Chano Domínguez – Hadar Noiberg (Jazzazza Jazz Club)

Chano Domínguez – Hadar Noiberg (Jazzazza Jazz Club)

Chano Dominguéz - Hadar Noiberg (Jazzazza Jazz Club)

Félix Rossy Quintet Feat. Ben Solomon (Jazzazza Jazz Club)

Félix Rossy Quintet Feat. Ben Solomon

• Lugar: Jazzazza Jazz Club – Algezares, Murcia
• Fecha: 16/09/2022
• Grupo:
  Félix Rossy Quintet Feat. Ben Solomon
  Félix Rossy: trompeta
  Ben Solomon: saxo tenor
  Tomeu Garcias: trombón
  Toni Saigi: piano
  Ben Tiberio: contrabajo
  Andreu Pitarch: batería

El club Jazzazza reinició su temporada de conciertos, tras el periodo estival, con una de las formaciones más vanguardistas presentes en nuestro panorama jazzístico, en la primera parada de la gira del sexteto por varias ciudades de nuestro país. El quinteto liderado por el trompetista catalán Félix Rossy, estuvo acompañado por un invitado de lujo, el saxofonista norteamericano Ben Solomon. Rossy, presentó su reciente último disco Elena mágica (UnderPool, 2022), en el que colaboran varios músicos del grupo.

El sexteto comenzó su concierto con “Gurú”, una composición de Rossy dedicada al pianista Jaume LLopart. El tema a ritmo de swing, iniciado con la exposición de los vientos, fue dejando espacio para las primeras improvisaciones de trombón, trompeta y saxo tenor. Continuaron con “Scene Change” del saxofonista Solomon, una partitura muy dinámica, introducida por la sección rítmica en los primeros compases, y adornada con los acertados arreglos de piano y los vientos durante su desarrollo. Los solos de saxo tenor, trompeta y piano fueron enriqueciendo el tema, en el que destacó también la flexible y contundente batería de Pitarch, apoyado por el contrabajo de Tiberio.

Rossy anunció la siguiente composición “Elena mágica”, que da título a su álbum. La pieza lenta, protagonizada por el trompetista, dio un breve respiro a la dinámica del concierto para volver con el intenso tema “Confluencias”, del saxofonista Enrique Oliver, que aparece también en el disco. La introducción, marcada por el baterista Pitarch, dio paso a todo un despliegue de generosas y elocuentes improvisaciones de trombón, saxo tenor, trompeta y piano.

La alternancia de temas rápidos y lentos fue la tónica general del concierto. Garcias introdujo la primera parte de la melodía del standard “In A Sentimental Mood” (Duke Ellington / Irving Mills / Manny Kurtz), a la que se fue sumando la trompeta de Rossy. La exquisita balada se desarrolló con solos de trompeta, trombón y piano, creando un ambiente sosegado con un respetuoso silencio del aforo. El primer set del concierto acabó con “Night Dreamer” del genial saxofonista Wayne Shorter, una partitura a tempo de vals tres por cuatro en la que lució el saxofonista Solomon, la trompeta de Rossy, y un corto solo del contrabajo de Tiberio, arropado por la batería de Pitarch.

La segunda parte de la sesión estuvo basada en varios temas standards como “Juju” (Wayne Shorter) para lucimiento de Solomon, con su rico lenguaje de vertiginosos fraseos y recursos. Saigi y Rossy incluyeron también sus respectivos discursos improvisatorios. Continuaron con la famosa “Bye-Ya” (Thelonious Monk), una partitura a medium swing en la que Saigi planteó un enfoque pianístico muy del estilo del compositor de la pieza musical.

La sugestiva balada “Prelude To A Kiss” (Duke Ellington), fue protagonizada al completo por Rossy, arropado por el delicado acompañamiento de la compacta sección rítmica, volviendo a la quietud en el ambiente. El final de la sesión llegó con el blues “Turnaround” del gigante músico multinstrumentista Ornette Coleman, en el que volvieron a lucir las envolventes y mágicas improvisaciónes de Solomon y Rossy.

Un concierto espléndido en su duración, y entregado por parte de los músicos, ofreciéndonos una muestra de gran nivel musical, elaborado con distintas dinámicas a lo largo de la actuación, y arriesgados momentos en las improvisaciones, lo que le da un valor añadido.

 

Tomajazz: Texto © José Antonio García López, 2022
Fotografías: © Rafa Márquez, 2022

Félix Rossy Quintet Feat. Ben Salomon

CMS + Chicuelo Trío (Festival Mares de Papel – 2º Ciclo Rejazz)

CMS + Chicuelo Trío

(Festival Mares de Papel – 2º Ciclo Rejazz)

Lugar: Mazarrón – Mirador de Bahía

Fecha: 5 de agosto de 2022

Grupo:

CMS + Chicuelo Trío

Javier Colina: contrabajo.

Marc Miralta: batería, percusión.

Perico Sambeat: saxos alto y soprano, flauta.

Juan Gómez «Chicuelo»: guitarra española.

Joaquín Gómez «El Duende»: cante.

Jacobo Sánchez: percusión.

El Ciclo Rejazz, integrado en el Festival Mares de Papel de Mazarrón, es una iniciativa de la Concejalía de Cultura y Jazzazza Jazz Club, y este año, en su segunda edición, ha reunido a lo más representativo del jazz flamenco que se hace en nuestro país. Su director artístico y programador, José Joaquín Baeza, ha sabido confeccionar un atractivo y extraordinario cartel, con cinco actuaciones repartidas durante los meses de julio y agosto. Formaciones como Caramelo de Cuba Flamenco Jazz All Star; Carles Benavent Trio + Raynald Colom + Tomasito; Dorantes “El Tiempo por testigo”; Colina / Miralta / Sambeat & Chicuelo Trío; y Chano Domínguez & Antonio Lizana Quartet, han pasado por el festival dejando una profunda huella que será bien recordada por los asistentes.

La noche del 5 de agosto fue el turno de un acertado y excelente encuentro musical. Por un lado el trío de jazz CMS formado por Colina, Miralta y Sambeat, y por otro lado el trío de flamenco compuesto por Chicuelo, el cantaor Joaquín Gómez “El Duende” y Jacobo Sánchez en la percusión. Un sexteto, o dos tríos, según como se mire, reunido bajo un mismo proyecto especialmente diseñado para la ocasión, en el que realizaron una muestra del mejor jazz flamenco, con interpretaciones de algunos temas de los dos principales protagonistas, Sambeat y Chicuelo.

“Tomodachi” del álbum de Chicuelo Diapasión (Flamenco Records – FRCD2, 2007) tocado por fandangos, fue el tema elegido para comenzar la actuación, que iniciaron con una introducción de Sambeat con el saxo soprano, arropado por el resto de la banda, para después desarrollar la pieza. Tras la exposición melódica compartida por Chicuelo y Sambeat, entró la voz de “El Duende”, para dejar paso a las primeras improvisaciones de guitarra y saxofón en este tema.

Continuaron con dos piezas de Sambeat: la alegre y dinámica “Roneando”, en la que el saxofonista desplegó un largo solo lírico y magistral, dejando paso a otra improvisación del contrabajista Colina, elocuente y decisorio en su discurso y manejo del instrumento, además de un ágil solo final de cajón de Sánchez, antes de volver a la exposición de la pieza. Y “Puerta del este”, iniciada con una muestra a modo de introducción del baterista Miralta. De nuevo, Sambeat y Colina tomaron posiciones en las improvisaciones, para acto seguido recrearse en cortas progresiones con solos alternados entre el saxofonista, el baterista y el percusionista.

Uno de los temas más destacados fue “Arrebol”, palabra que describe los rayos del sol reflejados en las nubes del amanecer y del atardecer tornándolas de rojo, o el color rojo en el rostro. La guitarra de Chicuelo en solitario llenó de quietud el espacio sonoro, para acompañar después a la voz de “El Duende”, a la que se fue sumando el saxo soprano de Sambeat, con arreglos que fueron intensificando la partitura. Colina registró aquí otra brillante improvisación, acompañado sutilmente por la batería y la percusión. El extenso tema fue cambiando de dinámica con solos de Sambeat y de Chicuelo hasta llegar a un final tan rumboso y exquisito como arrollador.

Rebasado el ecuador de la sesión, tocaron la preciosa nana llamada “Nido del aire” incluida en el disco de Sambeat, Flamenco Big Band (Verve Records, 2008). La introducción de Sambeat con la flauta dio pie de nuevo al sosiego, abrigando con sus notas el cante profundo y nostálgico de Gómez “El Duende”. Los solos de saxo soprano y contrabajo formaron parte de la mágica pieza.

El concierto iba llegando a su final con tres temas de Chicuelo: “Engaño” de su álbum con Marco Mezquida, Conexión (Taller de Músic, 2017) introducida con un solo de Colina, recorriendo todo el mástil de su contrabajo, antes de iniciar la exposición junto a la flauta y la guitarra. La pieza, lenta al principio, adquirió un cambio de ritmo por rumbas, alegre y contundente, dando camino a un solo de Sambeat y a un final intenso y apoteósico. La bulería “Somorrostro”, una muestra de la poderosa técnica de Chicuelo con su guitarra, y “Sambiana” tocada por colombianas, ambas de su álbum Diapasión. Así despidieron una actuación memorable que dejó encantado al aforo presente, quizás con ganas de más pero seguro que satisfecho por tan buena velada, en un entorno con el mar Mediterráneo de fondo y seis artistas de primer orden sobre el escenario.

Esperemos que el festival Rejazz, tan importante y necesario para la cultura, siga manteniéndose en el tiempo, y vaya afianzando la altura artística que ya tiene y que se merece. La música, como otras artes, indica el baremo cultural de una sociedad moderna y abierta a los cambios que solicitan sus ciudadanos.

Tomajazz: Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías: © Festival Mares de Papel – Ciclo Rejazz, 2022

Tomajazz - CMS + Chicuelo Trío (Festival Mares de Papel – 2º Ciclo Rejazz)

ZAZ: Conciencia y creatividad. La voz que canta a la vida (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

ZAZ: Conciencia y creatividad. La voz que canta a la vida

(XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Lugar: Auditorio Parque Almansa

Fecha: 22 de julio de 2022

Grupo:

ZAZ

Isabelle Geffroy: cantante.

David Hadjaj: teclados.

Guillaume Juhel Guichto: guitarra.

Nenad Gajin: guitarra.

Swaeli Mbappe: contrabajo.

Jonathan Grandcamp: batería.

Mientras que el mundo camina por los senderos ya trazados de los que manejan los hilos de la existencia, provocando destrucción, guerras, hambre y odio, hay voces que emergen desde lo más hondo del corazón humano, para denunciar injusticias sociales, ausencias de derechos y abusos medioambientales, recordándonos la esencia de lo que somos como personas que respetan la libertad y el amor por encima de todo. Una de esas voces es la de la artista francesa Isabelle Geffroy, conocida como Zaz, con una fructífera y larga trayectoria que no ha pasado desapercibida en los medios musicales. Mucho se ha escrito sobre sus comienzos en la música, y todo parece indicar que a la artista no le han regalado nada que no sea a base de esfuerzo y trabajo personal. Nació para llegar a ser lo que es, y hasta ahora creo que el resultado ha merecido la pena, cosechando éxitos y reconocimientos en muchos países. Con seis álbumes ya editados, su último disco Isa, significa un nuevo ciclo, un cambio y un paso adelante, una mirada interior tras una parada necesaria en su vida, después de diez años de intenso recorrido.

No andaba muy convencido de asistir al concierto de Zaz, entre otras cosas por ser un desconocedor de su música, pero llevado por algunos comentarios que me llegaron de las personas que sí conocían sus canciones, y por la gran expectación creada en torno al concierto de la cantante, decidí acudir sin más referencias. Me dejé sorprender como la persona que va a ver y a escuchar una actuación por primera vez, y acerté con mi decisión, porque experimenté una sucesión de buenas emociones a lo largo del concierto, algo que a veces resulta difícil de hallar y sentir.

La aparición de la cantante, desde el pasillo central del auditorio hacia el escenario y entre las gradas, levantó al público asistente, un aforo completo, que le ovacionó con énfasis. Arropada por cinco excelentes músicos, la vocalista eligió dos temas de su reciente álbum Isa (Jazz / Parlophone. 2021): “Les jours heureux” (Barcella) e “Imagine” (Barcella / Laurent Lamarca) para comenzar la actuación. Su encantadora presencia y su manera de estar en el escenario mostraron una cercanía y una conexión con el público como pocas artistas consiguen reflejar, poniendo, según sus palabras, los cinco elementos sobre el escenario: aire, tierra, agua, fuego, y los propios músicos. La actuación continuó con “Si jamais j’oublie” (Assane Attye / Jean-Etienne Maillard) de su álbum en vivo Sur la route (Playon / Warner Music, 2015) y “Qué vendrá” de Davide Esposito (Effet Miroir Warner Music, 2018) tema que la cantante compartió con la audiencia, cantando el estribillo con ella en español. Geffroy habló sobre los tres años que han pasado desde la publicación de su penúltimo disco, años que ha dedicado a su vida personal, que han dado fruto en su último trabajo discográfico y en canciones íntimas como: “Ce que tu es dans ma vie” (Davide Esposito / Jean-Etienne Maillard / Renaud Rebillaud) que alargó con una muestra de su fuerte y melodiosa voz, “De couleurs vives” (Sylvain Duthu / Tibz) y “Et le reste” (Barcella) un mensaje de advertencia sobre el legado que dejaremos para el futuro, cantada en solitario con el acompañamiento del teclista Hadjaj. La mágica actuación continuó con: “Les passants” (Isabelle Geffroy / Tryas) incluida en su primer álbum Zaz (Play On Records, 2010), los temas “Comme ci, comme ça” y “Oublie Loulou” ambos del disco Recto Verso (Musicor, 2013), y “Paris sera toujours Paris” de su álbum Paris (Play On, 2014), cuatro canciones con bases de gipsy jazz y solos del guitarrista Guichto. La arrolladora energía de Zaz contagió a los animados espectadores en un tema tras otro, así hasta veinticinco canciones que les llevó casi dos horas de concierto. La voz de la cantante fue acusando el esfuerzo y el calor que reinó durante la actuación, pero ella continuó animando a sus músicos pidiéndoles más entrega en los momentos intensos.

“Laissez-moi”, “On s’en remet jamais”, “La fée” (Raphaël Haroche), “À perte du rue”, “Tout là-haut”, “Déterre”, “Sérendipia” e incluso la famosa canción de la tuna “Clavelitos”, que su madre, profesora de español, le enseñó de pequeña y le traía buenos recuerdos, formaron parte del extenso repertorio. Además cantó “Si je perds”, “Éblouie par la nuit”, “On ira”, la preciosa balada “Les chant de grives”, una ofrenda al ser humano que avanza a pesar de las vicisitudes que encuentra en su camino, y la conocida “Je veux” (Kerredine Soltani / Tryas) muy esperada por sus seguidores. Agotada por su infatigable entrega y por el tiempo del concierto, en el que no paró de moverse y bailar, excepto en algunos momentos, la cantante se despidió con un tema final a petición del público, la balada “La vie en rose” (Edith Piaf / Louis Guglielmi) homenaje a la cantante Edith Piaf, con la que algún crítico le ha comparado en su momento.

La música de Zaz se desenvuelve entre varios estilos y géneros musicales: jazz, gipsy jazz, R&B, chanson, el pop, rock, y otros, lo que le da un carácter ecléctico y enriquecedor a sus canciones, bien hablen de libertad, de amor, críticas sociales o de todo lo que tenga que ver con sus experiencias de vida. Los artistas creativos deben contribuir con acciones y sugerencias que nos hagan sentirnos vivos. Creo que su éxito artístico radica en su actitud positiva y pasional, en la forma de contemplar lo que le rodea con un cierto margen de relatividad. Como dice en sus canciones, no le gusta la gente que ve todo en la vida en blanco o negro, y eso gusta y mucho.

Tomajazz: Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías: © Pedro Sáez, 2022

Tomajazz - ZAZ: Conciencia y creatividad. La voz que canta a la vida (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Terell Stafford & Bruce Barth Trio (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Terell Stafford & Bruce Barth Trio

(XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Lugar: Auditorio Parque Almansa

Fecha: 20 de julio de 2022

Grupo:

Terell Stafford & Bruce Barth Trio

Terell Stafford: trompeta.

Bruce Barth: piano.

Mark Hodgson: contrabajo.

Stephen Keogh: batería.

Sara Dowling: vocalista.

Aún quedaban conciertos y sorpresas en el XXIV Festival Internacional Jazz San Javier. Uno de ellos estuvo protagonizado por el cuarteto encabezado por el trompetista Terell Stafford y el pianista Bruce Barth, que se encuentra de gira por algunos festivales y salas de música de varias ciudades en nuestro país: San Sebastián, Tarrasa y Huelva, entre otras. Músicos muy considerados en la escena del jazz estadounidense, cada uno de ellos con un extenso recorrido artístico a tener en cuenta, con numerosos trabajos discográficos, bien liderando sus propias formaciones o como acompañantes de reconocidas figuras.

Barth completó su sección rítmica con notables músicos: el contrabajista Mark Hodgson, y el baterista Stephen Keogh, dos extraordinarios apoyos que demostraron su sabiduría jazzística a lo largo de la sesión. El concierto, conformado en dos partes, también contó con la presencia de la cantante Sara Dowling, una invitada de lujo que aportó riqueza y sensibilidad musical a la actuación.

El pianista anunció un primer tema, a cuarteto, de su autoría titulado “Little Ditty” del álbum Live at the Village Vanguard (MAXJAZZ, 2003) de estilo hardbop, fresco y envolvente, en el que destacaron las primeras improvisaciones del trompetista Stafford, seguido del pianista, y del contrabajista Hodgson, para después intercalar solos con el baterista Keogh, sobre progresiones de ocho compases, dándole una gran consistencia y dinámica al tema. Un inicio vigoroso que ya dejaba muy claro el carácter de la sesión.

El blues lento “Lonesome Train”, homenaje al viejo Oeste, rememoró los áridos paisajes del país, adentrándonos en las raíces populares del jazz. Stafford lució con un potente solo en un discurso arrollador plagado de recursos, alcanzando varios clímax musicales a lo largo del desarrollo de la pieza. En el tema bebop “This Is New”, a tempo alto, volvieron a la carga con enérgicas demostraciones de Stafford con una destreza técnica colosal, arropado por los acordes y arreglos de Barth, el dinámico y fluido walking de Hodgson, y el flexible soporte del baterista Keogh, que también tuvo aquí su momento en las improvisaciones. La primera parte acabó con otro animado blues “Blues For J.T.” del álbum de Stafford, Taking Chances: Live at the Dakota (MAXJAZZ, 2007) a ritmo de funk. El contrabajista Hodgson tuvo un papel destacado en los solos.

Barth llamó a entrar al escenario a la cantante Sara Dowling (Omán) reconocida vocalista de jazz con una excelente trayectoria, para lo que fue el segundo set de la actuación, que iniciaron con “Remember” de Irving Berlin, una partitura standard que ha sido interpretada por muchos músicos de jazz, entre ellos la cantante Betty Carter, una de las influencias más enraizadas en Dowling. Tras la exposición cantada del tema entró en juego el scat de la vocalista, para dar paso a otro intenso solo de Stafford, una elegante improvisación de piano y otra parte de contrabajo que alargaron la pieza, alternando fraseos con el scat de Dowling, técnica que utilizó en varias ocasiones.

La canción “Phoenix From The Ashes” a tempo de vals, fue toda una muestra de la versátil voz y expresividad que posee la cantante, capaz de modular su voz a diferentes alturas tonales con una exquisita musicalidad. La hermosa balada “Something To Live For” (Duke Ellington / Billy Strayhorn) fue un guiño a Ella Fitzgerald, otra de las grandes vocalistas que han influido en la carrera de Dowling. Otro de los temas del repertorio fue “U.M.M.G.” (Upper Manhattan Medical Group) de Billy Strayhorn, incluido en el álbum de Stafford This Side Of Strayhorn (MAXJAZZ, 2011) una libre interpretación con la participación del scat de la cantante, en la que también lucieron los solos de piano, trompeta y contrabajo.

“I Gotta Right To Sing The Blues” (Harold Arlet / Ted Koehler) invocó el recuerdo de Billie Holiday, en la voz de Dowling, suave y delicada, y a veces desgarrada en los momentos más intensos. La vocalista mostró su faceta brasileña con el tema “Outuno” de Rosa Passos y Fernando de Oliveira, cantado en portugués. Una exquisita y delicada pieza adornada con los arreglos del pianista y con la improvisación del trompetista. La actuación llegaba casi a su fin con la canción “The Song Is You” (Jerome Kern / Oscar Hammerstein II) tocada a un tempo fast, en la que brillaron los espectaculares solos de trompeta, los ágiles y elocuentes fraseos de piano, y los determinantes juegos del baterista, arropados por las rápidas líneas del contrabajista.

El disfrute del quinteto y del público se prolongó con un bis basado en el adagio (segundo movimiento lento) del “Concierto de Aranjuez” de Joaquín Rodrigo, una singular y emocionante interpretación de regalo para finalizar un espléndido concierto.

Quiero acabar esta crónica mostrando mis condolencias a la familia y amigos de Iñaki Añua, fallecido recientemente, que fue director del Festival de Jazz de Vitoria – Gasteiz durante cuarenta años. Una gran pérdida para el jazz en nuestro país.

Tomajazz: Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías: © Pedro Sáez, 2022

Tomajazz - Terell Stafford & Bruce Barth Trio (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Young Gun Silver Fox y Skol 2022: Encuentro de dos universos paralelos (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Young Gun Silver Fox y Skol 2022: Encuentro de dos universos paralelos

Young Gun Silver Fox y Skol 2022 brillaron con su propia luz en una de las citas más atractivas que se han dado en la presente edición del Festival de Jazz de San Javier.

Los grupos británicos de calidad suelen tener ese algo especial que les diferencia de los demás, bien sea por el cuidadoso esmero que ponen en su sonido, o bien por su manera de ejercer con un exquisito gusto la música que elaboran. En el caso de la banda Young Gun Silver Fox las estadísticas no fallan y se cumple aquello de que «si algo tiene que suceder, sucederá», como fue el encuentro de las dos almas musicalmente gemelas que lideran la banda, unidas para crear una música esencialmente magnífica. Las influencias musicales del grupo, enmarcado en el estilo West Coast Pop y Soft Rock, ya dice mucho sobre ellos: Steely Dan, America, Michael McDonald o Shuggie Otis, son su ejemplo a seguir. Sus cuatro discos editados avalan una trayectoria ascendente en el mundo de la música: West End Coast en 2015, AM Waves en 2018, Canyons en 2020, y su reciente sencillo West Side Jet de 2022.

Midnight In Ritchmon (AM Waves, 2018) fue el tema elegido para abrir la actuación, en formación de cuarteto, que ya dio una buena referencia de lo que sería el excelente sonido que reinó durante todo el concierto. No en vano el grupo llevaba un séptimo componente encargado de la mesa, su propio técnico de sonido Doug Hunt, algo con lo que todos los grupos deberían contar en su formación si se quiere ofrecer un sonido de grupo fiel a su esencia musical. No siempre puede ser así. Continuaron con Kids (Canyons, 2020) y Better (West End Coast, 2015), en las que destacaron la voces del teclista y voz principal Andy Platts y del guitarrista Shawn Lee.

Acto seguido llamaron al escenario a los dos integrantes de la banda que faltaban: el trompetista Tom Walsh y el saxofonista tenor James Gardiner-Bateman, para acompañar con sus precisos riffs en la canción titulada Long Distance Love Affair. Saturday, You Can Feel It, una de las canciones más pegadizas y conocidas del grupo, West Side Jet, Carolina, Baby Girl, y Mojo Rinding dieron continuidad a la actuación, en las que lucieron algunos solos del guitarrista Lee. Las canciones, cortas en su duración, iban completando un repertorio extenso de diecisiete temas que alargaron el concierto, rebasando el límite aconsejado por la organización. El líder Platts, llamó de nuevo a los vientos, que entraban y salían del escenario según las piezas que requerían su labor, para interpretar dos temas: Underdog y Simple Imagination, en el que se sucedieron las improvisaciones de trompeta y saxo tenor. La sección rítmica, compuesta por el bajista Dave Page y el baterista Ade Meehan, desempeñó una labor extraordinaria, inmersos en su papel de apoyo a la banda. Siguieron con dos canciones enlazadas, Leny y Lolita, antes de sumergirse en la balada Long Way Back, cantada por la versátil voz de Platts a dos voces con el guitarrista Lee. La banda finalizó su actuación con Love Guarantee y un bis Kinston Boggie, con la sección de vientos incluida.

Una velada que dejó encantados a los presentes, dejándoles preparados para el segundo de los conciertos incluidos en el programa.

El tributo de Skol 2022.

Skol 2022 es el grupo formado por el pianista Ignasi Terraza, el guitarrista Ulf Wakenius, el violinista Raúl Márquez, el contrabajista Pierre Boussaguet, y Marc Miralta en la batería, consagrados músicos de la escena actual jazzística. El proyecto, producción propia de Jazz San Javier, hace tributo al álbum grabado en directo del pianista Oscar Peterson y el violinista Stéphane Grappelli, titulado Skol (Pablo Records, 1979) en el encuentro que tuvieron los dos músicos junto al guitarrista Joe Pass, el contrabajista Niels-Henning Ørsted Pedersen, y el baterista Mickey Roker, en el Tivoli Concert Hall de Copenhagen.

El concierto de Skol 2022 prometía ser uno de los más brillantes del festival, dada la categoría de los componentes del quinteto, y uno de los más esperados por los aficionados al jazz. El guitarrista sueco Ulf Wakenius, que formó parte del trío de Oscar Peterson durante los quince últimos años, fue el encargado de presentar a la formación del trío que entró primero al escenario, y anunciar el primer tema de la actuación llamado Lines for Oscar, autoría del guitarrista, en el que ejecutó la exposición de la melodía compartida con el pianista, apoyados por el contrabajo. Wakenius, Terraza, y Boussaguet realizaron sus primeras improvisaciones a ritmo de swing.

A continuación tomó la palabra el pianista Terraza, para explicar el porqué de este pequeño homenaje a aquel encuentro, que se transformó en disco, de aquellos grandes músicos de jazz. You Look Good To Me (O. Peterson) un blues de dieciséis compases a ritmo de swing medio, fue la segunda pieza del repertorio. Los solos alternados de Wakenius con su excelente flexibilidad digital, de Terraza con sus retóricos fraseos musicales, y el lirismo intrínseco de Boussaguet, dieron desarrollo a la partitura.

Era el momento de recibir a los otros dos componentes del quinteto, el violinista Márquez y el baterista Miralta, para realizar el siguiente tema llamado Skol Blues (Peterson / Grappelli) que desarrollaron con solos de todos los integrantes, y elevó la intensidad musical en sus juegos alternados de cuatro compases con el sabio manejo del baterista Miralta, sobre la estructura armónica. Wakenius anunció el conocido tema Nuages (Django Reinhardt). El silencio del público, muy atento a la evolución del concierto, se hizo omnipresente, para escuchar la melodía del violín de Márquez y las posteriores improvisaciones. La alegre partitura How About You? (Burton Lane / Ralph Freed) y la comentada por Boussaguet, NHØP una preciosa balada del contrabajista danés Niels-Henning Ørsted Pedersen, realizada a piano y contrabajo, para lucimiento del contrabajista, relajaron por el momento la dinámica del concierto. Terraza anunció un tema suyo llamado Give Me Another, en el que lució el solo del pianista con su narrativa musical, porque Terraza, a la vez que toca cuenta historias con el piano con su lenguaje lleno de recursos discursivos. La romántica balada Someone To Watch Over Me (George Gershwin) desarrollada con incursiones de guitarra, piano y violín, entregadas y líricas, y I’ve Got Rhythm, también de Gershwin dieron el camino de salida a la cita, no sin antes despedirse con un bis, el blues Making Whoopee, cerrando así una actuación magistral.

Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías © Loyola Pérez de Villegas, 2022

La Opinión de Murcia - Young Gun Silver Fox y Skol 2022 (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

25 AÑOS SIN TETE: El jazz español abre su corazón a Tete Montoliu (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

25 AÑOS SIN TETE: El jazz español abre su corazón a Tete Montoliu

(XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

CHANO DOMÍNGUEZ, HORACIO FUMERO, DAVID XIRGU, ELADIO REINÓN Y CARME CANELA.

Chano Domínguez lideró a un quinteto de lujo sobre el escenario del Parque Almansa para conmemorar el veinticinco aniversario de la muerte del recordado pianista catalán. La emotividad del tributo contrastó con la enérgica propuesta de los norteamericanos Vintage Trouble, que se encargaron de cerrar a golpe de guitarra esta octava noche de conciertos.

IVÁN URQUÍZAR

Merecido homenaje el de este jueves en el Auditorio Parque Almansa con el espectáculo 25 años sin Tete, dedicado al compositor y pianista Tete Montoliu (1933–1997). El catalán fue el primer músico precursor e impulsor del jazz en España, quien por vez primera traspasó las fronteras de nuestro país llegando a ser reconocido a nivel internacional, dejándonos a su muerte un gran legado y el camino allanado para las siguientes generaciones de músicos que siguen formándose en este género musical universal. La extraordinaria trayectoria de Montoliu está avalada por un centenar de trabajos discográficos, bien como líder o como acompañante

El proyecto, que se estrenaba en el marco del Jazz San Javier, liderado por el pianista gaditano Chano Domínguez, no dejó indiferente a ninguno de los presentes, interpretando temas originales del homenajeado y recreándose en la música de algunos autores que influyeron en la carrera artística del gran maestro. Los integrantes del quinteto –además de Domínguez al piano, Eladio Reinón al saxo tenor, Horacio Fumero al contrabajo, David Xirgu en la batería y la cantante Carme Canela– entregaron todo su potencial y poderío artístico para deleitar al expectante público reunido en el escenario principal del festival.

Puntual a su cita, la actuación comenzó con varias piezas de grandes figuras del jazz que inspiraron a Montoliu, a saber: el blues Freddie Freeloader, de Miles Davis, interpretado en formato de trío, y el romántico bolero Historia de un amor, de Carlos Eleta Almarán, a cuarteto con el saxofonista valenciano Eladio Reinón, que estuvo en varias formaciones del pianista catalán, realizando destacadas melodías e improvisaciones con el tenor. No podían faltar tampoco algunas referencias a otra de las influencias más notorias en la vida musical del maestro, la del carismático pianista estadounidense Thelonious Monk, del cual interpretaron dos temas a tempo de swing: Evidence y I mean you, ejecutados a la manera de Domínguez, arropado por el contrabajo de Fumero y la batería de Xirgu, asiduos compañeros del pianista.

Después, el líder de esta formación invitó al escenario a Carme Canela para interpretar la sofisticada balada Lush life , de Billy Strayhorn, llenando con su cálida voz el espacio sonoro del auditorio. La cantante deleitó a los presentes con otras piezas musicales, entre ellas el bolero Cómo fue, del compositor cubano Ernesto Duarte Brito, y, tras un breve inciso, el cuarteto continuó con el standard Fried bananas, del saxofonista Dexter Gordon, ocasión especial para las improvisaciones de Reinón, que realizó un espléndido solo y jugó con el pianista y el baterista sobre estructuras armónicas de ocho compases, elevando la intensidad del tema.

Canela salió de nuevo al escenario para anunciar una parte del concierto dedicada a Joan Manuel Serrat, estimado amigo de Montoliu, al que el maestro le dedicó el álbum Tete Montoliu interpreta a Serrat hoy (DiscMedi, 1996). Dos canciones fueron las elegidas: Aquellas pequeñas cosas y Paraules d’amor. Y, tras este inciso, l contrabajista Fumero, compañero durante muchos años de Montoliu, contó que al pianista no le gustaba tocar en directo sus propios temas, pero sí había uno que solían interpretar en los clubs y salas, un blues titulado Jo vull que m’acaricis, del cual tocó un pequeño arreglo en solitario llamado Carícies, antes de iniciar el tema completo con el grupo.

La actuación daba indicios de finalizar y Domínguez anunció otra partitura de Montoliu titulada Acuarela, que desarrollaron a ritmo de swing con la voz y el scat de la cantante. Como era de esperar, el público solicitó una última pieza a modo de bis, On the Green Dolphin Street, de Ned Washington y Bronislau Kaper, despidiéndose con ella los músicos de una noche mágica y entrañable. Fue una actuación especialmente emocionante, dado el carácter del tributo, que seguro quedará en el recuerdo de buena parte de los asistentes.

Vintage Trouble

El set de Vintage Trouble.

IVÁN URQUÍZAR

La segunda parte de la sesión estuvo protagonizada por la banda estadounidense de blues rock Vintage Trouble, que encaró su actuación de forma espectacular desde el primer momento. Sus cuatro discos editados hasta ahora les han proporcionado cierto prestigio en los ámbitos de la música que realizan, una mezcla de R&B, soul, blues y rock and roll que hace las delicias de sus seguidores. La mayoría de sus canciones son bailables, por lo que la organización del festival anunció que habría un espacio y un tiempo antes de que el público se posicionara delante del escenario, para impedir con ello que las primeras filas no pudieran también disfrutar durante la primera hora del concierto, una buena opción por parte de la organización.

La banda, integrada por el cantante Ty Taylor, el guitarrista Nalle Colt, Rick Barrio Hill al bajo eléctrico, Richard Danielson en la batería, y Tawy Angelique encargada de los coros, conectó rápidamente con el público, deseoso de levantarse de sus asientos a ritmo de las canciones. Todo llegaría. El grupo comenzó su actuación con el tema Love with me, un inicio explosivo y arrollador que dejó claras las intenciones del quinteto. La potente voz de Taylor encontraba su lugar sobre el sonido desbordante, pero controlado, de sus compañeros, destacando la guitarra de Colt, que realizó una labor impresionante durante el concierto.

La actuación continuó con el blues Low down dirty dog (Son House), enmarcada en las profundas raíces del estilo; Nancy Lee, incluida en el álbum The Bomb Shelter Sessions, de 2011, y Blues hand me down, también de ese mismo disco. El abanico de temas elegidos para el repertorio abarcó canciones ligeras y algunas baladas, en las que lució la formidable y aterciopelada voz del cantante, como en el tema My whole world stopped. El imparable Taylor prosiguió con 24-7-365 Satisfaction Man, de su reciente álbum titulado Juke joint gems, de 2021, mientras que la banda volvió a la carga con todo en la recta final de la actuación. Tocaron el rock’n roll Pelvis Pusher, editada como sencillo en 2019, y de nuevo destacó el guitarrista Nalle Colt con un solo arrasador. A estas alturas del concierto parte del público ya estaba en el espacio permitido para bailar, mientras que el resto lo hacía desde sus respectivos asientos. El quinteto acabó su concierto con el tema The World’s gonna have to take a turnaround. Sin duda, otra actuación inolvidable para los cientos de admiradores que acudieron a la cita del Jazz San Javier.

Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías © Iván Urquízar, 2022

La Opinión de Murcia - El jazz español abre su corazón a Tete Montoliu

El retorno de los dioses: Peter Bernstein & Mark Whitfield Organ Quartet (We All Remember Wes) (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

El retorno de los dioses: Peter Bernstein & Mark Whitfield Organ Quartet (We All Remember Wes)

(XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)

Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier, Murcia

Fecha: 9 de julio de 2022

Grupo:

Peter Bernstein & Mark Whitfield Organ Quartet

Peter Bernstein: guitarra eléctrica.

Mark Whitfield: guitarra eléctrica.

Phil Wilkinson: órgano Hammond.

Mourad Benhammou: batería.

Otra noche de jazz con mayúsculas en el Jazz San Javier con la visita de dos relevantes nombres de la guitarra: Peter Bernstein y Mark Whitfield. Cada uno de ellos representa un estilo diferente del otro. El estilo de Bernstein es metódico, y quizá más sobrio, no hace ostentación de sus cualidades, algo que contrasta con el de Whitfield, que mostró más pasión y artificio técnico. No quiero dar una opinión positiva o negativa sobre el carácter personal de cada músico, ni mucho menos, cada uno tiene el derecho y la libertad de ser como es, pero sí cotejar el contenido estilístico y musical que existe entre los dos. Hay una estrecha relación entre la forma en que tocamos un instrumento musical y lo que somos como personas. Al fin y al cabo la música que tocamos, como ocurre en otras artes, es parte de esa forma de expresión interior que transmitimos.

Ambos músicos poseen una extraordinaria carrera artística por separado, avalada por numerosos trabajos discográficos. Unidos por el mismo proyecto ofrecieron un concierto basado en un homenaje en torno al gran guitarrista Wes Montgomery, que fue y sigue siendo uno de los músicos más influyentes en el mundo de la guitarra de jazz.

“Four On Six” tocado a un tempo alto (fast) fue el primer tema de la actuación anunciado por Whitfield, portavoz del cuarteto en las presentaciones. Las ruedas de solos se alternaban entre las guitarras. Whitfield con su sonido brillante atacaba las notas y arrastraba los acordes a la manera de Montgomery, mientras Bernstein, con un sonido más delicado, desarrollaba sus solos con personalidad y estilo propio, logrando intensificar el tema a base de su singular manera de utilizar escalas y patrones.

Wilkinson y Benhammou, inmersos en un groove poderoso y una clara interacción, también tuvieron su papel en las improvisaciones de dieciséis compases sobre la estructura armónica. El mágico “West Coast Blues” tocado a swing medio, atenuó, por el momento, la dinámica de la actuación. La entrada en los solos fue para Bernstein, con un sonido limpio sin estridencias, para después dejar paso al órgano de Wilkinson, y a la guitarra de Whitfield que proporcionó más impulso e intensidad a la pieza.

En el blues “Fried Pies” lució la improvisación de Wilkinson apoyado por los riffs de las guitarras. La preciosa balada “Round Midnight” (Thelonious Monk / Cootie Williams) fue una vuelta a la relajación, en cuyo proceso compartieron melodías, arreglos y solos con las guitarras, bajo la atenta escucha de un público silencioso. “Twisted Blues” a ritmo de fast swing, devolvió la dínámica del comienzo de la actuación, destacando las incursiones de Wilkinson y Benhammou, baterista decisivo en los tempos con sus precisos acompañamientos. Continuaron con la conocida partitura “Full House” a tempo de vals, en la que destacó el intenso despliegue improvisatorio de Whitfield. Para velocidad vertiginosa la del tema anunciado por Whitfield, “Impressions” de John Coltrane. La pieza modal de treinta y dos compases dio mucho de sí, y fue bien aprovechada por todos los componentes del cuarteto para realizar extensas improvisaciones. Las flexibles y suaves digitaciones de Bernstein y los apolíneos y enérgicos fraseos de Whitfield enriquecieron el desarrollo de la partitura. El entusiasmado público acompañó con palmas los primeros compases de “Road Song” una divertida interpretación del tema que daba supuestamente pie al fin de la actuación. Como suele pasar, el grupo se despidió con un bis, “Missile Blues”, dando por acabada, ahora sí, otra cita inolvidable.

En la mitología griega el protector e ingenioso Hermes, y el bello y pasional Apolo, eran dos de los dioses de la música, además de ocuparse de otras labores, cada cual con una personalidad bien definida. Esa noche, cansados de la vida disipada en el Olimpo, decidieron descender al mundo de los humanos para reencarnarse en los dos protagonistas principales del concierto.

Tomajazz: Texto © José Antonio García López, 2022

Fotografías: © Pedro Sáez, 2022

Tomajazz - El retorno de los dioses: Peter Bernstein & Mark Whitfield Organ Quartet (We All Remember Wes) (XXIV Festival Internacional Jazz San Javier)