Pablo Martín Caminero Quintet - (II Murcia Jazz Festival)

Pablo Martín Caminero Quintet 

(Murcia Jazz Festival 2021)

Fecha: 18 de marzo de 2021

Lugar: TCM – Teatro Circo de Murcia

Grupo:

Pablo Martín Caminero Quintet

Pablo Martín Caminero: contrabajo

Ariel Brínguez: saxo tenor

Carlos Martín: trombón

Moisés Sánchez: piano

Michael Olivera: batería

El cambio del grupo Eli Degibri Quartet, sustituido por Pablo Martín Caminero Quintet, en la programación del festival, a pocos días de la cita, tuvo una extraordinaria acogida por parte de los aficionados. Caminero presentó ante la audiencia un repertorio de temas originales de su último álbum llamado Bost (Camaleón Music Studio, 2020), basado en dos líneas genéricas de creación: el jazz y el flamenco.

El líder de la formación hizo gala de su buen humor, y simpatizó con los asistentes desde el primer momento de la actuación, que iniciaron con el tema “Bost”, pieza homónima que también encabeza el disco. La enérgica entrada de la composición, basada en el palo flamenco de la granaína, comenzó a dar una buena idea de lo que iba a ser el desarrollo posterior de la sesión. Tras la exposición del tema, fue Caminero el que inició la rueda de improvisaciones, seguido del pianista Sánchez, que aportó una buena dosis de intensidad con sus ágiles y flexibles fraseos. Brínguez y Martín alargaron el final de la pieza, alternando sus diálogos para acabar de forma apoteósica. “Blues para Gerardo Nuñez”, dedicado al gran guitarrista, fue el segundo tema del repertorio. Una soleá por bulerías, con una extensa y colorida exposición que dejó paso a los solos del contrabajo con arco, el trombón, el saxo tenor, y una contundente muestra del baterista Olivera. El contrabajista anunció el siguiente tema como una pieza conceptual de un minuto de duración llamada “Tema para Instagram”, para continuar con “Variaciones Instagram”, en la que Brínguez, Martín y Sánchez, ejercieron su labor como protagonistas principales, con solos de una gran consistencia. En “Manoli”, tema inspirado en uno de los personajes imaginarios de la película El Plan (2019) basada en un guión de Polo Menárguez e Ignasi Vidal, se adentraron en un paisaje sonoro onírico y sutil, de gran belleza, dejando en un estado de éxtasis a los oyentes que se encontraban en el teatro.

Uno de los platos fuertes -en palabras de Caminero-, fue “FKOTR” (Fucking Kings Of The Road ) dedicado a su amigo, el baterista Shayan Fathi. Creada sobre la base rítmica de la seguiriya, la dinámica composición incluyó la voz sampleada del cantaor Enrique Ortega, hijo de Manolo Caracol, destacando las imponentes y brillantes improvisaciones de Brínguez, Sánchez, y Martín, que elevaron con gran maestría el profundo contenido musical de la pieza. Quiero mencionar la excelente labor del baterista Olivera en este tema, y a lo largo de toda la sesión, entregado en cuerpo y alma en su papel, como esencial componente en el proyecto. El penúltimo tema de la actuación fue “El tema raro del disco”, basado en el palo del fandango, una partitura lenta en la que se barajaron diversas intervenciones de todos los músicos. El concierto, llegó a su final con unas palabras de agradecimiento a la organización del festival, y una pieza por bulerías titulada “La propina”, un tema ligero y desenfadado, con incursiones de piano, trombón y saxo tenor. Aplaudidos generosamente por la audiencia, y apremiados por el toque de queda, repitieron el minuto de “Tema para Instagram”. Caminero, nos mostró su gran faceta compositiva, adentrándonos en una música fruto de la fusión entre dos grandes géneros, con atributos distintos, pero compartidos en un contexto común.

En la memoria de todos, y en el presente, queda la figura del gran trombonista valenciano Toni Belenguer, una reciente y triste perdida, importante pilar del proyecto de Caminero.

Enhorabuena a Jota Baeza (director artístico del festival), y a los responsables del Teatro Circo de Murcia, por la buena labor y organización, teniendo en cuenta los tiempos tan difíciles por los que estamos atravesando.

Texto: © José Antonio García López, 2021

Fotografías: © Rafa Márquez – Murcia Jazz Festival, 2021

Patxi Valverde Quartet (II Murcia Jazz Festival)

Patxi Valverde Quartet 

(Murcia Jazz Festival 2021)

Fecha: 7 de marzo de 2021

Lugar: Auditorio Municipal de La Alberca – Murcia

Grupo:

Patxi Valverde Quartet

Patxi Valverde: saxo tenor

Enrique Simón: piano

Antonio Peñalver: contrabajo

Quique Ramírez: batería.

La red de auditorios del extrarradio de la ciudad de Murcia, fueron los escenarios elegidos para acoger a varios de los grupos integrados en la programación de Murcia Jazz Festival 2021, en un acercamiento de la música de jazz a los aficionados de la región. El cuarteto del compositor y saxofonista Patxi Valverde, formado por el pianista Enrique Simón, Antonio Peñalver al contrabajo, y Quique Ramírez en la batería, abrió la serie de conciertos. Valverde escogió un repertorio con temas de su álbum Looking Forward (Ammus Records, 2012), así como otras piezas de diferentes compositores, y nuevas composiciones propias.

El cuarteto comenzó la sesión con “Three Years Ago”, una pieza a ritmo de slow swing, desenvuelta con improvisaciones de piano, saxo tenor y contrabajo, sobre las diversas modulaciones que contiene la partitura. Uno de los temas más dinámicos fue “The Last Call”, tema original de Valverde, iniciado con una enérgica y larga introducción de la sección rítmica, para dejar paso a la exposición melódica con el saxo tenor, y la posterior improvisación a un tempo rápido, apoyado por el resto de compañeros. Simón, participó aquí con un elocuente solo de piano, ágil y bien articulado. El baterista Ramírez, tuvo también su parte protagonista durante el dilatado final de la pieza. Otro de los temas más destacados fue “Song For Mauricio”, un sugestivo medio latin, dedicado a un amigo, en el que Valverde y Simón realizaron, respectivamente, brillantes y enérgicos solos. La introducción del pianista condujo a una singular atmósfera con “Benito`s Five”, una partitura a un tempo de 5/4, que mostró el gran lenguaje musical con el que se expresa Valverde. El contrabajista Peñalver, realizó la primera incursión en la rueda de solos, elegante y preciso en sus fraseos. El tema alcanzó su máxima intensidad en un final compartido con el baterista Rámirez, arropado por un background del saxo y el piano.

En el ecuador del concierto, el líder presentó otra nueva composición llamada “You Came At Midnight”, una preciosa balada dedicada a su hija, emocionante y delicada partitura adornada por sutiles arreglos de piano, y desarrollada con improvisaciones de saxo tenor y contrabajo. “A Hundred Miles”, composición del pianista (Lucentum, Youkali Music, 2020) fue otro de los temas incluidos. Una pieza vigorosa, con matices flamencos, en la que lucieron los solos de Simón y Valverde, sobre la contundente base rítmica. En “Lupo’s House”, alternaron los ritmos de bossa y el swing, dando forma a una pieza muy dinámica. Tras la vitalista introducción, compartieron improvisaciones de saxofón y contrabajo, y un final del tema, mano a mano, entre los dos principales solistas, Valverde y Simón, sobre la estructura armónica. Basada en una transcripción de Valverde del standard “My Shining Hour”, de Harold Arlen / Johnny Mercer, y tocado a un tempo alto, dieron rienda a sendas improvisaciones de saxofón y piano, además del baterista, que realizó un solo escueto e incisivo. El grupo despidió su concierto con un bis, “One For Amos”, incluido en su primer disco Looking Forward, otro tema rápido que dejó encantados a los asistentes.

La música del saxofonista Patxi Valverde sigue evolucionando con el tiempo, dejándonos sobre el papel sus nuevas creaciones, que formarán parte de un próximo álbum, muy esperado por sus seguidores.

Texto: © José Antonio García López, 2021

Fotografías: © Rafa Márquez – Murcia Jazz Festival, 2021

Raynald Colom Quartet - (II Murcia Jazz Festival)

Raynald Colom Quartet 

(Murcia Jazz Festival 2021)

Fecha: 5 de marzo de 2021

Lugar: TCM – Teatro Circo de Murcia

Grupo:

Raynald Colom Quartet

Raynald Colom: trompeta

Tony Tixier: piano y teclados

Joe Sanders: contrabajo

Francesco Ciniglio: batería

Tras la inevitable cancelación de la primera edición del festival, debido a la pandemia mundial que se inició en marzo de 2020, este año ha vuelto Murcia Jazz Festival con renovadas expectativas y una programación variada, en cuanto a estilos jazzísticos y actividades. La apertura del festival corrió a cargo del trompetista francés, afincado en Barcelona, Raynald Colom, acompañado por el pianista Tony Tixier, Joe Sanders al contrabajo, y Francesco Ciniglio en la batería. El trompetista, está recorriendo varias ciudades europeas para presentar su nuevo disco que saldrá a la luz en abril de este año, con el nombre de A Million Dreams, su sexto álbum como líder.

Colom interpretó varios temas de su próximo disco y de anteriores trabajos discográficos. Ante un aforo casi completo, por las limitaciones que exigen los espectáculos en estos días, el grupo, salió a escena para tocar el primer tema titulado “When Logan Meets Miro”, una pieza extensa, elocuente y llena de ensueño, de las que calan hondo en el oyente. “Sketches Set Seven – Segment One Revisited” de Edward Bland, incluido en el álbum de Colom, The Barcelona Session (Fresh Sound New Talent, 2019) fue el siguiente tema, sutilmente enlazado con el anterior. Una pieza muy dinámica, intensa y vigorosa, en la que Colom y Tixier compartieron protagonismo en las improvisaciones, arropados por el meticuloso contrabajo de Sanders y la sensacional contundencia de la batería de Ciniglio. La introducción del trompetista, en solitario, dio paso a la melodía de la sugestiva y nostálgica balada “You’re My Everything” (Harry Warren / Mort Dixon / Joe Young) a la que se fue sumando el resto del cuarteto, para establecer un clima sosegado que cambió, por el momento, el animado inicio del concierto. La sesión continuó con el standard “Evidence” de Thelonious Monk, y la intervención de Ciniglio, al principio del tema, que lució un expresivo solo de batería. Colom y Tixier improvisaron sobre velocidades de vértigo, creando momentos de gran intensidad. El líder anunció la siguiente pieza llamada “La Muse Ménagère Op.245”- My Own” de Darius Milhaud, The Barcelona Session, que inició Sanders con el contrabajo. La cita fue llegando a su final con “Powder Keg” de Wayne Shorter, una enérgica partitura estilo bebop que desarrollaron con extensos solos de trompeta y teclados. El grupo despidió su concierto con un blues “Misterioso” de Thelonious Monk, entre grandes aplausos y vítores del público.

Buen comienzo del festival para los aficionados al jazz, deseosos de volver a escuchar la música de este género en directo.

Texto: © José Antonio García López, 2021

Fotografías: © Rafa Márquez – Murcia Jazz Festival, 2021

Vince Benedetti Quartet (Jazzazza Jazz Club)

Vince Benedetti Quartet

(Jazzazza Jazz Club – Murcia)

Fecha: 11 de enero de 2020

Lugar: Jazzazza Jazz Club – Murcia

Grupo:

Vince Benedetti Quartet

Vince Benedetti: piano

Antonio González: saxo alto

Miquel Álvarez: contrabajo

Vicente Espí: batería

El compositor y pianista estadounidense Vince Benedetti, de gira por varias capitales de nuestro país, paseó su sabiduría jazzística por el escenario de Jazzazza Jazz Club, acompañado por el saxofonista Antonio González, Miquel Álvarez al contrabajo y Vicente Espí en la batería. Benedetti, es un reconocido músico omnipresente en la escena mundial del jazz, en la que ha compartido su música con figuras muy relevantes del género: Hank Mobley, Archie Shepp, Dizzy Gillespie, Chet Baker, Stan Getz, Dexter Gordon, Barney Kessell, Johnny Griffin, Pepper Adams, Eddie Lockjaw Davis, Diana Krall, Miriam Klein y Slide Hampton, por nombrar solo algunas. Su dilatada labor discográfica abarca multitud de colaboraciones desde la década de los 60’, contando además con varios álbumes como líder: Vince Benedetti Trio (JHM Rcd, 2003), Granada Calling (TCB, 2009), The Music Of Vince Benedetti (TCB, 2011) y Jazzin’ Singers & Vince Benedetti Trio –  Tribute To Jazz Vocal (Sedajazz Records, 2019) son sus últimos trabajos. En su profesión como docente ha dirigido e impartido clases en varias instituciones musicales europeas de gran renombre.

Buena parte del concierto estuvo enmarcado por el estilo hardbop, aparecido a mediados de los años 50’, que posteriormente supuso una fuerte influencia en la música del pianista, además de otras tendencias musicales. El standard de bebop “Hot House” de Tadd Dameron, basado en la armonía de “What Is This Thing Called Love?” de Cole Porter, fue el primer tema de la sesión, en el que Benedetti y González desgranaron sus primeras improvisaciones como solistas principales. Tras una breve introducción del pianista, González expuso la melodía de “Repetition” de Charlie Parker, a ritmo de bossa, para continuar con un solo de saxo alto, atrevido y ágil, a lo “parkiano”, bien abrigado por la sección rítmica. El tema “Along Came Betty” de Benny Golson, a medio swing, sonó elegante en conjunto, destacando una elocuente improvisación de Benedetti, inmerso en el teclado del piano. El líder anunció después la pieza de bossa “Gentle Rain” del brasileño Louis Bonfá, desarrollada con delicados solos de piano, saxofón, y una esmerada improvisación del contrabajista Miquel Álvarez, cantando los fraseos del contrabajo,  muy aplaudido por los presentes en la sala. La interpretación de la preciosa balada “I Can’t Get Startet” del compositor Vernon Duke creó un ambiente intimo y conmovedor, en el que González desplegó fraseos líricos y bien construidos, acompasado por la maestría de Benedetti y la sutileza rítmica de sus compañeros Álvarez y Espí. Para concluir el primer set del concierto tocaron el tema bebop “Perhaps” de Charlie Parker, una pieza genialmente improvisada por González, con ajustadas intervenciones de todos los componentes del cuarteto.

La segunda parte comenzó con un tema lento original de Benedetti llamado “Blues For Basie”, en el que volvió a destacar la envolvente labor del pianista, y el solo del contrabajista Álvarez, con un fraseo preciso y flexible, cantando a la vez las notas de su instrumento. El standard “If I Had You” (Jimmy Campbell / Reg Connelly / Ted Shapiro) fue un delicado tema para lucimiento del pianista y el saxofonista. Para continuar deleitaron al público con “Retrato Em Branco E Preto” de Tom Jobim, a ritmo de bossa, una partitura protagonizada con relajadas improvisaciones de saxo, piano y contrabajo. El pianista anunció otro tema original llamado “My Gospel” de su disco Granada Calling (TCB, 2009) resuelto con elegantes solos de saxo y piano. La sesión finalizó con un tema del cantante estadounidense Jon Hendricks y un bis, “Star Eyes” (Gene de Paul / Don Raye) a petición del público.

La solidez y la buena interacción del grupo guiaron todo el concierto, dando como resultado una música bien elaborada y dinámicamente fluida, hecha con una naturalidad magistral, cercana al respetuoso aforo.

Texto: © José Antonio García López, 2020

Fotografías: © Rafa Márquez, 2020

Kenny Garrett Quintet – Ciclo Jazz & Black 2016

Kenny Garrett Quintet – Ciclo Jazz & Black 2016

(TCM Murcia – Teatro Circo de Murcia)

Fecha: jueves, 7 de abril de 2016

Lugar: TCM Teatro Circo de Murcia

Kenny Garrett Quintet

Componentes:

Kenny Garrett:saxo alto y soprano.                                                                              Vernell Brown: piano.

Corcoran Holt: contrabajo.

Marcus Baylor: batería.

Rudy Bird: percusión.

Comentario:

 
El último concierto del Ciclo Jazz & Black de este año 2016, estuvo protagonizado por el grupo Kenny Garrett Quintet, que se encuentra de gira por nuestro país presentando su obra discográfica titulada Pushing The World  Away (Mack Avenue, 2013), una muestra musical intensa y apasionada del mejor jazz contemporáneo que nos llega desde el otro lado del Atlántico.

El quinteto del saxofonista de Detroit abordó varias de las composiciones que aparecen en su última entrega, y en discos anteriores, iniciando la sesión con “Boogety Boogety”, una pieza extensa en la que destacaron las largas improvisaciones de los principales solistas: Garrett y Brown. El impresionante lenguaje lírico del saxofonista no deja lugar a dudas sobre las capacidades de este gran compositor, portador, además, de un sonido único que le ha hecho diferenciarse de otros músicos de su generación. Tras el enérgico arranque del primer tema, continuaron con una pieza más relajada “Spanish-Go-Round”, en la que Brown y Garrett jugaron respectivamente con sugerentes solos, llegando a desdoblar el tiempo continuo de la sección rítmica hasta convertirlo en una balada, en la que el saxofonista introdujo, para finalizar, toda la melodía de “Body & Soul”, un guiño a uno de los estándares más conocidos del cancionero estadounidense. La suave exposición a tiempo de vals de “Haynes Here” fue creciendo en intensidad, conforme al desarrollo de la partitura, debido a las depuradas intervenciones del saxofonista, expresivo y contundente en muchas de sus improvisaciones. Holt, lució aquí un solo de contrabajo reposado que cambió por momentos la dinámica del tema. Los ritmos caribeños estuvieron también presentes en el repertorio elegido por Garrett, con un pequeño homenaje al gran pianista cubano Chucho Valdés en la pieza titulada “Chucho's Mambo”. La ejecución del percusionista Rudy Bird tuvo un papel destacado.

Garrett cambió su saxofón alto por el soprano en “Seeds From The Underground”, creando un ambiente mágico sobre el poderoso acompañamiento de la sección rítmica, enfatizada por la batería de Marcus Baylor, que realizó una labor impecable durante todo el concierto. La sesión finalizó con “Happy People”, una divertida pieza a ritmo de funky, en la que el saxofonista buscó la complicidad del público invitándole a acompañarle con coros y palmas, dejando una alegre sensación final entre los asistentes. Sólo seis temas fueron suficientes para completar un concierto extraordinario, un recorrido por varios estilos englobados en una música original con el sello propio de un excelente artista.

Texto: © José Antonio García, 2016

Fotografías: © Rafa Márquez, 2016

Vargas Blues Band – Ciclo Jazz & Black 2016

Vargas Blues Band – Ciclo Jazz & Black 2016

TCM Murcia (Teatro Circo de Murcia)

Fecha: 17 de marzo de 2016

Lugar: Teatro Circo de Murcia – Murcia

Componentes

Vargas Blues Band

Javier Vargas: guitarra eléctrica.

Luis Mayol: voz y bajo eléctrico.

Peter Kunst: voz y batería.

Comentario:

El tercer concierto del Ciclo Jazz & Black, nos reservaba una sesión a cargo de la banda llamada Vargas Blues Band, comandada por el guitarrista madrileño Javier Vargas (1958). Más de una veintena de trabajos discográficos avalan la gran trayectoria musical del guitarrista. Su reciente disco Hard Times Blues (Santo Grial, 2016), es una suma de ritmos latinos combinados con el blues y el rock, desde una perspectiva particular a la que se suma la presencia del sonido poderoso de la guitarra de Vargas.

El grupo ofreció una primera parte del concierto en la que mostraron algunas canciones integradas en su último disco, basadas en los ritmos latinos, y una segunda parte, más de los estilos rock y blues, en la que incluyeron algunos temas de discos anteriores. El sonido, aparte de la calidad musical de los artistas cuenta, en todos los casos, en el resultado final de un buen directo, y es la diferencia entre una sesión óptima o no. En este caso, y a pesar de que la banda contaba con su propio técnico de mesa, el sonido del grupo no estuvo a la altura y desvirtuó mucho el gran concierto que pudo haber sido, pero que no lo fue a efectos técnicos. Un inicio con excesivo volumen para tapar, en lo posible, el déficit de los arreglos musicales, nada que ver con los que encontramos en el disco, y la mala compensación sonora de los instrumentos fue la tónica general. Para algunos espectadores, entre los que me incluyo, resultó ser una situación casi inaguantable, por no decir lamentable. La muestra musical y el mal sonido no ayudaron mucho para crearme una buena opinión. ¿Estoy ante un concierto de músicos curtidos en la materia y con una gran calidad artística, o ante una verbena de música latina y rockera con músicos inexpertos? Cierto es que se trata de artistas experimentados, no cabe duda, pero con eso no basta si no se cuida el factor sonoro, esencial en un directo.

La banda dio comienzo a la sesión con una introducción instrumental que enlazaron con el tema llamado “King Of The Latin Blues” y una segunda pieza, también instrumental, llamada “Buenos Aires Blues”, dedicada a la ciudad argentina en la que Javier Vargas vivió durante su niñez. La voz del bajista Luis Mayol sonó en la canción que lleva el titulo de “Sácalo”, con la que buscó la complicidad del respetable aforo. La preciosa balada “Spanish Fly”, y “Vivir al alba”, mostraron las influencias que posee Javier Vargas del gran guitarrista Carlos Santana, presentes en muchas de sus composiciones. Vargas presentó “Road To Freedom”, una composición inspirada en las recientes emigraciones en las que mueren personas que buscan un modo mejor de vivir, huyendo de las miserias de la guerra y del hambre en sus países. Uno de los temas, “Parisienne Walkways” estuvo dedicado también a los grandes guitarristas desaparecidos como Gary Moore y Paco de Lucia, entre otros. El blues y el rock fueron tomando más protagonismo con varios títulos, entre ellos “I Want You To Love Me”, en el que lució la batería del holandés Peter Kunst, que realizó, además, un extraordinario trabajo durante toda la sesión. El grupo cerró su concierto con “Welcome To The World”, tema que encabeza su reciente álbum. Buena suerte en su gira.

Texto: © José Antonio García, 2016
Fotografías: © Rafa Márquez, 2016

Bettye LaVette – Ciclo Jazz & Black 2016

Bettye LaVette – Ciclo Jazz & Black 2016

(TCM Murcia – Teatro Circo de Murcia)

Fecha: viernes, 11 de marzo de 2016

Lugar: TCM Teatro Circo de Murcia

Bettye LaVette

Componentes:

Bettye LaVette: voz.

Alan Hill: teclados y dirección musical.

Bret Lucas: guitarra.

Charles Bartels: bajo eléctrico.

Darryl Pierce: batería.

Comentario:

La cantante y compositora Bettye LaVette (Michigan, 1946), conquistó con su música y su presencia a los numerosos asistentes que acudieron al Teatro Circo de Murcia, en el segundo concierto programado dentro del Ciclo Jazz & Black que se celebra por tercer año consecutivo. La trayectoria de la veterana vocalista es imparable en los últimos años, muestra de ello es la extensa discografía que atesora y con la que se hace eco de un variado eclecticismo estilístico, moviéndose entre el soul,  funk, rock, gospel y el country. LaVette llegó, en esta ocasión, con su último disco llamado Worthy (2015), y ofreció también un repertorio de sus canciones contenidas en discos anteriores: I've Got My Own Hell Raise (2005), The Scene Of The Crime (2007) y The British Rock Songbook (2010), grabados con el sello discográfico ANTI-.

Es impresionante la labor de LaVette sobre el escenario, su voz, sus movimientos acompasados y la complicidad con el público no deja lugar a dudas de que estamos ante una gran cantante, una artista elegante en sus maneras, visceral y pasional en sus interpretaciones. Acompañada por un cuarteto de músicos de primer orden, comenzaron el concierto con “Unbelievable” de Bob Dyland, uno de los temas incluidos en su último disco, para seguir con “Take Me Like I Am”, “Choices” (Billy Yates, Mike Curtis),  “They Call It Love” y “Little Sparrow” de Dolly Parton. El sonido de la guitarra distorsionada de Bret Lucas dio entrada a “Joy” (Lucinda Williams), otro tema perteneciente a su reciente álbum. La preciosa balada “No Time To Live”, dejó escuchar de nuevo la voz entrañable de la líder, suave, delicada, y a veces desgarradora. Otros temas como: “Down To Zero” (Joan Armatrading), “You Don't Know Me At All” (Don Henley, John Corey, Stan Lynch), “Let Me Down Easy”, “Right In The Middle” y “Wait” de John Lennon, fueron sumándose a la selección de canciones elegidas para el concierto.

La decisión de LaVette para incluir en la formación al teclista Alan Hill es un gran acierto. Él es el director musical del grupo y soporta casi toda la parte de los arreglos musicales, junto al guitarrista Bret Lucas. Las presencias de Charles Bartels en el bajo, y de Darryl Pierce en la batería, aportan una excelente solidez rítmica a la banda. La sesión continuó con otra canción llamada “Step Away” (Christine Santelli, Brian Mitchell), y una emocionante y particular versión de “Love Reign O'er Me” del conocido grupo británico The Who. La cantante reguló sus energías para ofrecernos un final de concierto sobresaliente con canciones como: “As Close As I'll Get To Heaven”, “Worthy” que da titulo a su álbum, y “I've Got My Own Hell To Raise”, una contundente partitura de despedida. La música de LaVette recoge varios estilos en un estilo propio, apasionado y muy expresivo, que puede hacerle una artista incalificable, pero es precisamente ese principio el que le hace tener un sello especial y ser una gran vocalista, compositora e interprete, reconocida como una de las cantantes más destacadas de su generación.

Texto: © José Antonio García, 2016
Fotografías: © Rafa Márquez, 2016

Motis + Chamorro - Ciclo Jazz & Black 2016

Motis + Chamorro - Ciclo Jazz & Black 2016

TCM Murcia (Teatro Circo de Murcia)

Fecha: Viernes, 26 de febrero de 2016

Lugar: TCM (Teatro Circo de Murcia)

Andrea Motis + Joan Chamorro

Componentes:

Andrea Motis: voz y trompeta.

Josep Traver: guitarra.

Ignasi Terraza: piano y Hammond.

Joan Chamorro: contrabajo.

Esteve Pi: batería.

Comentario:

La tercera edición del Ciclo Jazz & Black comenzó con un buen aforo y una de las formaciones que más proyección y atractivo tiene actualmente en el panorama jazzístico nacional. Los líderes del proyecto -la joven Andrea Motis y el contrabajista Joan Chamorro-, se hacen acompañar de otros tres excelentes músicos -el guitarrista Josep Traver, el pianista Ignasi Terraza y el baterista Esteve Pi-, para crear un quinteto compacto y bien conjuntado. Sorprende, en cierto modo, escuchar las capacidades de Motis, ya que además de cantar con esa voz tan encantadora y casi aniñada con la que se expresa, posee una gran experiencia con la trompeta, el saxo alto y otros instrumentos, a pesar de su corta edad. El grupo realizó algunas piezas standards y otras de reciente creación aún no editadas.

Un tema standard cantado, “He's Funny That Way”, fue el escogido para iniciar la sesión. Buen comienzo, de lo que seria un concierto delicioso e intimista, en el que pudimos escuchar la voz de la cantante y sus primeras notas a la trompeta, la virtuosidad del maestro Terraza y la exquisita guitarra de Traver. Continuaron con “An Emotional Dance”, pieza original aún inédita de Ignasi Terraza, una hermosa composición cantada a tiempo de bossa, que irá incluida en el próximo disco de Motis con el sello Impulse!. Piano, contrabajo y trompeta compartieron las improvisaciones en el desarrollo del tema. Especial, la interpretación de “I Remenber You”, en el que lució la guitarra de Traver. La elegante balada “If You Give Them More”, compuesta por la vocalista, es una muestra de sus buenas dotes creativas, una cualidad más para añadir a su buen saber hacer. En el standard, “You'd Be So Nice To Come Home To” de Cole Porter, destacaron los solos de trompeta, guitarra y contrabajo. La vocalista deleitó también a los presentes con dos temas sacados del cancionero brasileño cantados en portugués: “Carinhoso” de Pinxinguinha / João de Barro, acompañada en solitario por la guitarra de Traver, y “Chega de Saudade” de Tom Jobim. El repertorio incluía una composición llamada “Matilda”, obra del gran saxofonista Perico Sambeat, cantada espléndidamente por Motis, que finalizó con unos intensos arreglos del pianista Terraza. La versión del exótico tema “Señor Blues” de Horace Silver, nos guió por los ritmos africanos y paisajes oníricos de la madre tierra. La vocalista leyó, antes de cantarla, una pieza que lleva el nombre de “La gavina”, letra de Frederic Sirés, arropada por las sutiles notas del pianista y con los posteriores arreglos musicales del grupo. El concierto nos dejó otro tema original de la trompetista y la preciosa balada cantada “Baby Girl”, compuesta por el letrista y cantante Eddie Jefferson sobre un solo de Lester Young en el tema “These Foolish Things”. Con la particular y vibrante versión de “Never Will I Marry”, en el que destacó el solo de batería de Esteve Pi, y tres bises a petición del aforo, una pieza instrumental, el tema cantado “On A Sentimental Side” y el bolero “Besame mucho”, cerraron un concierto brillante de los que se recuerda en el tiempo. Un trabajo de gran calidad guiado por una artista con un gran futuro en el mundo del jazz y en el que destaca la excelente y magistral labor del pianista Ignasi Terraza,  vital en el quinteto, su aportación al sonido del grupo es esencial. Tuvimos la ocasión de disfrutar con el maestro pianista en una master class que tuvo lugar al día siguiente. Una persona entrañable de la que puedes aprender mucho y bien… pero bueno, eso ya es parte de otra crónica que vendrá a continuación.

Salud y jazz.

Texto: © José Antonio García, 2016
Fotografías: © Rafa Márquez, 2016

Andrea Motis + Joan Chamorro (Ciclo Jazz & Black 2016. TCM Murcia, 2016-02-26) - Tomajazz

CHINA MOSES & RAPHAËL LEMONNIER

CHINA MOSES & RAPHAËL LEMONNIER

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

Fecha: 26 de julio de 2013.
Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
Componentes:
China Moses: voz.
Raphaël Lemonnier: piano.
Luigi Grasso: saxo alto.
Fabien Marcoz: contrabajo.
Jean Pierre Derouard: batería.

Comentario:

“De tal palo tal astilla”, dice el refrán, y nunca mejor aplicado si tenemos en cuenta los orígenes familiares de la cantante estadounidense China Moses. Hija de la famosa cantante de jazz Dee Dee Bridgewater, la artista ha heredado de su madre la belleza, la elegante presencia en el escenario y un extraordinario registro vocal en el que caben también las influencias de otras grandes figuras femeninas del jazz cantado, Dinah Washington, Etta James y Billie Holiday, entre otras. Moses compartió liderazgo con el pianista  francés Raphaël Lemonnier, acompañados por excelentes músicos como el saxofonista Luigi Grasso, Fabien Marcoz, en el contrabajo, y el baterista  Jean Pierre Derouard, completando un quinteto compacto con el que demostraron complicidad, interacción y un exquisito buen hacer musical.

A pesar de su, por ahora, escasa discografía, solo cinco álbumes editados desde 1997, la cantante ya goza de un espléndido reconocimiento en Francia, su país de residencia, y en las esferas del jazz internacional. This One’s for Dinah (Blue Note, 2009) y Crazy Blues (Universal Music France, 2012) son sus dos últimos trabajos discográficos con los que conformó buena parte del repertorio. Compositora y productora, la vocalista se introduce en el jazz a través de estilos como el hip-hop, el soul, pop-soul, y sobre todo del blues, como tema central y esencial. Si examinamos sus discos podemos ver que la labor compositiva de la cantante supera en existencia al numero de piezas standards interpretadas, son más bien creaciones propias elaboradas con colaboradores de gran reputación artística.

Moses representa en el escenario una actitud elegante, vital y simpática, que engancha desde el primer momento al espectador. “Resolution Blues” y “Why Don’t You Do Right”, ambos temas incluidos en su último álbum, fueron el punto de partida de una magistral sesión que mantuvo embelesado al respetable aforo durante casi dos horas. En homenaje a una de sus máximas influencias, Dinah Washington, la cantante le dedicó un blues lento y emotivo llamado “Dinah’s Blues”, mostrándonos un hábil control de su registro vocal y un gran ímpetu expresivo.

Otro de los componentes del grupo que más lució por sus intervenciones fue el saxofonista Luigi Grasso, poseedor de una envidiable técnica que demostró con audacia en los solos de improvisación ejecutados en “Cherry Wine”, seguido del solo del contrabajista Fabien Marcoz, preciso y escueto en su diálogo, sin demasiados adornos. La voz de Moses llenó de quietud el ambiente del auditorio con la balada “You’re Crying”, arropada por los sutiles arreglos y contrapuntos de piano y saxo alto. Grasso compartió, de nuevo, protagonismo con la vocalista en “Crazy Blues”, tema central que da nombre al reciente álbum editado, aderezando con su instrumento el espacio de improvisación que le correspondía en esta pieza. Temas como el conocido “Work Song”, introducido con un largo solo del baterista Jean Pierre Derouard, el enérgico “Hot Stuff” y “Love Me Or Leave Me”, de Gus Kahn / Walter Donaldson, fueron cerrando la actuación que despidieron generosamente con dos piezas más, a modo de bis, “Move Over” y una colosal “Rescue Me”, versión particular reflejada en la poderosa voz de Moses.

Lo tradicional y lo moderno de la música de jazz se unen con gracia y talento en la figura de esta estupenda vocalista, a la que podemos augurarle un prospero porvenir artístico, conforme a la experiencia que ya sustenta.

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013

China Moses & Raphaël Lemonnier (Tomajazz)

VÍCTOR ANEIROS BAND CON JULIE GURAVICH

VÍCTOR ANEIROS BAND CON JULIE GURAVICH

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

Fecha: 26 de julio de 2013.
Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
Componentes:
Víctor Aneiros: guitarra y voz.
Julie Guravich: voz.
Manuel Gutiérrez: piano.
Fran Rey: teclados.
Víctor Gacio: bajo eléctrico.
Marcos Sánchez: batería.
Invitados:
Mingo Balaguer: armónica y voz.
Patxi Valverde: saxo tenor.

Comentario:

La banda gallega liderada por el guitarrista Víctor Aneiros, visitó San Javier en la penúltima jornada de su festival de jazz, integrada por reconocidos músicos de la escena musical en España, entre ellos dos invitados de lujo: el veterano armonicista Mingo Balaguer, y el compositor y saxofonista Patxi Valverde. Las primeras palabras de la organización y de los músicos fueron en recuerdo a las víctimas del trágico accidente ferroviario ocurrido días antes en Galicia, y en apoyo a sus familias.

La discografía de Aneiros comprende varios álbumes editados desde 1999. Siete trabajos en los que nos muestra su personal inclinación hacia el blues, el soul y el rock, como vitales fundamentos de sus obras musicales. Brétemas Da Memoria (2010) Víctor Aneiros Ao Vivo (2011) y Back From The Blues (Gaztelupeko Hotsak, 2012) junto a la cantante canadiense Julie Guravich, son los tres últimos trabajos discográficos del guitarrista.

Aneiros arrancó su concierto en formación de cuarteto con dos temas: “Home Solitario” (O Blues Do Amanecer, 2004) y “O Ceo Está Chorando” (Live In Montreux, 2003) ambos cantados en español. Con “Miña Bala Perdida” (Héroe secreto, 2008) el líder dio entrada al saxofonista Patxi Valverde, uno de los principales solistas del concierto que apoyó con sus arreglos y enérgicas improvisaciones buena porción de la actuación. La presencia de la cantante Julie Guravich absorbió, acto seguido, parte del protagonismo y  la atención en los temas “Start It Up”,  “Back From The Blues”, pieza que da titulo a su reciente disco, y el clásico “Help Me Through The Day”, de Leon Russell, en el que lo más brillante fue la improvisación de Valverde, aportando con sus fraseos una faceta más jazzística al conjunto y a la pieza en cuestión. Otro de los músicos invitados fue el maestro de la armónica  Mingo Balaguer, que deleitó a los asistentes con un elocuente solo en el tema “Damn Right I’ve Got The Blues”, de Buddy Guy, en el que guitarra y armónica compartieron también incisivos diálogos que elevaron la tensión y la dinámica de la composición.

El repertorio, basado en composiciones propias del guitarrista y en algunos temas clásicos del blues, continuó con “Women Across The River”, “Axúdame”, y “I Can’t Stand The Rain”, de Ann Peebles, en los que participaron como solistas el pianista Manuel Gutiérrez, Aneiros, Valverde y Fran Rey, este último con una discreta pero eficiente labor en los teclados. De nuevo en el escenario, Balaguer, hizo resonar su armónica en “Same Old Blues”, recreando el sonido característico de este instrumento en el viejo estilo americano, con acertados fraseos haciendo uso de escalas pentatónicas y de blues.

“Blue Mambo”, “Hey Bartender” y el bis “The Feeling Music Brings”, de Susan Tedeschi, cerraron pues un concierto algo lineal y perezoso en los acompañamientos de la sección rítmica, de escasa calidad sonora, pero honesto y entregado, gracias al líder de la formación y su colíder, y sobre todo a la participación de los dos músicos invitados, principales solistas de la banda, Patxi Valverde y Mingo Balaguer, que elevaron y enriquecieron con su presencia, sonido y buen hacer, muchos de los temas expuestos en el concierto. El blues, una de las raíces que dieron forma al género jazzístico, tuvo también su espacio y protagonismo en esta jornada del festival. Salud y jazz.

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013

Víctor Aneiros Band con Julie Guravich (Tomajazz)

Loop The Curl

Loop The Curl

Fecha: 1 de junio de 2012.

Lugar: Jazzazza, Algezares, Murcia.

Componentes:

Voro García : trompeta y fiscorno.

Albert Sanz : teclados y sintetizador.

Carlos López: batería.

Jazzazza es un club de jazz por el que han frecuentado músicos y grupos musicales de diferentes estilos desde el principio de su existencia como espacio de directos, y es lógico pensar, vista la trayectoria y el contenido de su buena programación en estos últimos años, que cualquier noche deleitara a su público con un proyecto musical tan atractivo y experimental como el que pudimos presenciar el pasado 1 de junio en este local, lugar de referencia en las rutas del jazz del sur de nuestro país. Me refiero al proyecto Loop The Curl, una apuesta musical basada en la introducción de elementos electrónicos en todas las composiciones, tratadas siempre desde la perspectiva musical del jazz y la improvisación. Tal cómo suena puede parecer que en principio no es nada novedoso ya se ha hecho jazz en ese sentido en los 70 y 80 (Herbie Hancock, Michael Brecker, Weather Report) cuando los músicos comenzaron a fusionar la electrónica con lo analógico, pero es precisamente el “cómo suena”, y no definirles en uno u otro estilo, o si es o no una música de vanguardia y contemporánea, que lo es, lo novedoso y más reseñable de esta apuesta. La idea partió hace tan sólo unos meses del encuentro entre dos de los componentes, el baterista gallego Carlos López y el trompetista valenciano Voro García, dos jóvenes promesas de la música de jazz en España, a los que se unió posteriormente el excelente pianista Albert Sanz, para conformar el actual trío, dejando el grupo abierto a otras colaboraciones, algo que enriquece aún más el trabajo y el resultado musical en sus conciertos. Si quisiéramos encontrar algún paralelismo o influencia en este proyecto, habría que tener en cuenta el segundo trabajo discográfico de Carlos López, The Last Minute Experience (K Industria, 2009) un claro acercamiento a la música que ahora nos expone en esta nueva andadura.

La actuación comenzó con dos composiciones de Albert Sanz a las que titularon “Tatuara”, alusión a las primeras notas de la melodía y “Duba”, aunque en este caso parece ser lo de menos, como si algún titulo debieran llevar… Iniciaron el primer tema a golpe de batería con una pequeña introducción de Carlos López que dio paso a la exposición y al primer solo del trompetista Voro García, para lo cual utilizó los efectos del pedal que llevaba consigo. Sanz efectuó aquí también una corta intervención con los teclados, aunque su papel aquí fue más de acompañamiento, llenando todos los espacios sonoros que dejaban sus compañeros. Tras presentar al grupo y decir unas palabras sobre el proyecto, iniciaron el segundo tema, en el que la voz y el teclado de Sanz fueron los protagonistas principales. Para continuar eligieron dos temas que tocaron de forma enlazada. Una composición del saxofonista Perico Sambeat, medio ambiental, abstracta, con intenciones propias del estilo free jazz , y otro tema, con anécdota incluida, de Carlos López llamado “Los inspectores”, basado en un ritmo funk , bien marcado por enérgicos y precisos toques de la batería y los bajos del teclado. La intensidad llegó con el solo de trompeta de Voro García, adornado con el efecto wah-wah de sus pedales. El primer set del concierto terminó con otra composición de Perico Sambeat, una primicia sin nombre con estructura de blues , de nuevo a ritmo funk . El trompetista volvió a lucir con su extraordinaria técnica y sonido, arropado por los acordes y sonidos del teclado y la tangible métrica del baterista.

El segundo pase empezó con una medio balada de tipo drum and bass , de Albert Sanz, y una composición llamada “El asesinato de la calle 28”, de Carlos López, uno de los temas más contundentes del concierto, sobre todo por las intensidades sonoras que forjaron durante el desarrollo del mismo. Acto seguido el grupo inició la fase final del concierto con tres piezas enlazadas en las que dieron muestra de sus grandes habilidades, dejando claro el concepto que les une en este trabajo. En resumen, un concierto ecléctico, profundo y bien arraigado, en el que hubo un poco de todo, momentos emocionales de éxtasis, presencia de pasajes oníricos de gran calidad, y, sobre todo, un sonido de grupo compacto y claramente definido.

Texto: © 2012 José Antonio García López

Fotografías: © 2012 Rafa Márquez

CHANO DOMÍNGUEZ

CHANO DOMÍNGUEZ

Fecha: 3 de noviembre de 2011.
Lugar: Auditorio Municipal de Algezares Miguel Ángel Clares (Murcia).
Componentes:
Chano Domínguez: piano.

Comentario:

Excelente concierto el del pianista gaditano Chano Domínguez en el recientemente inaugurado Auditorio Municipal de Algezares Miguel Ángel Clares, en una de las dos actuaciones programadas en su visita a Murcia. El músico y compositor es un gran conocido por los aficionados al jazz en nuestro país y fuera de este, por su protagonismo en el jazz fusión y sobre todo por haber sabido combinar la arraigada tradición del flamenco con el jazz. Casi una veintena de discos como líder y otros tantos como colaborador avalan la carrera musical de este gran pianista, por lo que sólo reseño aquí sus trabajos más recientes: Quartier Latin (Elukeya Records, 2009), con Paquito de Rivera, editado en DVD y después en CD, y Piano ibérico (Blue Note, 2010), último trabajo en el que introduce algunas piezas de grandes pianistas y compositores españoles ligados al flamenco como Isaac Albéniz,  Manuel De Falla, Enrique Granados y Federico Mompou, tratados bajo el prisma musical del maestro de Cádiz.

La única presencia en el escenario era del gran piano de cola Steinway & Sons, que parecía esperar en silencio majestuoso la salida del músico a escena, deseoso de que le acariciaran sus teclas e hicieran sonar su enorme arpa. El pianista comenzó la audición con un tema de cosecha propia dedicado a su hijo, “Marcel”, un alegre blues de dieciséis compases, que marcó la línea jazzistica prolongada durante casi todo el concierto. Tras unas breves palabras de presentación hacia el aforo del auditorio y el anuncio de sus dos próximas piezas, sonaron las primeras notas del standard “I Mean You”, de Thelonious Monk, tema en el que introdujo complejos y vertiginosos fraseos. En otro standard , la balada “Skylark”, de Johnny Mercer, tuvo lugar una de las ejecuciones pianísticas más emotivas de la noche, en la que creó espacios sonoros con silencios y dejó sonar las notas hasta el final de su reverberación o acústica. Chano, como a él le gusta que le llamen sus amigos, es un músico versátil y ecléctico, sutil y visceral, que conoce muy bien el lenguaje de la improvisación propia del jazz y las formas musicales del flamenco como demostró en las siguientes piezas de su repertorio. “La danza del amor brujo”, de Falla, fue otra de las piezas más intensas del programa,  desarrollada con un continuo pedal en la improvisación y claras influencias rítmicas cubanas. La sesión continuó con una composición romántica de Albéniz, un verdadero disfrute sonoro, dada la buena acústica de la sala. Un giro de tuerca y el repertorio volvió sobre sus pasos más jazzisticos con dos standards , uno de Bill Evans y otro de Michel Petrucciani respectivamente. Rebasado el ecuador del concierto, el pianista anunció y dedicó una composición suya a todas las mujeres presentes en la sala: “Con alma de mujer”, una deliciosa partitura arropada por ritmos maniseros . Los aplausos del público lograron un bis final en el que el artista desbordo técnica y buen hacer a raudales, demostrando una vez más el buen momento musical en el que se encuentra. Suerte y larga vida al maestro.

Texto © 2011 José Antonio García López
Fotos © 2011 Rafa Márquez

RENE MARIE

RENE MARIE

XIV Festival Internacional de Jazz San Javier

Fecha: 15 de julio de 2011.
Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia).
Componentes:
Rene Marie: voz.
Kevin Bales: piano.
Kevin Hamilton: contrabajo.
Quentin Baxter: batería.

Comentario:

No empezó con buen pie, la visita de la cantante Rene Marie a San Javier. La culpa de ello fueron los retrasos de los vuelos, y como consecuencia de ello una prueba de sonido arrebatada, y la espera de media hora más del público en las puertas del Auditorio Parque Almansa. No obstante y a pesar de estos problemas, la afición fue muy benevolente y olvidó pronto, arropando, si cabe, aún más a la vocalista.  A cambio Rene Marie demostró una entrega total en su actuación.

Natural de Virginia, la carrera profesional de Rene Marie comenzó en 1995, cuando ya contaba los cuarenta años, lo que no impidió un rápido y vertiginoso ascenso, así como el reconocimiento por parte de las revistas de jazz norteamericanas más prestigiosas. Su primer disco titulado Renaissance (1997), fue todo un éxito al que precedieron otros álbumes, editados con el sello MaxJazz como How Can I Keep From Singing (2000), Vertigo (2001), un disco confeccionado con standards de jazz llamado Live At Jazz Standard (2003), Serene Renegade (2004), y su último y reciente trabajo Voice Of My Beautiful Country (Motema Music, 2011). Además posee una extensa labor de colaboración con otros músicos y varios temas incluidos en bandas sonoras de películas.

Acompañada por un trío de excelentes músicos, la cantante ofreció a los aficionados y seguidores una actuación deliciosa, cargada de sentimiento, energía, sensualidad y elocuencia. La primera canción “Turn The Page”, la desarrolló solo con su voz y el contrabajo de Kevin Hamilton, que llevó gran parte del peso de la actuación. Tras pedir disculpas por el retraso Marie cantó “White Rabbit”, un tema en el que lo más destacado fue la extensa improvisación del pianista Kevin Bales, y como no, la voz de la líder. El registro vocal de la cantante es amplio y vigoroso, impredecible, manejándose en alturas dispares, desde lo más agudo a lo más grave, con una naturalidad y espontaneidad innata. La tercera canción elegida por la vocalista fue “Angelitos negros”, que cantó en español. Un bolero compuesto por Manuel Álvarez Maciste, basado en la letra del poema original de Andrés Eloy Blanco (Píntame angelitos negros), que alcanzó gran éxito en décadas anteriores en la voz de Antonio Machín. La cantante, después de esta emotiva canción, presentó al grupo y felicitó al equipo de sonido por su labor eficaz, sin adivinar que más tarde sería esto lo que provocó otro lapsus en la ya vapuleada actuación, por motivos ajenos a la propia cantante. La actuación continuó con “Rufast Daliarg” y una balada, “Colorado River Song”, dos canciones en las que la líder entonó sus primeras improvisaciones con la voz o   scat. La suerte no acompañó demasiado a la vocalista y en el tema “O Shenandoah”, un problema con el sonido enmudeció todos los micrófonos e instrumentos, lo que le dejó cantando sola, a capela, durante casi dos minutos que parecieron eternos. Una vez salvado el problema, solo quedaba echarle humor al asunto, restarle importancia y seguir con el concierto. Los últimos temas fueron cantados en el formato de una suite llamada “Voice Of My Beautiful Country”, dividida en tres partes: “America The Beautiful”, “My Country Tis Of Three” y “Lift Every Voice And Sing / Star – Spangled Banner”. Rene Marie hizo todo lo que pudo para enmendar tantas vicisitudes y bien que lo consiguió. Su gran voz y las ganas de complacer al casi exasperado aforo dieron buen resultado y el generoso público, allí presente, le dedicó una merecida gran ovación, insistiendo en un bis, que la cantante regaló en forma de un blues.

En resumen un concierto poco lucido, por algunos tropiezos técnicos, pero en el que si pudimos apreciar la gran calidad musical que atesora esta entregada y fenomenal vocalista, una grande entre las grandes.

Texto © 2011 José Antonio García López
Fotografías © 2011 Rafa Márquez