Terell Stafford & Bruce Barth Trio (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Terell Stafford & Bruce Barth Trio

(XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Lugar: Auditorio Parque Almansa

Fecha: 20 de julio de 2022

Grupo:

Terell Stafford & Bruce Barth Trio

Terell Stafford: trompeta.

Bruce Barth: piano.

Mark Hodgson: contrabajo.

Stephen Keogh: batería.

Sara Dowling: vocalista.

Aún quedaban conciertos y sorpresas en el XXIV Festival Internacional Jazz San Javier. Uno de ellos estuvo protagonizado por el cuarteto encabezado por el trompetista Terell Stafford y el pianista Bruce Barth, que se encuentra de gira por algunos festivales y salas de música de varias ciudades en nuestro país: San Sebastián, Tarrasa y Huelva, entre otras. Músicos muy considerados en la escena del jazz estadounidense, cada uno de ellos con un extenso recorrido artístico a tener en cuenta, con numerosos trabajos discográficos, bien liderando sus propias formaciones o como acompañantes de reconocidas figuras.

Barth completó su sección rítmica con notables músicos: el contrabajista Mark Hodgson, y el baterista Stephen Keogh, dos extraordinarios apoyos que demostraron su sabiduría jazzística a lo largo de la sesión. El concierto, conformado en dos partes, también contó con la presencia de la cantante Sara Dowling, una invitada de lujo que aportó riqueza y sensibilidad musical a la actuación.

El pianista anunció un primer tema, a cuarteto, de su autoría titulado “Little Ditty” del álbum Live at the Village Vanguard (MAXJAZZ, 2003) de estilo hardbop, fresco y envolvente, en el que destacaron las primeras improvisaciones del trompetista Stafford, seguido del pianista, y del contrabajista Hodgson, para después intercalar solos con el baterista Keogh, sobre progresiones de ocho compases, dándole una gran consistencia y dinámica al tema. Un inicio vigoroso que ya dejaba muy claro el carácter de la sesión.

El blues lento “Lonesome Train”, homenaje al viejo Oeste, rememoró los áridos paisajes del país, adentrándonos en las raíces populares del jazz. Stafford lució con un potente solo en un discurso arrollador plagado de recursos, alcanzando varios clímax musicales a lo largo del desarrollo de la pieza. En el tema bebop “This Is New”, a tempo alto, volvieron a la carga con enérgicas demostraciones de Stafford con una destreza técnica colosal, arropado por los acordes y arreglos de Barth, el dinámico y fluido walking de Hodgson, y el flexible soporte del baterista Keogh, que también tuvo aquí su momento en las improvisaciones. La primera parte acabó con otro animado blues “Blues For J.T.” del álbum de Stafford, Taking Chances: Live at the Dakota (MAXJAZZ, 2007) a ritmo de funk. El contrabajista Hodgson tuvo un papel destacado en los solos.

Barth llamó a entrar al escenario a la cantante Sara Dowling (Omán) reconocida vocalista de jazz con una excelente trayectoria, para lo que fue el segundo set de la actuación, que iniciaron con “Remember” de Irving Berlin, una partitura standard que ha sido interpretada por muchos músicos de jazz, entre ellos la cantante Betty Carter, una de las influencias más enraizadas en Dowling. Tras la exposición cantada del tema entró en juego el scat de la vocalista, para dar paso a otro intenso solo de Stafford, una elegante improvisación de piano y otra parte de contrabajo que alargaron la pieza, alternando fraseos con el scat de Dowling, técnica que utilizó en varias ocasiones.

La canción “Phoenix From The Ashes” a tempo de vals, fue toda una muestra de la versátil voz y expresividad que posee la cantante, capaz de modular su voz a diferentes alturas tonales con una exquisita musicalidad. La hermosa balada “Something To Live For” (Duke Ellington / Billy Strayhorn) fue un guiño a Ella Fitzgerald, otra de las grandes vocalistas que han influido en la carrera de Dowling. Otro de los temas del repertorio fue “U.M.M.G.” (Upper Manhattan Medical Group) de Billy Strayhorn, incluido en el álbum de Stafford This Side Of Strayhorn (MAXJAZZ, 2011) una libre interpretación con la participación del scat de la cantante, en la que también lucieron los solos de piano, trompeta y contrabajo.

“I Gotta Right To Sing The Blues” (Harold Arlet / Ted Koehler) invocó el recuerdo de Billie Holiday, en la voz de Dowling, suave y delicada, y a veces desgarrada en los momentos más intensos. La vocalista mostró su faceta brasileña con el tema “Outuno” de Rosa Passos y Fernando de Oliveira, cantado en portugués. Una exquisita y delicada pieza adornada con los arreglos del pianista y con la improvisación del trompetista. La actuación llegaba casi a su fin con la canción “The Song Is You” (Jerome Kern / Oscar Hammerstein II) tocada a un tempo fast, en la que brillaron los espectaculares solos de trompeta, los ágiles y elocuentes fraseos de piano, y los determinantes juegos del baterista, arropados por las rápidas líneas del contrabajista.

El disfrute del quinteto y del público se prolongó con un bis basado en el adagio (segundo movimiento lento) del “Concierto de Aranjuez” de Joaquín Rodrigo, una singular y emocionante interpretación de regalo para finalizar un espléndido concierto.

Quiero acabar esta crónica mostrando mis condolencias a la familia y amigos de Iñaki Añua, fallecido recientemente, que fue director del Festival de Jazz de Vitoria – Gasteiz durante cuarenta años. Una gran pérdida para el jazz en nuestro país.

Tomajazz: Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías: © Pedro Sáez, 2022

Tomajazz - Terell Stafford & Bruce Barth Trio (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

El retorno de los dioses: Peter Bernstein & Mark Whitfield Organ Quartet (We All Remember Wes) (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

El retorno de los dioses: Peter Bernstein & Mark Whitfield Organ Quartet (We All Remember Wes)

(XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier, Murcia

Fecha: 9 de julio de 2022

Grupo:

Peter Bernstein & Mark Whitfield Organ Quartet

Peter Bernstein: guitarra eléctrica.

Mark Whitfield: guitarra eléctrica.

Phil Wilkinson: órgano Hammond.

Mourad Benhammou: batería.

Otra noche de jazz con mayúsculas en el Jazz San Javier con la visita de dos relevantes nombres de la guitarra: Peter Bernstein y Mark Whitfield. Cada uno de ellos representa un estilo diferente del otro. El estilo de Bernstein es metódico, y quizá más sobrio, no hace ostentación de sus cualidades, algo que contrasta con el de Whitfield, que mostró más pasión y artificio técnico. No quiero dar una opinión positiva o negativa sobre el carácter personal de cada músico, ni mucho menos, cada uno tiene el derecho y la libertad de ser como es, pero sí cotejar el contenido estilístico y musical que existe entre los dos. Hay una estrecha relación entre la forma en que tocamos un instrumento musical y lo que somos como personas. Al fin y al cabo la música que tocamos, como ocurre en otras artes, es parte de esa forma de expresión interior que transmitimos.

Ambos músicos poseen una extraordinaria carrera artística por separado, avalada por numerosos trabajos discográficos. Unidos por el mismo proyecto ofrecieron un concierto basado en un homenaje en torno al gran guitarrista Wes Montgomery, que fue y sigue siendo uno de los músicos más influyentes en el mundo de la guitarra de jazz.

“Four On Six” tocado a un tempo alto (fast) fue el primer tema de la actuación anunciado por Whitfield, portavoz del cuarteto en las presentaciones. Las ruedas de solos se alternaban entre las guitarras. Whitfield con su sonido brillante atacaba las notas y arrastraba los acordes a la manera de Montgomery, mientras Bernstein, con un sonido más delicado, desarrollaba sus solos con personalidad y estilo propio, logrando intensificar el tema a base de su singular manera de utilizar escalas y patrones.

Wilkinson y Benhammou, inmersos en un groove poderoso y una clara interacción, también tuvieron su papel en las improvisaciones de dieciséis compases sobre la estructura armónica. El mágico “West Coast Blues” tocado a swing medio, atenuó, por el momento, la dinámica de la actuación. La entrada en los solos fue para Bernstein, con un sonido limpio sin estridencias, para después dejar paso al órgano de Wilkinson, y a la guitarra de Whitfield que proporcionó más impulso e intensidad a la pieza.

En el blues “Fried Pies” lució la improvisación de Wilkinson apoyado por los riffs de las guitarras. La preciosa balada “Round Midnight” (Thelonious Monk / Cootie Williams) fue una vuelta a la relajación, en cuyo proceso compartieron melodías, arreglos y solos con las guitarras, bajo la atenta escucha de un público silencioso. “Twisted Blues” a ritmo de fast swing, devolvió la dínámica del comienzo de la actuación, destacando las incursiones de Wilkinson y Benhammou, baterista decisivo en los tempos con sus precisos acompañamientos. Continuaron con la conocida partitura “Full House” a tempo de vals, en la que destacó el intenso despliegue improvisatorio de Whitfield. Para velocidad vertiginosa la del tema anunciado por Whitfield, “Impressions” de John Coltrane. La pieza modal de treinta y dos compases dio mucho de sí, y fue bien aprovechada por todos los componentes del cuarteto para realizar extensas improvisaciones. Las flexibles y suaves digitaciones de Bernstein y los apolíneos y enérgicos fraseos de Whitfield enriquecieron el desarrollo de la partitura. El entusiasmado público acompañó con palmas los primeros compases de “Road Song” una divertida interpretación del tema que daba supuestamente pie al fin de la actuación. Como suele pasar, el grupo se despidió con un bis, “Missile Blues”, dando por acabada, ahora sí, otra cita inolvidable.

En la mitología griega el protector e ingenioso Hermes, y el bello y pasional Apolo, eran dos de los dioses de la música, además de ocuparse de otras labores, cada cual con una personalidad bien definida. Esa noche, cansados de la vida disipada en el Olimpo, decidieron descender al mundo de los humanos para reencarnarse en los dos protagonistas principales del concierto.

Tomajazz: Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías: © Pedro Sáez, 2022

Tomajazz - El retorno de los dioses: Peter Bernstein & Mark Whitfield Organ Quartet (We All Remember Wes) (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Stanley Clarke N 4Ever - (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Stanley Clarke N 4Ever

(XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Lugar: Auditorio Parque Almansa

Fecha: 7 de julio de 2022

Grupo:

Stanley Clarke N 4Ever

Stanley Clarke: contrabajo y bajo eléctrico.

Emilio Modeste: saxo tenor y soprano.

Jahary Stampley: piano y teclados.

Colin Cook: guitarra eléctrica.

Jeremiah Collier: batería.

El contrabajista Stanley Clarke, quizá más conocido en el mundo del jazz fusión con el uso del bajo eléctrico, fue el protagonista en otra de las jornadas más esperadas por los aficionados a este estilo jazzístico, que se consolidó con el jazz rock en los años 70. Con más de cuarenta discos en su haber y una extensa trayectoria musical, Clarke ha colaborado con un numeroso elenco de grandes figuras del jazz, llegando posteriormente a su periodo más exitoso como cofundador del grupo Return to Forever, junto al pianista Chick Corea, para luego continuar su carrera en solitario formando sus propios grupos.

Acompañado por un grupo de jóvenes promesas, iniciaron su concierto con una larga interpretación del tema “No Mystery” (Chick Corea) del álbum No Mystery (Polydor Record, 1975). La melodía, compartida por el piano, guitarra y saxofón soprano, dejó paso a un primer solo corto de contrabajo con arco, y otra improvisación del guitarrista Cook más extensa, que acentuó la intensidad de la pieza. Los solos de soprano y piano también tuvieron su protagonismo. El espacio improvisatorio de Clarke, estuvo abrigado, en principio, por la batería de Collier, que tuvo su momento álgido antes de volver a la exposición de la partitura, en la que predominaron los brillantes e inconfundibles arreglos con el sello del maestro Corea. “Last Train To Sanity” (S. Clarke) del disco Up (Mack Avenue – MAC 1083, 2014) dio continuidad a la sesión, en la que destacó, en gran manera, la contundente batería de Collier, omnipresente por encima de sus compañeros en todo el tema. A petición de un espectador, el líder optó por tocar el conocido “School Days”, tema incluido en el mismo álbum citado anteriormente. El solo de bajo eléctrico junto a la batería apenas necesitó del colchón armónico de los compañeros, sonando un tanto algo fragoso en conjunto. De nuevo la presencia de Collier inundó con su sonido las gradas del auditorio. Buena parte del repertorio fueron títulos como: “Sorceress”, “Medieval Overture”, y “The Romantic Warrior”, incluidos en el álbum Romantic Warrior (Columbia Records, 1976) del grupo Return To Forever. La banda despidió el concierto con un bis, el tema jazz funk “Silly Putty” (S. Clarke) Journey to Love (Electric Ladyland Studio, New York, NY, 1975) entre aplausos y vítores de sus más fervientes seguidores.

La noche de Stanley Clarke se convirtió en un homenaje póstumo en recuerdo a Chick Corea, uno de los músicos más emblemáticos y reconocidos que nos ha dejado la música.

Tomajazz: Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías: © Pedro Sáez, 2022

Tomajazz - Stanley Clarke N 4Ever (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Brad Mehldau Trio (XXIII Festival Internacional de Jazz San Javier)

Brad Mehldau Trio: El viaje mitológico de Brad Mehldau.

(XXIII Festival Internacional de Jazz San Javier)

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Fecha: 28 de julio de 2021

Grupo:

Brad Mehldau Trio

Brad Mehldau: piano

Larry Grenadier: contrabajo

Jeff Ballard: batería

En la programación del XXIII Festival Internacional de Jazz San Javier había una cita muy esperada por los seguidores, la del pianista y compositor Brad Mehldau, acompañado, en esta ocasión, por dos firmes puntales del jazz actual: Larry Grenadier al contrabajo y Jeff Ballard en la batería, formando un triángulo poderoso y emblemático, de lo mejor que podemos escuchar en el panorama jazzístico mundial.

A su amplia discografía hay que añadir varios álbumes recientes: I Still Play, Suite: April 2020, RoundAgain, editados en el 2020, y Variations on a Melancholy Theme, que ha visto la luz en el 2021, todos editados por el sello Nonesuch Records.

Tras un pequeño ajuste en la afinación del piano, a falta de pocos minutos del inicio del concierto, el barco tripulado por los tres bragados marinos, dispuestos a navegar por aguas de ensueño, desplegó sus velas con un primer rumbo, quien sabe a qué puerto o a qué isla, que para todos, incluso para ellos, pretendía ser desconocido, sin saber con cuántos vientos y tormentas tendrían que bregar a lo largo de la ruta.

Mehldau inició su concierto con una breve introducción de la pieza “Unrequited” (Metheny / Mehldau. 2006) en solitario, a la que pronto se le unieron el contrabajista Grenadier, y el baterista Ballard, atentos a las señales del líder. El pianista desarrolló la composición de 4/4 por varias tonalidades, dando la sensación de estar en un aparente camino continuo y sin resolución. Esa es la idea que quiere mostrarnos. Las líneas del contrabajo y el sostén de la batería amortiguan y encajan el contrapunto del piano, creando ricas variaciones rítmicas y armónicas. Tras el solo de piano, arropado por sus compañeros de travesía, es lugar para el contrabajista, solo ante el inmenso océano que se abre ante su mirada, más allá del incierto horizonte.

Cada concierto de Mehldau es diferente. Puedes ir a varias sesiones en distintos lugares y comprobar que los mismos temas que has escuchado, días antes, varían, a veces sustancialmente, creando con ello una gran riqueza interpretativa, elaborada con las genialidades propias de un gran maestro. Esta es una de la esencias del jazz, la libre interpretación de una misma obra, transformada con distintos matices sonoros, distintas variaciones armónicas, y otras texturas rítmicas. ”Twiggy” (Ode. 2012), da paso a los tiempos ternarios. ¡Qué bien suenan! El groove es inmediato y todo encaja en su lugar. Los tres tienen que cuidar de sus pesados mástiles; el trinquete de proa para Mehldau que apunta a la dirección, el palo mayor del centro de la embarcación es para Grenadier, un formidable roble que aporta estabilidad y equilibrio en las sacudidas y los vaivenes, y el guardián del palo de mesana de popa, el versátil e incombustible Ballard. La nave sigue surcando el mar rompiendo las mansas olas, y vuelven a virar para cambiar de rumbo, esta vez hacia “Moe Honk” (RoundAgain. 2020). El viento que sopla de popa es favorable, las velas se hinchan de nuevo y comienza un fast vertiginoso que empuja y mueve el barco con fuerza. Las manos de Mehldau vuelan sobre el piano en su improvisación, abrigado por las rápidas líneas del contrabajo y la omnipresente batería.

Creada como un homenaje al guitarrista John Scofield, tocan “Gentle John”. La calma llega después de la tempestad, y los tres argonautas pueden relajarse, dejando la nave al pairo. Entra la melodía del standard “Long Ago And Far Away” (Jerome Kern / Ira Gershwin). La calma dura poco porque el patrón quiere arribar en otro puerto, y aunque las contenidas notas del pianista den la sensación de aminorar la marcha, sus compañeros ya están empujando con fuerza para coger velocidad valiéndose del sotavento. Tras el solo de piano, es el turno del baterista, que elige jugar con sus compañeros a un tira y afloja, traducido en una selección de diferentes compases (24, 16, 8 y 4) sobre la estructura armónica, quedando después en  solitario en una improvisación magistral, antes de volver a la exposición de la partitura. El viento deja de soplar en las velas y aprovechan para tocar “Since I Fell For You” de Buddy Johnson, un exquisito blues lento que dio mucho de sí. El pianista se recreó hasta la saciedad mostrando sus virtuosas habilidades en pasajes realmente bellos y muy elocuentes. Hay que comenzar a atar los cabos y tensar el velamen, el barco no puede quedar quieto a la deriva. El líder anunció el siguiente tema y puso dirección hacia “Aquelas coisas todas”, del guitarrista y compositor brasileño Toninho Horta. Mis recuerdos sobre el programa de radio “Cuando los elefantes sueñan con la música”, que me acompañó en tantas noches a partir de los años 80’, me asaltan de forma inevitable. Aún conservo algunos casetes con las grabaciones. Los ritmos de bossa animaron a los presentes en esta parte final del concierto. No hubo que insistir mucho para que el trío realizara un último tema “Skippy” del pianista Thelonious Monk, una de las influencias que ha tenido Mehldau en su larga carrera. Las manos del pianista atan y desatan las notas, templan y destensan, esperan a la inspiración del músico, que poco a poco va desgranando su forma de tocar, su música.

Como en el viaje de Jasón (Argonáuticas – Apolonio de Rodas) y según en qué puertos arribe, Mehldau es alabado por sus admiradores, entendidos del género y músicos del gremio, y denostado, sobre todo, por algunos fotógrafos profesionales por no dejarles cumplir con su trabajo cerca del escenario. Aún así, y a riesgo de que me tachen de partidista, alguien, bien sea Heracles o Polifemo, debería acudir en su ayuda, romper una o varias lanzas a favor del artista, y respetar sus deseos, no es el único que impone ciertas reglas en sus conciertos. Recuerdo una ocasión en Cartagena, en la que, a pesar de estar avisados por la organización, un fotógrafo obvió el aviso y se acercó al escenario en un mal momento, fotografiándole un largo rato a menos de tres metros. El sonido del clic del obturador de la cámara, que seguramente olvidó de desactivar, se oía por encima del fragmento musical desde las filas de atrás, apagando casi el sonido de los músicos que en esos momentos tocaban a bajo volumen por la propia dinámica del tema. El pianista, desconcentrado y muy cabreado, se dio la vuelta y paró el concierto, le arrojó la toalla que tenía sobre el piano y le dijo de todo menos guapo. Lo dicho, a veces los justos pagan por los pecadores. Desde el respeto a ambos profesionales, músicos y fotógrafos, espero que algún día lleguen a un buen consenso.

Fue éste un concierto excepcional que será bien recordado por los seguidores del artista. Para declarar algo como excelente debería haber detrás el aval de un arduo trabajo de años y una buena dosis de ingenio, dos factores que se dan plenamente en Mehldau.

Texto: © José Antonio García López, 2021

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2021

Tomajazz - XXIII Festival Internacional de Jazz San Javier - Brad Mehldau Trio

Eliot Zigmund Trio - (Jazzazza Jazz Club, Murcia)

Eliot Zigmund Trio “Remembering Bill Evans Trio”

(Jazzazza Jazz Club, Murcia)

Fecha: 14 de septiembre de 2019.

Lugar: Jazzazza Jazz Club, Murcia.

Grupo:

Eliot Zigmund Trio

Eliot Zigmund: batería

Juan Sebastián Vázquez: piano

Manel Fortià: contrabajo

Jazzazza Jazz Club reinició en septiembre su programación de conciertos con el trío liderado por el baterista norteamericano Eliot Zigmund, acompañado por el pianista y compositor Juan Sebastián Vázquez y el contrabajista Manel Fortià. Eliot Zigmund es un legendario y reconocido músico de jazz que formó parte del trío liderado por el prestigioso pianista Bill Evans, con el que grabó varios discos: I Will Say Goodbye (Fantasy Records, 1980) y You Must Believe In Spring (Warner Bros Records, 1981) son dos de ellos. La extensa trayectoria musical de Zigmund, sus colaboraciones en bandas como la de Stan Getz, Michel Petrucciani, o de Don Friedman, entre otras, y su labor como docente, son las razones que le han situado en un lugar relevante de la escena jazzística internacional.

No deja de ser curioso, y poco habitual, encontrarse sobre el escenario a un baterista zurdo – con el charles a la derecha y el ride a la izquierda-, algo que, en los inicios de la carrera de Zigmund, le causó no pocos problemas de tipo académico, una circunstancia que no le impidió tocar con los más grandes músicos de jazz.

Con el standard “I Hear A Rhapsody” (George Fragos / Jack Baker / Dick Gasparre) dieron inicio a la primera parte de la sesión. Una partitura a medio swing que dejó percibir la buena interacción existente entre los músicos, en la que desarrollaron sus primeras improvisaciones sobre la estructura armónica. Continuaron con el tema “Alone Together” (Arthur Schwartz / Howard Dietz) una pieza a tempo de vals, en la que lucieron los solos de Vázquez, y una contundente y enérgica intervención de Zigmund. El pianista enlazó la parte final del tema para introducir, sutilmente, la melodía de “Body And Soul” (Johnny B. Green). Los coloridos fraseos de Vázquez se movían entre lo etéreo y lo corpóreo, haciendo de la pieza una delicada y sugerente versión. El contrabajista, Fortià, aportó también su espacio de improvisación con un inspirador solo y un sonido nítido. En “I’ll Be Seeing You” (Sammy Fain / Irving Kahal) fue Fortià, el encargado de abrir las ruedas de solos, seguido de Vázquez, flexible y audaz en sus recorridos por el teclado. Zigmund, cerró el tema con otro breve y ajustado despliegue de su batería. Los dieciséis compases de la estructura armónica de “Minor Blues” (Bob Brookmeyer) dieron lugar a un dinámico y alegre juego de los tres componentes, destacando la labor del contrabajista en su faceta como solista.

“You And The Night And The Music” (Arthur Schwartz / Howard Dietz) fue el tema elegido para comenzar la segunda parte del concierto. Tras la introducción de la melodía por el pianista, en solitario, el contrabajista y el baterista se unieron para darle forma y desarrollar la pieza a trío. Fortià arrancó con una primera improvisación a ritmo de swing alto, apoyado por sus compañeros, dando paso posteriormente al pianista, que creó la intensidad y el éxtasis necesario antes de una nueva incursión final del líder. Después de semanas de gira, y siendo también la última actuación, Vázquez invitó a subir al escenario al pianista y route manager del grupo, Richard Krull, que interpretó “Beautiful Love” (Victor Young / Wayne King). El ingenio de Fortià, el toque elegante de Krull y la precisión de Zigmund, se combinaron a la perfección en un todo mágico y fascinante, muy aplaudido por los presentes. Otra de las partituras elegidas fue “My Romance” (Richard Rodgers / Lorenz Hart) introducida por una exposición de Vázquez, para continuar con una larga improvisación en la que mostró, de nuevo, sus buenas habilidades. La incesante actividad de Fortià, y la sensación de confianza y relajación que transmite Zigmund, son claves importantes en la formación, haciendo que el grupo suene compacto y enormemente fluido. El pianista anunció un siguiente tema original titulado “Bolero sin sal”, una pieza llena de entusiasmo, elaborada con un lenguaje muy expresivo, y bien arreglada. “It Could Happen To You” (Jimmy Van Heusen / Johnny Burke) anunciado como el tema final del concierto, caminó rápido en las manos del pianista, otra muestra inherente de sus virtuosas capacidades. Las ovaciones del público animaron al grupo a realizar un bis, la preciosa balada “What’s New?” (Bob Haggart / Johnny Burke) con la que se despidieron.

Un concierto de jazz clásico, plagado de temas standards, con un innovador tratamiento de sus intérpretes, resaltando dos factores importantes que marcaron, para bien, el evento: el sonido semiacústico del trío, y el respetuoso silencio de la audiencia, que ayudó a crear un ambiente intimista y cercano, lo que derivó en una sesión entrañable.

Tomajazz:

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Jazzazza Jazz Club, 2019

Maceo Parker - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Maceo Parker

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 26 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Maceo Parker

Maceo Parker: voz, saxo alto y flauta travesera

Darliene Parker: voz

Greg Boyer: trombón

Bruno Speight: guitarra eléctrica

Will Boulware: teclados

Rodney “Skeet” Curtis: bajo eléctrico

Pete MacLean: batería

La gira española del saxofonista Maceo Parker tuvo su parada en la presente edición del Festival Internacional Jazz San Javier, una cita muy esperada por los seguidores de esta gran figura representante del estilo funk y el soul jazz. Su extensa trayectoria artística le ha llevado a colaborar con músicos muy relevantes, siendo conocida su participación como solista en las filas de James Brown, grabando en sesiones con James Taylor, Bryan Ferry, Larry Goldings, Dave Matthews, Candy Dulfer y Prince, entre muchos otros, o formando parte del grupo Parliament Funkadelic de George Clinton, para después liderar su propia banda, con la que posee más de una quincena de discos.

Buena parte del aforo ya le esperaba en el foso del auditorio, preparado para la primera descarga del grupo, que se lanzó con el tema llamado “Off The Hook” de su álbum Made By Maceo (Sony Music Distribution, 2003). La química de Parker acababa de estallar y tras unas palabras de agradecimiento anunció el siguiente tema “Make It Funky”, Maceo – Soundtrack (Minor Music, 1994) en el que destacaron las cortas intervenciones del trombonista Greg Boyer. La balada “Daddy’s Home”, Mo’ Roots (Verve, 1991) cambió la dinámica intensa del comienzo. La melodía, compartida entre saxo alto y trombón, dio paso a los teclados de Will Boulware, que solo le dio tiempo para introducir un escueto arreglo porque la banda aparcó la pausada pieza para enlazar con “Uptown Up”, Funk Overload (What Are Records?, 1998) y retomar el contundente ritmo funky, en el que lucieron los solos de Boyer, Parker y Boulware. La complicidad del líder con el público fue animando, aún más, el espectáculo, creando momentos muy álgidos con su particular manera de bailar y su incombustible forma de actuar sobre el escenario. Parker homenajeó a uno de sus artistas más admirados con la melodía de “Send One For Your Love” de Stevie Wonder, realizada por el trombonista. La resistencia de Parker no tiene límite y los ritmos del funky siguieron su marcha, aumentando, aún más si cabe, el placer colectivo y el delirio de sus seguidores. Temas tan conocidos como “Let’s Get It On” de Marvin Gaye, introducido con un solo del guitarrista Bruno Speight, fueron descubriendo su mejor faceta de cantante, sobre todo en las piezas lentas, en las que el líder se muestra ágil y poderoso.

Casi una docena de veces hizo el amago de salir del escenario y acabar con la sesión, para volver, otras tantas, a reanimar y continuar con el concierto, y dirigir las entradas de sus compañeros, como en el largo solo que se marcó el baterista Pete MacLean, potente y exhaustivo en sus definiciones rítmicas. Otra balada, a dúo con Boulware, dio paso a nuevas andanadas del mejor estilo funk, en las que lucieron las incursiones del bajista Rodney “Skeet” Curtis, punteadas con un excelente sonido. La versión de la canción “Stand By Me” de Ben E King, interpretada con las voces de Greg Boyer y Darliene Parker, nos mostró también la diversidad instrumental de Parker, con una espléndida improvisación de flauta travesera. El líder buscó, de nuevo, la complicidad de la audiencia con más temas, haciéndola bailar y participar en un tándem vocal hasta el final de la sesión, que despidieron con la melodía del saxo alto en la canción “My Love” de Paul McCartney. Los vítores del público se vieron recompensados con un bis final, con el que el grupo volvía a despedirse, dejando la agradable sensación de haber vivido uno de los conciertos más divertidos y entregados de los que han pasado por el festival.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Niels Lan Doky Trio - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Niels Lan Doky Trio

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 26 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Niels Lan Doky Trio

Niels Lan Doky: piano

Tobias Dall: contrabajo

Niclas Bardeleben: batería

El pianista danés Niels Lan Doky visitó la presente edición del festival –ya estuvo en la edición de 2011-, acompañado de dos extraordinarios músicos: el contrabajista Tobias Dall y Niclas Bardeleben en la batería, formando un triángulo musical sumamente equilibrado e interactivo, de lo más exquisito que se ha visto en la programación del festival. El pianista, con más de una treintena de discos en su haber, está considerado como uno de los músicos de jazz más creativos de su generación. Buena parte del repertorio estuvo basado en su último álbum llamado Improvisation Of Life (Inner Adventures, 2017).

“Forever Frank”, del disco anteriormente mencionado, fue la pieza elegida para iniciar la sesión, en la que el contrabajo y la batería abrigaron con soltura y definición los rápidos fraseos del pianista, mostrándonos sus primeras intenciones de ofrecer un concierto tan espléndido como entregado. Uno de los temas más reconocidos por la audiencia fue “Man In The Mirror” (Glen Ballard / Siedah Garrett) popular en la voz de Michael Jackson, una adaptación del pianista al formato de trío que desarrollaron con ajustadas y precisas improvisaciones de piano y contrabajo. El homenaje al gran armonicista Toots Thielemans, fallecido en 2016, con el que compartió grabación en el disco para la película Between A Smile And A Tear (Saphir, 2006) llegó con “Toots Waltz”, composición original de Doky. Una pieza en la que destacó el solo del pianista y del contrabajista Tobias Dall. El ritmo ternario continuó con “Nature Of The Business”, un paseo musical elegante y sugestivo, a la medida del pianista. Continuaron con “Greasy Sauce”, y la balada “Sita’s Mood” en la que Doky se recreó con emocionantes fraseos para establecer el clima reposado apropiado. El universo musical, etéreo y particular del pianista nos dejó una de sus creaciones más conocidas, “Children’s Song”, de su disco Return To Denmark (BRO Recordings, 2010). El líder, enlazó posteriormente tres piezas en solitario, “December / Langt Hojt Mood Nord / Piano Interlude”, en una muestra inequívoca de su poderosa técnica pianística, cargada de disposiciones armónicas y arreglos. “Contemplations From A Mountain Top”, fue casi la despedida del concierto, con un apoteósico solo del baterista Niclas Bardeleben utilizando exclusivamente sus manos en el despliegue rítmico. Las ovaciones del público provocaron un bis final de sesión con “Misty Dawn”, un tema sumamente poético que parecía sugerir en la imaginación los bellos paisajes nórdicos de su país natal.

 La música de Niels Lan Doky está basada en las experiencias vitales del autor, se rodea de un romanticismo generoso, se forja exenta de protagonismos exacerbados y de arrebatos innecesarios, y está tratada con una profundidad que te cala en lo más hondo del espíritu.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Chick Corea & The Spanish Heart Band - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Chick Corea & The Spanish Heart Band

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 25 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Chick Corea & The Spanish Heart Band

Chick Corea: piano

Mike Rodriguez: trompeta

Jorge Pardo: saxo y flauta

Steve Davis: trombón

Niño Josele: guitarra

Carlitos del Puerto: contrabajo

Marcus Gilmore: batería

Luisito Quintero: percusión

Niño de los Reyes: bailaor flamenco

El pianista y compositor norteamericano Chick Corea, que se encuentra de gira internacional, regresó al Festival de Jazz San Javier en esta presente edición – ya estuvo en la anterior con el proyecto Chick Corea Akoustic Band-, para ofrecernos un espectáculo musical que caminó en torno a su faceta más flamenca y latina, con otro proyecto llamado Chick Corea & The Spanish Heart Band. Corea se rodeó, en esta ocasión, de un selecto cuadro de músicos, con los que ha grabado su último disco, entre ellos el saxofonista Jorge Pardo y el guitarrista Niño Josele.

El líder escogió, para comenzar, un breve fragmento de la partitura “Pas de Deux” de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, a modo de preludio, a dúo con el contrabajista Carlitos del Puerto. Enlazada con la introducción, la maquinaria de la banda se puso en marcha y los vientos tocaron el inicio de la pieza “Antidote”, tema homónimo que encabeza su disco recientemente editado Antidote (Concord Jazz, 2019). Niño Josele fue el primero en realizar su particular improvisación, seguido del piano compartido a cuatro manos por Corea con José Heredia, hijo de Josele, y el sintetizador, con el que puso una nota electrónica de fusión y color, arropados por una contundente sección rítmica. Tras los backgrounds, los vientos, saxo tenor, trompeta y trombón, arrancaron respectivamente con solos potentes y arrolladores, elevando la intensidad del tema. Para acabar con la pieza, Corea invitó al bailaor Niño de los Reyes a ocupar la primera línea del escenario y marcarse un enérgico zapateado. El diálogo entre guitarra y piano marcó la entrada de “The Yellow Nimbus” del álbum Touchstone (Warner Records, 1982) en el que colaboró, entre otros, el guitarrista Paco de Lucia. Los arreglos musicales de la banda decoraron el baile de Reyes, hasta dejarle a dúo con el flautista Jorge Pardo, formando un tándem perfectamente interactivo. Hechizo y poderío se iban adueñando de la sesión, para hacer las delicias de un público callado y muy atento al desarrollo de cada pieza. Siguieron con “Duende”, un tema relajado en el que destacaron los arreglos de ensueño de la sección de vientos, y los solos de trompeta, trombón y piano. Corea, anunció “My Spanish Heart”, una revisión del tema que encontramos en su disco My Spanish Heart (Kendun Recorders, 1976) y que vuelve a integrar en el álbum editado en este año, con la colaboración de Rubén Blades. “Armando’s Rhumba”, en el que lucieron los sensacionales arreglos y solos realizados por Davis, Pardo, Rodriguez, Corea, y un mano a mano entregado entre Reyes y Quintero, con el apoyo de Marcus Gilmore. Las ovaciones del público hicieron volver a la banda para iniciar el esperado “Concierto de Aranjuez” del compositor Joaquín Rodrigo, que fusionaron con “Spain”, temas habituales en las despedidas de los directos de Corea, que impulsó un cierre de concierto apoteósico con la participación de los coros de un público rendido a la formación.

Lo cierto es que este nuevo proyecto de Chick Corea representa un precioso y merecido homenaje a los músicos, algunos de ellos ya desaparecidos, y a la música flamenca, tan integrada en el corazón del gran compositor. Enhorabuena.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Ron Carter Foursight Quartet - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Ron Carter Foursight Quartet

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 21 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Ron Carter Foursight Quartet

Ron Carter: contrabajo.

Jimmy Greene: saxo tenor.

Donald Vega: piano.

Payton Crossley: batería.

El concierto de Ron Carter fue algo muy especial y trascendente para los cientos de seguidores del género y asistentes que acudieron a escuchar, en directo, a uno de los más grandes jazzmen que ha dado la historia del jazz. Hablar del contrabajista Ron Carter y de su trayectoria artística puede suponer miles de páginas escritas para recopilar toda una vida dedicada a la música, en la que ha formado parte de grupos tan legendarios como The Miles Davis Quintet, con el que colaboró, entre otras grabaciones en Miles Smiles (Columbia Records, 1966), además de participar en miles de grabaciones junto a figuras del jazz tan relevantes como Chet Baker, Milt Jackson, Horace Silver, Joe Henderson, Eric Dolphy, Herbie Hancock y Quincy Jones, entre muchos otros, y poseer una extensa lista de grabaciones como líder.

Ron Carter, se presentó en San Javier con un proyecto que lleva más de una década paseando por todo el mundo, en el que han formado parte diferentes músicos, como fue el caso del pianista Donald Vega, que sustituyó a Renee Rosnes, anunciada en la programación del festival.

El cuarteto inició su repertorio con “595” de su álbum Dear Miles (Angel Records, 2006) una pieza suave a ritmo de swing, desarrollada con solos de Greene y Vega. En buena parte de la sesión fueron enlazando un tema tras otro, casi a modo de suite. Y así, continuaron con “Mr. Bow Tie” (Blue Note, 1995) un tema largo que dio mucho de sí, en el que todos los componentes del grupo emprendieron sus extensas improvisaciones. La última nota del contrabajista sirvió de inicio para “Flamenco Scketches” de Miles Davis, aparecida en su disco Kind Of Blue (Columbia Records, 1959) una partitura relajada en la que destacó la parte improvisada del pianista Donald Vega. Otro tema enlazado, también de Davis, fue “Seven Steps To Heaven”, tema homónimo que encabeza el disco con el mismo nombre (Columbia Records, 1963), en el que cambió la dinámica del ritmo anterior, con un vertiginoso tempo fast, estilo bebop, en el que lucieron los expresivos fraseos del saxofonista Jimmy Greene, y del pianista, con una natural flexibilidad, muestra de un virtuosismo ejemplar. El baterista, Payton Crossley, finalizó la partitura en un poderoso despliegue rítmico de su instrumento. Carter continuó con una pieza en solitario, titulada “Amazing Grace”, un tema del cancionero tradicional en el que intercaló algunos fragmentos de otras partituras, incluso de música clásica, confeccionando tal improvisación que parecía estar tocando a dúo consigo mismo. A partir de aquí, la sesión se convirtió en una realización sui genéris de algunos temas, que conllevaron introducciones y preludios a la manera de Carter, en un formato libre pero controlado. Sonaron también standards como “My Funny Valentine” (Richard Rodgers / Lorenz Hart) introducido por el piano de Vega y realizado a dúo con Carter, en el que el pianista se entregó en cuerpo y alma de forma magistral, con arreglos y ligeras variaciones de un gusto excepcional. Las líneas creativas de Carter, con las que se recrea en ocasiones, volvieron a sonar en “You And The Night And The Music” (Arthur Schwartz / Howard Dietz) en las que se dieron varias y escuetas intervenciones de todos los músicos, con una interacción desbordante, como solo entre ellos se puede dar.

Antes de finalizar el concierto la organización le entregó una placa conmemorativa a Ron Carter, el Premio Anual del Festival Jazz San Javier, de manos de su director Alberto Nieto, en reconocimiento a su gran carrera artística, recibiéndola de forma humilde y agradecida. El grupo se despidió con el standard “Bernie’s Tune” (Bernie Miller) para acabar con una sesión espectacular, impregnada con el espíritu elegante de este extraordinario músico y compositor.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019

Roberta Gambarini & Fabrizio Bosso - (XXII Festival Internacional Jazz San Javier)

Roberta Gambarini & Fabrizio Bosso

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

Fecha: 19 de julio de 2019

Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)

Grupo:

Roberta Gambarini & Fabrizio Bosso

Roberta Gambarini: voz.

Fabrizio Bosso: trompeta.

Rob Bargad: piano.

Joshua Ginsburg: contrabajo.

Mario Gonzi: batería.

El fallecimiento del trompetista estadounidense Roy Hargrove, el pasado noviembre de 2018, dejó un gran vacío en la comunidad jazzística mundial. Se nos había ido, con tan solo 49 años, uno de los músicos más prometedores del género de las últimas décadas, tras haber conseguido una trayectoria ascendente en su flamante carrera artística plagada de colaboraciones con relevantes figuras del jazz –en sus inicios-, y más tarde con innumerables músicos, dejándonos un valioso legado discográfico, tanto de acompañante en diversas grabaciones como liderando su grupo The RH Factor, en el que nos mostró su excelente faceta de compositor.

Por ello, la organización del festival quiso ofrecerle un merecido concierto homenaje en la presente edición. Un proyecto que contó con la presencia de la cantante italiana Roberta Gambarini, compañera de escenarios del desaparecido trompetista, y Fabrizio Bosso, otro experimentado trompetista con una extensa discografía.

La sesión comenzó con la balada “Never Let Me Go” (Jay Livingston / Ray Evans) cantada en solitario por Gambarini, dejándonos un indicio de lo que marcaría una actuación muy intimista, pasional y nostálgica. La vocalista, acto seguido, dio paso a Fabrizio Bosso, para subir al escenario e interpretar juntos otra pieza llamada “You Taught My Heart To Sing” (McCoy Tyner / Sammy Cahn), aportando así una gran carga emocional en el inicio de la velada. Las canciones brasileñas son también una tónica importante en el repertorio de la cantante, en las que se maneja de manera cómoda, tal fue el caso de “Modinha” (Antonio Carlos Jobim) y “Chega De Saudade” (Jobim / Vinicius de Moraes) enlazadas en un todo de bossa nova. Gambarini abandonó el escenario para dejar el protagonismo a Bosso en los dos siguientes temas: la preciosa composición “The Nearness Of You” (Hoagy Carmichael / Ned Washington) en la que se recreó con elocuentes fraseos, y “A Night In Tunisia”, de Dizzy Gillespie, adentrándonos en un bebop enérgico y trepidante, con su peculiar sonido de trompeta, nítido y potente, en el que impera el uso de los tonos agudos, abrigado por los elegantes fraseos y arreglos de piano de Bargad, el contrabajo de Ginsburg, que realizó una labor encomiable dentro del grupo, y la solidez de la batería de Gonzi, tres aciertos al contar con ellos en la formación del quinteto. El conocido standard “I Remember Clifford” de Benny Golson, y la canción “On The Sunny Side Of The Street” (Jimmy McHugh / Dorothy Fields) fueron otros de los temas elegidos. La voz de Gambarini sonó cálida y poderosa en el bolero llamado “La puerta” de Luis Demetrio, cantado en español, una muestra más de la versatilidad de esta brillante vocalista. Con la canción “Estate” del italiano Bruno Martino, “Opapada”, y un bis, “Strasbourg St. Denis” de Roy Hargrove, cerraron un entrañable concierto dedicado a la figura del gran trompetista.

Tomajazz

Texto: © José Antonio García López, 2019

Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019