana Roberta Gambarini, compañera de escenarios del desaparecido trompetista, y Fabrizio Bosso, otro experimentado trompetista con una extensa discografía.

La sesión comenzó con la balada “Never Let Me Go” (Jay Livingston / Ray Evans) cantada en solitario por Gambarini, dejándonos un indicio de lo que marcaría una actuación muy intimista, pasional y nostálgica. La vocalista, acto seguido, dio paso a Fabrizio Bosso, para subir al escenario e interpretar juntos otra pieza llamada “You Taught My Heart To Sing” (McCoy Tyner / Sammy Cahn), aportando así una gran carga emocional en el inicio de la velada. Las canciones brasileñas son también una tónica importante en el repertorio de la cantante, en las que se maneja de manera cómoda, tal fue el caso de “Modinha” (Antonio Carlos Jobim) y “Chega De Saudade” (Jobim / Vinicius de Moraes) enlazadas en un todo de bossa nova. Gambarini abandonó el escenario para dejar el protagonismo a Bosso en los dos siguientes temas: la preciosa composición “The Nearness Of You” (Hoagy Carmichael / Ned Washington) en la que se recreó con elocuentes fraseos, y “A Night In Tunisia”, de Dizzy Gillespie, adentrándonos en un bebop enérgico y trepidante, con su peculiar sonido de trompeta, nítido y potente, en el que impera el uso de los tonos agudos, abrigado por los elegantes fraseos y arreglos de piano de Bargad, el contrabajo de Ginsburg, que realizó una labor encomiable dentro del grupo, y la solidez de la batería de Gonzi, tres aciertos al contar con ellos en la formación del quinteto. El conocido standard “I Remember Clifford” de Benny Golson, y la canción “On The Sunny Side Of The Street” (Jimmy McHugh / Dorothy Fields) fueron otros de los temas elegidos. La voz de Gambarini sonó cálida y poderosa en el bolero llamado “La puerta” de Luis Demetrio, cantado en español, una muestra más de la versatilidad de esta brillante vocalista. Con la canción “Estate” del italiano Bruno Martino, “Opapada”, y un bis, “Strasbourg St. Denis” de Roy Hargrove, cerraron un entrañable concierto dedicado a la figura del gran trompetista.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Marcus Miller - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Marcus Miller 

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 19 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Marcus Miller

Marcus Miller: bajo eléctrico y clarinete bajo.

Russel Gunn: trompeta.

Alex Han: saxo alto.

Julian Pollak: piano.

James Francies: teclados.

Alex Bailey: batería.

La visita de Marcus Miller, en formación de sexteto, colmó las expectativas de los seguidores y oyentes que asistieron a San Javier en una jornada doble de conciertos. El carismático bajista de Miles Davis traía consigo un último álbum recientemente editado con el nombre de Laid Black (Blue Note, 2018) del que repasó varios temas en su repertorio.

Una parte del público le esperaba en el foso, junto al escenario, deseoso de moverse al son que marcara el inigualable músico, hacedor del mejor jazz rock progresivo y otros estilos ligados al género. Y así iniciaron el concierto con el tema llamado “7-T’s”, del disco antes mencionado. El sonido atronador del bajo hizo vibrar los cuerpos de los presentes, incluso enmascarando, a veces, la musicalidad del resto de sus compañeros, algo no muy agradable al oído. La saturación del sonido del bajo eléctrico puede convertirse en un problema técnico, si no se controla debidamente, y es difícil de resolver en algunos casos. La sesión continuó con “Untamed”, una composición de Miller que serenó la intensidad del comienzo, en la que brillaron los arreglos de la sección de vientos, una breve intervención del trompetista Russel Gunn, dando paso a un solo del líder, una improvisación de James Francies, y un solo desgarrador del saxofonista Alex Han. Tras la presentación de la banda iniciaron “Sublimity Bunny’s Dream”, siguiendo con una dinámica relajada hasta llegar a la parte improvisada del tema con un Alex Han pletórico y exuberante, haciéndose, poco a poco, con el protagonismo merecido en el desempeño de su papel como solista.

Miller anunció “Detroit”, de su álbum Renaissance  (Concord Records, 2012) para lucimiento, en esta ocasión, del bajista, y del pianista Julian Pollak. La partitura “Bitches Brew” de Miles Davis comenzó con un aire mágico y etéreo, marcada por el bajista, el batería, y los arreglos de los teclados, para dar rienda a los abstractos fraseos de Russel Gunn y, de nuevo, al saxofonista, que llevó el tema hasta lo máxima intensidad de su desarrollo. El líder se recreó en una larga improvisación con “Trip Trap”, arropado por los impecables backgrounds de la sección de vientos, despertando así el delirio, un tanto adormecido, de sus seguidores. Miller buscó la complicidad del público en “Hylife” de su disco Afrodeezia (Blue Note, 2015) invitándole a participar con él y repetir las frases vocales que iba cantando, después de las dos intervenciones de Pollak y Francies. El clarinete bajo de Miller sonó junto a los teclados de Francies, a dúo, en la preciosa y nostálgica melodía del himno llamado “How Great Thou Art”, canción basada en un poema de Carl Boberg. La maquinaria del grupo volvía a descargar su fuerza y energía con el conocido “Tutu” de Miles Davis, desarrollada, en buena parte, por el solo de Gunn, recordándonos el sonido con sordina característico de la trompeta del gran maestro. La banda, a petición del auditorio, se despidió con un bis, la famosa canción  “Come Together” de The Beatles, cerrando otro de los conciertos más esperados del festival.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Andrea Motis - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Andrea Motis

(XXII Festival Internacional Jazz San Javier, Murcia. 2019-07-05)

Fecha: 5 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Andrea Motis

Andrea Motis: voz y trompeta

Ignasi Terraza: piano

Josep Traver: guitarra

Joan Chamorro: contrabajo

Esteve Pi: batería

Aforo completo en el auditorio de San Javier para recibir a la joven cantante, saxofonista y trompetista Andrea Motis y a su grupo, formado por músicos de gran bagaje y recorrido artístico, entre ellos el profesor y pianista Ignasi Terraza, una figura esencial en la escena jazzística de nuestro país. Motis basó parte del repertorio en su disco titulado Emotional Dance (Impulse!, 2017), en el que aparecen algunos temas originales junto a otras interpretaciones de standards del cancionero popular americano, y en Do Outro Lado Do Azul (Verve Records, 2019) un álbum homenaje a la música brasileña.

El quinteto abrió la sesión con una pieza original de Motis, “I Didn’t Tell Them Why”, seguida de “He’s Funny That Way” (Neil Moret / Richard Whiting) ambas cantadas en inglés, con las que cautivó pronto al público presente. Las diversas facetas de Motis, tanto instrumentales como lingüísticas, fueron mostrándose a lo largo del concierto, cantando algunos temas en portugués, tal es el caso de “A Dança da Solidão” (Paulinho da Viola) acompañada por los sutiles arreglos de guitarra, contrabajo y batería. Las improvisaciones de Motis, Traver y Chamorro completaron el desarrollo de la canción. Continuaron con “Sombra de Lá” (Andrea Motis / Sérgio Krakowski) una pieza a ritmo de samba, con incursiones de piano, trompeta y guitarra. La conocida canción “Mediterráneo” de Juan Manuel Serrat, variada rítmicamente, le dio un toque especial de emoción a la sesión, sobre todo con el elocuente solo de Terraza. La samba “Jo Vinc” de Ignasi Terraza hizo vibrar a los oyentes, destacando el solo de trompeta de Motis, ligero y flexible, y del pianista, preciso y contundente en sus fraseos. La balada “Sense Pessa” original de Motis, cantada en catalán, relajó el ambiente con su suave y cálida voz para dar paso a una espléndida improvisación de la trompetista, así como del pianista y del guitarrista. De nuevo, el ritmo de la samba fue protagonista en el tema “Pra Que Discutir Com Madame” (Janet De Almeida / Haroldo Barbosa) en el que lucieron, además de Traver y Terraza, el scat de Motis con su voz, y un vigoroso solo sambero de Esteve Pi.

La sesión volvió por la senda del swing con la interpretación de la canción “On The Sentimental Side” (Johnny Burke / J. Monaco). Y de nuevo, otra samba llamada “Brisa” de Motis, a tempo alto, sacudió al aforo en sus asientos, con solos de trompeta, piano y batería. La cantante anunció un último tema, la conocida canción “Ain’t No Sunshine” (Bill Withers). Las ovaciones dieron paso a dos bises, “Rabo de nube” de Silvio Rodríguez y “Never Will I Marry” de Frank Loesser, para cerrar el concierto, dejando un grato recuerdo de su paso por el festival.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019